Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF - http://blogrtbf.typepad.com/le_blog_culture_de_christ/

11 11 2011/PRIX DE LA CRITIQUE théâtre/danse 2011/INVITATION et NOMINATIONS

 

 

 

Prix théâtre/danse INVITATION et NOMINATIONS

Vendredi 11 novembre 2011

A tous ceux qui n’auraient pas reçu d’invitation, par mail ou poste, à la remise des Prix  de la Critique Théâtre /Danse 2011, aux 14 lauréats sur 40 nominés, voici une invitation à imprimer pour avoir accès au Théâtre National, le lundi 14 à partir de 20h15. Nous vous attendons nombreux. Le National comporte 700 places!

Prix de la critique Théâtre /Danse2011 (c) Patrice Junius

Invitation/Rappel

Le lundi 14 novembre, au Théâtre National à Bruxelles, nous fêterons ensemble les lauréats des Prix de la critique (théâtre/danse) de la saison 2010-2011. Soyez des nôtres dès 20h 15. Après la proclamation, nous partagerons le verre de l’amitié.

La liste de tous les nominés 2010/2011 se trouve ci-dessous et sur notre site : www.lesprixdelacritique.be , qui vous fournit aussi les nominés et lauréats des années précédentes ainsi que des archives vous proposant les programmes scannés de 1952 (les Eves du Théâtre !) à 2010. Un trésor pour les curieux.

Vu la date tardive (11/11/2011) de ce rappel, venez au National, muni de cette invitation préalablement imprimée.

 

Cet appel s’adresse aussi bien aux comédiens, danseurs, membres des jeunes compagnies qui n’auraient pas reçu par mégarde d’invitation qu’à tous les amateurs de théâtre et de danse qui veulent témoigner leur sympathie à ceux qu’ils fréquentent de loin toute l’année.

Mais vous pouvez aussi confirmer votre réponse par mail à Nadine Lamotte au  Théâtre National nlamotte@theatrenational.be.

Au plaisir de vous retrouver, le lundi 14 novembre.

Amicalement.

Christian Jade, président de l’ASBL  Prix de la critique (théâtre/danse.)

Michèle Friche, présidente du jury.

Liste des nominés 2011.

Spectacle. Habituation d’Anne-Cécile Vandalem ; Himmelweg de Juan Mayorga ; Ivanov Remix d’Armel Roussel.

Mise en scène. Bête de Style (Frédéric Dussenne) ; I would prefer not to (Selma Alaoui) ; Nothing Rien Niks Nada (Eric De Staercke).

Comédienne. Muriel Legrand (Bête de Style, Hêtre) ; Anne-Marie Loop (I would prefer not to, Juste la fin du monde) ; Magali Pinglaut (Soudain l’été dernier).

Comédien. Philippe Jeusette (Occident, Le Projet HLA), Nicolas Luçon (Ivanov Remix) Michelangelo Marchese (Himmelweg).

Seul en scène. Chronique d’une ville épuisée de Fabrice Murgia, par Olivia Carrère ; Rue du Croissant de Philippe Blasband, par Mohamed Ouachen ; Vy de et par Michèle N’Guyen.

Espoir féminin. Olivia Carrère (Chronique d’une ville épuisée) ; Sarah Brahy et Aline Mahaux (Ajuste tes pensées petite sœur) ; Charlotte Villalonga (Hêtre).

Espoir masculin. Damien De Dobbeleer (I would prefer not to); Antoine Guillaume (Antoine Guillaume assume) ; Benoît Piret (L’Institut Benjamenta).

Scénographie. Frédérique De Montblanc (I would prefer not to); Chloé De Wolf et Joël Larouche (Le Non de Klara) ; Sébastien Fernandez et Aurélie Borreman (Le projet HLA).

Création artistique et technique.

*Habituation : Thierry Gilet (vidéo), Samuel Marchina (lumières), Juliette Wion (son).

Pierre Kissling (musique).

*Kiss and Cry : Nicolas Olivier (lumière), Julien Lambert (image), Boris Cekevda (son), Bruno Olivier et Gabriella Iacono (manipulations)

*Institut Benjamenta : Matthieu Ferry (lumières

Auteur belge. Céline Delbecq (Hêtre) ; Régis Duqué (Hors-la-Loi) ; Thibaut Nève (Toutes nos mères sont dépressives)

Découverte. Ajuste tes pensées petite sœur de Sarah Brahy et Aline Mahaux ; Hors-la-Loi de Régis Duqué ; Où les hommes mourraient encore de Sophie Linsmaux et Aurelio Mergola.

Spectacle de danse. De l’air et du vent, chorégraphie de Pierre Droulers, Kiss and Cry de Michèle Anne De Mey et Jaco Van Dormael ; Minutes Opportunes, chorégraphie de Michèle Noiret.

 Théâtre Jeune Public. Le Bureau des Histoires du Théâtre du Tilleul; L’Ennemic du Mic Mac Théâtre ; Le Roi sans royaume de l’Agora Théâtre.

Prix Bernadette Abraté. Huguette Van Dyck de la Samaritaine.

NB : deux catégories de spectacles mis en rouge car avertis plus tardivement que les autres ! Avec nos excuses

01/11/2011/ Oedipe de George Enesco/ La Monnaie/Fura del Baus/

Oedipe de Enescu:un fleuve «intranquille».

 

L’Œdipe du Roumain de Paris Georges Enescu, n’est pratiquement jamais représenté depuis sa création en 1936 sauf à Bruxelles, en 1956 et en Roumanie où il est le musicien national.

 

"Oedipe" de Enescu. m.e.s Fura dels Baus (c) Fura dels baus

 

Critique : ***

C’est donc un nouvel acte de bravoure de Peter de Caluwe, directeur de la Monnaie, d’avoir voulu représenter cet opéra réputé difficile par sa partition riche et complexe, le prix d’une distribution nombreuse et d’un chœur gigantesque et la difficulté à mettre en scène de manière contemporaine ce drame fondateur.

Au début il y avait Sophocle, racontant en deux parties, Œdipe-Roi et Œdipe à Colone la tragique histoire d’Œdipe pauvre bébé abandonné, qui tue son père Laïos par hasard et épouse sa mère Jocaste aussi par hasard. Une lutte entre des dieux pervers et un homme qui passe du statut de Roi à celui d’enquêteur sur sa propre vie et qui lorsqu’il découvre son crime involontaire-avoir tué son père et couché avec sa mère se crève les yeux et part en exil non loin d’Athènes à Colone. Un mythe popularisé par Freud qui en a fait le centre et le moteur de la psyché humaine.

George Enescu et son librettiste Edmond Fleg ont rassemblé les deux moments de Sophocle en y ajoutant un prologue et un épilogue qui permettent de suivre la vie d’Œdipe du berceau à la mort, transformée en une sorte d’illumination chrétienne, comme si Œdipe, ayant surmonté le destin néfaste, était devenu un homme libre digne du paradis chrétien. Le metteur en scène Alex Ollé, de la Fura dels Baus essaie d’actualiser cette tragédie par une série de clins d’œil, plus ou moins réussis. Le prologue se déroule sur un immense retable, très beau mais statique, inspiré par le portail baroque de la cathédrale de Milan. Il insinue d’emblée le côté christique de la naissance de l’enfant Œdipe, abandonné comme Moïse et sauvé par un berger, préparant sa rédemption christique finale, dans un immense puits de lumière. Le divan de Freud n’est pas oublié, quand Œdipe recherche sa vérité intérieure. Pour symboliser la peste qui s’abat sur Thèbes, Alex Ollé a recours à une invasion de couleur rouge sombre, rappel de cette coulée de boue toxique près de Budapest à l’automne 2010. Enfin la Sphynge, personnage mythique malfaisant, mi-femme, mi- lion, qui menace la ville de Thèbes, a les ailes d’un avion allemand type Messerschmidt !

C’est d’ailleurs un des moments les plus sublimes-et visuellement et musicalement- de tout l’opéra. D’abord parce que cette sphinge est incarnée avec une énergie folle et une justesse vocale stupéfiante par Marie-Nicole Lemieux. Et, musicalement on est enfin totalement conquis par cette musique d’Enescu, très belle comme du Fauré (son maître français) densifié par la tradition germanique mais pas totalement convaincante. Harry Halbrech, qui considère cet opéra méconnu comme une des cimes du XXè siècle cite, dans le programme, une anecdote significative sur Enescu. «La Sphinge, dit Enescu, sent sa mort prochaine et elle ulule, comme une bête épiée par le chasseur. J’ai dû inventer ce cri, imaginer l’inimaginable. Quand j’ai posé la plume…j’ai cru que j’allais devenir fou ». Eh bien cette folie, elle produit toujours son effet, ici sublime. Pour le reste on a aimé, mais pas à la folie, ce que l’excellent chef d’orchestre Léo Hussein appelle «un distillé des goûts musicaux du XXè siècle». Une difficulté majeure explique que cet opéra, de haute tenue soit si peu joué : le rôle d’Œdipe, baryton-basse, présent pendant les trois quarts de l’action, doit résister longuement à un orchestre parfois étouffant. Lors de la deuxième exécution de l’œuvre, Andrew Schoeder en Œdipe s’est montré très résistant mais sans grande force dramatique.. On comprend, à voir un peu souffrir cet Œdipe, surtout dans les graves que José Van Dam ait toujours préféré un enregistrement du rôle que l’affrontement quotidien avec l’orchestre !

Au total, il faut que tous les mélomanes aillent voir cette curiosité raffinée, rarement jouée et qui vaut le déplacement. La mise en scène de la Fura del Baus n’atteint pas le niveau de génie de son Grand Macabre de Ligeti mais cela reste plein d’astuces avec comme seul bémol pour moi Thésée et sa suite déguisés en scaphandriers en tenue blanche. Compte tenu de la difficulté d’une partition à découvrir, l’orchestre et les chœurs s’en tirent à leur honneur. On leur souhaite au plus vite un titulaire permanent pour homogénéiser l’ensemble.

Œdipe de Enescu à la Monnaie jusqu’au 6 novembre.

Infos:

http://www.lamonnaie.be/

Christian Jade (RTBF.be)

28/10/2011/Indigène de Franz Xaver Kroetz/m.e.s. Nathalie Mauger/ Théâtre de la Balsamine/ Théâtre de l'Ancre/

Indigène, de Kroetz, une soupe à la grimace.

La mode est  au conte revisité: après Pinocchio le bruissant, d’ Eugène Savitskaya et Cendrillon de Joël Pommerat, voici Indigène de F.X Kroetz, mis en scène par Nathalie Mauger. Des hommes marionnettes qui peinent à convaincre .

"Indigène" F.X. Kroetz m.e.s. Nathalie Mauger (c) Hichem Dahes.

Critique:**

« Pièce pour grand théâtre guignol. L’indigène est peuplée d’une faune absolument jouissive: Kurt, vieux pantin retors, avec un cancer au larynx; Toni, jeune pantin maigre, atteint du sida; Hugo, pauvre pantin stupide, avec un cancer de l’intestin; Irmi, l’indigène…(étymologiquement « celle qui est née là » ), bavaroise, ….inspirée des contes de Grimm,… la Femme qui accouche d’un enfant pour lequel, désespérément elle va chercher un père« .

Voilà le «pitch», livré par le dossier de presse, exact à ceci près que, hélas, cette faune n’a rien de «jouissif.». La faute au texte ou à la mise en scène ? Franz Xaver Kroetz n’a pas l’habitude (heureusement!) de «faire dans la dentelle». Son dernier texte, vu au Théâtre National en 2009, Negerin, mis en scène par lui-même, montrait un trio ignoble, mari, femme, amant, dans un style expressionniste percutant, à la Fassbinder, dont il a subi l’influence. Et ce texte-ci, L’Indigène cultive aussi l’outrance et la scatologie. Mais ce  n’est pas l’essentiel de l’échec : la scatologie peut faire rire. Ici elle glace, passe difficilement le premier degré, tient à distance le rire ou l’émotion : on est dans la platitude mal assumée. Alors la faute à la mise en scène ? Nathalie  Mauger nous a déjà donné de très grands bonheurs avec, par exemple, des acteurs shakespeariens devenus «pantins», déguisés en femmes, dans La Nuit des Rois, en 1999, récompensé par la critique comme meilleur spectacle de l’année. Donc, a priori, Kroetz et Mauger bénéficiaient d’un préjugé favorable, mais ici l’alchimie ne prend pas.

Mathilde Lefèvre et Luc Brumagne"Indigène" F.X. Kroetz m.e.s. Nathalie Mauger (c) Hichem Dahes.

Dans sa note d’intention, N. Mauger nous donne la clef de son échec: «Quel théâtre demande plus une adhésion de son public que le théâtre de marionnettes ? Une croyance en l’histoire en train de se faire sous ses yeux» Or, à la première, aucune adhésion du public, à peine quelques rires discrets pour un «grand guignol» tellement intellectualisé qu’il n’est ni comique ni tragicomique : on est indifférent au malheur des «avatars humains» sous nos yeux, on n’a pour eux ni compassion ni rire complice, ni adhésion à un «esprit critique» lourdingue. Or l’avantage de la «marionnette» c’est qu’elle est universelle, on peut projeter sur elle encore davantage que sur un être humain, vu son ambiguïté. Ici Nathalie Maugier ne parvient pas à nous intéresser à son «histoire» d’accouchements successifs plus grotesques les uns que les autres. Et il n’y a pas un pouce d’ambiguïté qui libérerait un peu d’imaginaire.

Et pourtant elle dispose de quelques atouts majeurs : d’excellents acteurs, dont Mathilde Lefèvre dans le rôle impossible de la Femme, dont elle se tire avec les honneurs, et Luc Brumagne, qui incarne touts les héros malades et lâches, avec cran mais sans grandes nuances. Autre atout (par moments) la scénographie de Johan et Johanna Daenen, qui permet, surtout à la fin, un certain dynamisme.  Et se livre, ici et là, à quelques clins d’œil notamment vers l’arbre dépouillé de «En attendant Godot»et son… Christ… égaré et muet. Pour l’efficacité du  récit «off» qui lie les «morceaux», il faudra se recycler chez Joël Pommerat tout comme  pour la musique, lourdement «faussement» bavaroise, comme un très pesant cabaret brechtien.

Au total, un matériau de base (texte, scénographie, acteurs) qui aurait pu être drôle, percutant, d’un cynisme ravigotant et qui ne décolle pas, comme un avion cloué au sol des bonnes intentions.

L’Indigène, de F.X Kroetz, m.e.s. de Nathalie Maugier, à la Balsamine, jusqu’au 29 octobre, puis au Théâtre de l’Ancre (Charleroi) du 15 au 19 novembre.

Infos

http://www.balsamine.be/

http://ancre.be/

Christian Jade (RTBF.be)

15/10/2011/Cendrillon de J.Pommerat/Théâtre national/

 

 

Cendrillon de J.Pommerat:chef d’oeuvre.

Après Le Petit Chaperon Rouge et Pinocchio, voici Cendrillon, le troisième conte « pour enfants » repensé et « redessiné » par  Joël Pommerat, artiste français associé au Théâtre National. Une première mondiale, hors de France, mélange subtil d’émotion et d’humour.

Cendrillon, d'après Grimm de J. Pommerat (c) Cici Olsson

Critique:****

Sandra, une petite fille comme tout le monde? Oui et non. Mais c’est vrai qu’avant de devenir Cendrillon, elle devra résoudre un problème majeur pas féérique du tout: comment devenir elle-même et se délivrer de la fidélité à une mère morte, dont elle interprète mal les derniers mots. La très belle scène entre mère et fille qui débute et conclut le spectacle est son fil conducteur.

Cendrillon n’est pas une « petite sainte » entourée d’animaux bienveillants  mais une sale gamine au langage impertinent …qui nous fait rire autant qu’elle nous émeut. Émouvante car Joël Pommerat nous la montre un peu « maso », face à ses garces de belles sœurs. Comme si elle voulait se punir, à coups de tâches domestiques, de ne pas être assez fidèle à sa mère morte avec laquelle elle feint de communiquer par téléphone portable (dans le conte de Grimm elle va prier plusieurs fois par jour… sur sa tombe). Deborah Rouach l’incarne à merveille, avec un mélange de gouaille, de rouerie  et de sérieux qui nous rendent ce personnage « féérique » très vraisemblable, avec une curieuse part de mystère.

La belle -mère est bien une méchante mégère  et hurle ses colères, mais surtout…elle devient la vraie « rivale » de ses filles et de sa belle-fille, Cendrillon, auprès du Prince,  un petit malheureux, lui aussi rongé par la perte de sa mère. (Très drôle c’est lui qui offre sa chaussure à Cendrillon pour qu’elle puisse le retrouver!). Dans ce rôle ambigu de belle-mère et rivale, Catherine Mestoussis éclate de vérité et contrôle parfaitement le rôle quasi hystérique qui  lui est attribué. Et  la fée (délicieuse Noémie Carcaud) est drôle et cocasse car pas  toute puissante: elle aussi a des failles humaines qui font se marrer toute la salle, grands et petits. Une fée copine , quoi! Et un père « charmant » de Sandra/ Cendrillon,  Alfredo Canavate: il joue aussi le père du Prince, en finesse discrète.

Derrière cette réussite des interprètes, il y a le texte,  contemporain aux dialogues alertes  de Joël Pommerat, avec une récitante en off qui nous cadre l’histoire dans une ambiance de rêve éveillé. Il y a aussi cette manière unique de Pommerat de jouer sur une lumière minimaliste, installant le songe et la féérie en douceur, pour mieux nous plonger dans les vérités inconscientes. Ni animaux bienveillants,  ni citrouille/carrosse, ni palais endimanché. Une seule métamorphose: la chaussure de verre devient une maison de verre où se heurtent des oiseaux perdus. Un vrai cauchemar ou un conte initiatique qu’enfants ou adultes peuvent vivre à leur niveau d’angoisse ou d’émerveillement. La plus belle réussite de Pommerat dans le domaine du conte pour enfants/adultes. Une intelligence sensible au service de nos rêves, sans leçon de morale: du grand art.

Cendrillon, d’après Grimm et Perrault,de Joël Pommerat au  Théâtre National jusqu’au 29 octobre.

Infos:http://www.theatrenational.be/

Christian Jade(RTBF.be)

13/10/2011/ " L'un d'entre nous"/Transquinquennal/Tristero/Théâtre Varia/

 

 

« L’un d’entre nous », qui c’est?

Après Coalition un des trois meilleurs spectacles 2009-2010, les groupes bruxellois Tristero (flamand) et Transquinquennal (francophone) remettent ça avec « L’un d’entre nous »: images censurées, d’où le point d’interrogation d’accroche. Humour garanti.

"L'un d'entre nous". Tristero et Transquinquennal.

Critique:***(*)

Avec ces deux groupes on part souvent d’un théorème, poussé jusqu’à l’absurde. Au départ, Peter Vanderbempt (Tristero) avait envie de se moquer de la politique, des lieux communs déclinés à longueur de plateaux télévisés, des clichés. Le truc: faire circuler parmi un groupe de comédiens la question: que savez-vous de la politique ? et ça donne une litanie: en politique, on doit faire des choix, dit l’un. Comique de répétition: En politique, on doit faire des compromis, enchaîne un ou une autre. Cela dure 20 minutes et à la fin on est vacciné contre tous les virus des nombreuses campagnes électorales passées ou à venir. Plus fort . Le même système s’applique aussi bien au registre de l’amour. En amour on doit faire des compromis. Comique de répétition au carré. Et 20 minutes de rires en plus (attention, ils trouvent quand même des formules différentes, parfois, pour l’amour et la politique!!). D’autant que chacun des comédiens vit sa réplique avec sa personnalité espiègle, ou faussement sérieuse ou sèche ou nuancée: cela donne une petite partition musicale, avec un savoureux mélange d’accents, pimenté de comique de situation (chuuut, censure sur le comique de situation, allez les voir, ils sont si beaux!). Enfin cerise sur le gâteau la troisième partie est un petit règlement de comptes feutré sur les défauts des uns et des autres: les acteurs restent acteurs mais jouent sur leur vie privée poussée également vers le grotesque , le saugrenu ou le banal.

Au total , ça donne une bonne heure d’humour fin, pas  prise de tête mais pas  vulgaire, ni lourdingue. D’accord pour ma « chute » avec le Standaard: « un spectacle intelligent qui va droit au but ».

NB: ils n’ont pas besoin de venir dans la salle accrocher le public en fausse « interactivité »: tout ce qu’ils disent on le dit ou le pratique presque tous les jours. Miroir, mon beau miroir, en riant d’eux on rit avec eux … de nous-mêmes. Quoi de plus théâtral?

A voir au Petit Varia, jusqu’au 15 octobre.Info:     http://www.varia.be/

On leur souhaite de nombreuses reprises, in beiden talen.

 

Christian Jade (RTBF.be)

14/10/2011/"Une société de services".Françoise Bloch/Théâtre Les Tanneurs/ Théâtre de l'Ancre/

 

 

Une société de services, critique, élégant, drôle.

Après « Grow or go », qui nous plongeait dans le monde de la consultance et de l’entreprise, Françoise Bloch poursuit sa quête d’un théâtre documentaire , avec « Une société de services« . Sa nouvelle cible: le monde du télémarketing, ces gentils casse-pieds sous-payés qui vous assaillent du matin au soir au téléphone.

Une société de services. F. Bloch © antonio gomez garcia

Critique: ***(*)

Le risque majeur du théâtre documentaire c’est  d’être très peu « documentaire », par rapport à une enquête journalistique et pas assez « théâtral » pour l’amateur de théâtre passionnel ou comique. L’art de Françoise Bloch est fait d’humilité, d’intelligence et de pas mal d’humour. Elle  a l’art de guider  quatre jeunes acteurs vers leur meilleure expressivité, un pied dedans (l’entreprise, le théâtre), un pied dehors, mi-observateurs, mi-victimes . D’abord  ils participent au « système », quasi esclavagiste, de profit pour le profit au nom du progrès et du bien-être, contraints par le besoin de survivre. A coup de graphiques, de situations vécues, parfois de l’intérieur par un acteur « infiltré », on voit se développer les rapports de force et d’exclusion, la concurrence imposée, le racisme sous-jacent. Le couvercle finira par exploser  dans un mail qui traduit   par un habile graphisme , l’immense révolte sous un texte d’abord lisse. Tour à tour patrons et  employés, les acteurs passent habilement d’une situation de victime à celle de bourreau. Sous ses allures brechtiennes  d’analyse critique de la société, ce théâtre joue sur le rire et le décalage, mêle habilement textes chantés, dialogues, monologues, vidéo avec un rythme juste qui permet à la mise en scène de déployer son charme. Un charme qui habite ces quatre jeunes acteurs avec mention spéciale à Pierrick De  Luca. Et surtout  Aude Ruyter, patronne redoutable, victime émouvante, jeune espoir surdouée: pour nous, une révélation.

Ce spectacle aurait mérité, comme quelques autres, aux Tanneurs, cette année, non pas 5 mais 10 représentations, pour laisser plus de temps au « bouche à oreille ».

Si vous ne pouvez le voir ce samedi aux Tanneurs filez au Théâtre de l’Ancre à Charleroi la semaine prochaine.

Ce samedi 15, aux Tanneurs

http://www.lestanneurs.be/

Et du 19 au 22/11 à L’Ancre , Charleroi.

http://ancre.be/saison-2011-2012/une-societe-de-services/

Christian Jade. (Rtbf.be)

08/10/2011/ Contes africains d’après Shakespeare", de K. Warlikowski: noir pessimisme/Théâtre de la Place / Théâtre de Chaillot

Pouvoirs de l’autodestruction: K.Warlikowski a choisi trois héros shakespeariens» réduits à la marge, pour porter sur scène sa vision du monde. Avec une scénographie qui découpe au scalpel cette humanité familiale détruite de l’intérieur.

 

Contes africains d'après Shakespeare de K.arlikowski (c) M.F Plissart

Critique: ****

Ces trois «contes africains » (en fait familiaux et tribaux par la cruauté primitive du «clan») commencent par un prologue intitulé «Vivre» (drôle de vie ) et se terminent par un épilogue chanté et dansé où toute la distribution nous donne une leçon de salsa( !), menée par une des filles cyniques du Roi Lear, Régane. Sarcasme initial et dérision finale : on est bien dans le rire grinçant ou la douleur intolérable qui parcourent la majorité des mises en scène de K. Warlikowski. Le fil conducteur, c’est la déchéance du Roi Lear par deux de ses filles Goneril et Régane qui «lance» le premier «conte shakespearien», centré sur une autre «chute», celle du juif Shylock, dans le Marchand de Venise. Lear revient à la fin du 2è «conte»-centré sur Othello- où on le voit confiné dans un asile. Et il occupe la totalité du 3è conte avec une scène d’anthologie où Lear, couché sur un lit d’hôpital, muet puisqu’il a la gorge trouée par une opération, écoute la seule fille qui l’aime, Cordélia lui asséner un monologue d’amour filial…pas vraiment conventionnel.

Il faut dire que sur ce «schéma shakespearien» de base, qui ne reprend que quelques scènes des trois pièces, de nombreux inserts contemporains viennent se greffer pour passer du Shakespeare littéral, «daté» à trois «contes» contemporains. Le Sud Africain Coetzee parle d’Afrique et de la question juive en termes actuels et donne de la force au monologue de Gonéril, fille rebelle de Lear, au début du 3è conte. Elridge Cleaver, ex-black panther, offre une vision sulfureuse d’Othello .Les monologues du Libanais Wajdi Mouawad, font vibrer trois héroïnes shakespeariennes un peu effacées dans le texte d’origine, Portia dans Le Marchand ce Venise, Desdémone dans Othello et surtout Cordélia dans Le Roi Lear.

Cette composition en « puzzle» de plus de cinq heures, avec 2 entr’actes, a une belle consistance globale, d’une cruauté plus verbale que physique, plus métaphysique que politique. Pas question de Grand-Guignol élisabéthain où le sang gicle et où les épées font des moulinets spectaculaires. Shylock, Othello et Lear sont détruits de l’intérieur, parias victimes de leur propre clan (Lear), des préjugés d’époque (racisme anti-juif –Shylock- ou anti-noir- Othello) des préjugés qui manifestement survivent à Shakespeare. Et ce n’est pas la pirouette finale …via une salsa party qui démentira le message global d’un monde impitoyable pour les exclus où l’amour est un horizon improbable.

Un bémol à l’ensemble : quelques longueurs dans les monologues de W.Mouawad ou les citations de Coetzee pourraient être corrigées lors des versions ultérieures d’une très longue tournée. Et un «plus»: le jeu incroyablement juste d’une équipe d’acteurs soudés, utilisant habilement la sonorisation pour jouer sans emphase ces répliques monstrueuses et autodestructrices. Avec un coup de chapeau particulier à l’acteur qui joue successivement Lear, Shylock et Othello : d’autant plus qu’il  ne tire nullement son épingle du jeu, jouant l’équipe plus que le solo. Coup de chapeau aussi à l’équipe de sur-titreuses qui, en français et néerlandais, rendaient ce très beau texte compliqué, accessible et passionnant.

 

Contes africains d’après Shakespeare, de K. Warlikowski au Manège (Liège) ce samedi 9 octobre à 16 h .Infos

http://www.theatredelaplace.be/

Pour ceux qui l’auraient raté à Liège signalons qu’ils pourront le voir à Paris  au Théâtre Chaillot  du 16 au 23 mars.

http://theatre-chaillot.fr/les-spectacles-de-theatre

 

Christian Jade (RTBF.be)

03/10/2011/Création mondiale à Liège/ Warlikowski/ "Contes africains, d'après Shakespeare"

 

 

Krzysztof Warlikowski, vedette polonaise de la mise en scène de théâtre et d’opéra, qui vient d’offrir à Bruxelles (La Monnaie), une reprise de la Médée de Cherubini, offre à Liège (Théâtre de la Place) une première mondiale, hors Pologne (exceptionnel) de ses « Contes africains d’après Shakespeare » et quelques autres. Du 5 au 8 octobre. Interview.

 
K.Warlikowski.Interview sur "Contes Africains"(c) Magda

Curieux personnage que Krzysztof Warlikowski, à la fois très polonais, ne travaillant qu’avec ses acteurs et dans sa langue, avec la même scénographe (Malgorzata Szczesniak) depuis plus de vingt ans mais se revendiquant d’une tradition «occidentale» (il a été assistant de Peter Brook et parle un excellent français). Je l’ai personnellement découvert à Avignon, il y a 10 ans, dans un sublime Hamlet. Shakespeare, c’est sa Bible mais l’enfant prodigue aime brûler ce qu’il a adoré. Dans ses Contes africains, il tue le «père» symbolique en le découpant littéralement en tranches.

Voici l’essentiel d’une interview  dont vous découvrirez un extrait «vocal» ci-dessous.

Christian Jade : Vous avez construit «Contes africains» autour de trois personnages shakespeariens, le Roi Lear, le juif  Shylock, du Marchand de Venise et Othello, interprétés par le même acteur. Leur point commun ? Pourquoi mêler ces trois pièces ?

Krzysztof Warlikowski: Le vieillard, le juif, le noir ce sont trois visages des exclus de notre société, des figures de l’Autre, de l’Etranger, de l’Outsider. Je connais bien Shakespeare pour avoir monté onze de ses pièces mais je n’ai plus envie de me mettre au service d’un texte achevé, complet. Depuis Apollonia, je préfère confronter des textes d’auteurs différents, anciens et modernes qui se répondent.

C.J : Dans Contes africains, pourquoi demander à Wajdi Mouawad et J.M Coetzee de «compléter» Shakespeare ?

K.W :J’ai constaté que Shakespeare donne la parole aux hommes et très peu aux femmes. J’ai voulu combler ce manque en demandant à Wajdi Mouawad de construire le monologue de Cordélia, la fille cadette du vieux Roi Lear, que son père affronte, dès la première scène avec cette exigence: «Dis-moi comment tu m’aimes». Attitude abusive. Moi-même j’ai été traumatisé quand mes parents m’ont demandé à l’âge de cinq ans, lequel des deux, père ou mère, je préférais ! Je n’ai pas su quoi répondre, un enfant n’est pas un diplomate. Et je ne suis toujours pas guéri de ce traumatisme. Eh bien cette simple question de Lear à sa fille Cordélia est comme une bombe qui fait exploser l’univers, qui amène la guerre, la mort et la fin du monde ! Le Sud Africain Coetzee, dans L’été de la vie, nous donne une fascinante mystification autobiographique en faisant interviewer par un jeune universitaire quatre de ses anciennes amours : lui aussi donne la parole aux femmes.

C.J : Pourquoi Contes africains ?

K.W : Il y a plusieurs explications. Le maure Othello et le juif Shylock sont ressentis comme africains ou non-européens. Mais le Roi Lear lui-même je le ressens comme faisant partie d’une «tribu» plus que d’une «famille». Ce côté tribal est au cœur de bien des conflits et j’aime explorer cette matière primaire, archaïque, primitive des instincts humains. Après tout l’espèce humaine est née en Afrique et le continent où se passe l’action est devenu un désert. Ou peut-être est-ce l’univers de mon imagination qui est devenu un désert ?

C.J : Cordélia de Shakespeare, si j’ai bien compris, c’est un peu  vous à 5 ans, vous aimez la pseudo-«autobiographie» de Coetzee, l’Afrique c’est soit votre «matière archaïque», soit le «désert» de votre imagination. Ces «contes africains», sont en partie autobiographiques ?

K.W : Depuis Apollonia et La fin (N.B : deux spectacles de K.Warlikowski qui ont fait étape à Liège) j’ai comme un pressentiment de «la fin», d’une folie de l’homme qui l’emmène à l’autodestruction et à la destruction du monde.

  "Contes africains". K.Warlikwski (c) M.F Plissart

Contes africains d’après Shakespeare » de K. Warlikowski, au Théâtre de la Place, Liège, du 5 au 8 octobre.

Spectacle en polonais, surtitré en FR et en NL

Info: http://www.theatredelaplace.be/

La création de ce spectacle est accompagné de l’exposition du photographe polonais Konrad Pustoła qui se tient dans les murs de l’Espace Uhoda, à Liège, du mercredi 5, jour du vernissage (17h30), au dimanche 9 octobre 2011.
La visite est gratuite.

Christian Jade (RTBF.be)

 

Sonore:

Téléchargement 11 10 03 WARLICONTES

 

Dans l’extrait d’interview ci-dessus, K. Warlikowski nous explique sa double filiation polonaise et occidentale à partir d’une question :

Quel est votre rapport à Grotowski et Kantor, maîtres incontestés de la période 1970-1990 ?(1 mn. 20)

 

26/07/2011/Festival d'Avignon 2011/Retours sur Belgique/"Life and times"/Kelly Cooper et Pavel Liska/"Violet" de Meg Stuart/Sur le concept du visage de Dieu /Romeo Castellucci

 

 

Au moment où le festival IN plie bagage, une poignée de souvenirs et d’impressions fugitives.

Les retours en Belgique.

Life and Times, Chronique d’une vie de Kelly Copper et Pavel Liska.

C’est un des rares moments festifs et sans prise de tête du Festival. On a apprécié ce projet un peu fou de retranscrire littéralement les 16  heures de confessions, de sa naissance à aujourd’hui d’une femme appartenant au groupe marginal américain Nature Theater of Oklahoma. Cela tient évidemment de la performance mais transformée en expérience collective. Sur le plateau, six acteurs (jeunes) chantant et dansant le texte,  nous livrent une douce parodie de la comédie musicale et du feuilleton télévisé américains. Nous avons eu la chance d’assister au deuxième épisode, le meilleur paraît-il. La preuve:  il est importé par les meilleurs théâtres flamands au printemps 2012.

Life and Times, Chronique d’une vie

Kaaitheater /Brussel ( 8-10 mars), de Singel/Antwerpen(16 et 17 mars) et Vooruit/Gent(25 et 26 mai) .

Violet de Meg Stuart : danseurs écrasés par un génial batteur.

On connaît bien Bruxelles la chorégraphe américaine installée chez nous et qui est en résidence au Kaaitheater. Elle introduit souvent avec humour dans ses chorégraphies des questions de société ou des thèmes familiaux ou amoureux.

Violet est une partition plus abstraite avec des danseurs écrasés par l’énorme percussionniste Brendan Dougherty, qui nous la joue tellement rock à décibels déchaînés, qu’il a la politesse de distribuer des boules Quies à l’entrée ! Ce déchaînement initial est suivi, à mi-chemin d’une  percussion plus douce qui permet aux danseurs de revenir dans le jeu, de renaître à un peu de cohésion entre eux. Pièce abstraite, impressionnante de force musicale mais qui nous laisse sur un point d’interrogation : la danse et le théâtre ne sont-ils pas submergés par l’art dominant :la musique ? Cas de Bertrand  Cantat face à Sophocle, mis en scène par Mouawad , et dans une moindre mesure d’ATDK dont la musique du Moyen Age, l' ars subtilior paraissait plus convaincante que la chorégraphie.

A voir au Kaaitheater, cette saison www.kaaitheater.be

Sur le concept du visage de Dieu de Romeo Castellucci.

Après un raté technique au Singel, à Anvers, ce printemps, l’œuvre y reviendra cette saison.

Problème pour le spectateur provoqué jusque dans son intimité et sa pudeur : on voit le rapport entre un père en phase terminale incapable de retenir sa dysenterie. Le fils BCBG essaie de l’aider, de le langer devant nous,  une fois deux fois trois fois : chacun pense à un membre de sa famille en fin de vie. Si vous le prenez au premier degré, c’est « scatologique ». Mais une très belle image du fils de Dieu, le Christ, que son  Père a obligé à s’incarner dans la douleur, ne cesse de nous regarder, dans une douceur irréelle Et soudain on passe de la scatologie  à l’eschatologie, le sens divin ou non à donner à la vie. Une bande de gamins surgit qui tentent de détruire l’image de Dieu à coups de grenades. Puis l’image s’auto-détruit  dans  un  concept final  "Faites vous partie de ce troupeau guidé par la foi ?"En moins d’une heure tout est dit.

Choquant pour les uns, salutaire pour les autres, dont je suis.

Du 1^er au 4 février 2012 www.desingel.be

Simple coup de cœur   Ebauche d'un portrait de François Berreur.

Ce texte est une reconstitution partielle du Journal de Jean Luc Lagarce. Créé en 2008 au Théâtre Ouvert à Paris, il mériterait de circuler, peut-être réduit d’une demi heure, pour excès d’allusions au microcosme parisien. Lagarce, auteur et metteur en scène  est mort, lentement, du sida. Ce n'est  pas un "exhibitionniste" de sa maladie  mais son témoignage sur la relativité de son activité littéraire, qui pourtant le passionne (contradiction) et sur les progrès de sa maladie sont un morceau d’anthologie, fin, subtil, émouvant.

Surtout que, pour défendre ce monologue, Laurent Poitrenaux un des acteurs les plus  doués du paysage théâtral français actuel, donne la mesure de son talent. On l’avait déjà apprécié dans Jan Karski de Nauzyciel. Il a un  une présence intime au texte et une capacité de la  transmettre en douceur au spectateur . Un acteur  dont la carrière mérite d’être suivie de près.

Christian Jade (RTBF.be)

25/O7/2011/ Festival d'Avignon2011/Kristin", d'après "Mlle Julie" de Strindberg/Le chef d'oeuvre 2011./"Mlle Julie" revisitée par Katie Mitchell et Leo Warner.

 

 

Mademoiselle Julie, de Strindberg se présentait, à Avignon, cette année, sous deux formes: à la française, avec la vedette de cinéma Juliette Binoche. Et à l'anglo/allemande, une mise en scène anglaise de Katie Mitchell, produite par la Schaubühne de Berlin: elle fait voir le drame des amants du point de vue de la servante, Kristin.

 

Kristin, d'après Mlle  Julie 

Une révélation.  

 

Soyons francs : il y a des comparaisons qu’on fuit, d’instinct. Juliette Binoche, extraordinaire actrice de cinéma, devenue une Mlle Julie de théâtre, nous laissait sceptique, surtout mise en scène par Frédéric Fisbach, auquel nous avouons être assez allergique. Alors on a évité. Et l’autre version Kristin, une Mlle Julie, revue par une Anglaise, Katie Mitchell, installée pour l’occasion à la Schaubühne de Berlin, nous attirait davantage. Le déplacement de l’action des protagonistes vers le personnage secondaire, la servante Kristin, et l’utilisation d’une construction cinéma, au théâtre, ces «détournements» d’action et de genre nous intriguaient. Et notre curiosité fut bien récompensée. C’est pour ce genre de défis qu’on aime Avignon.

Il y a un pari risqué, au départ de Kristin: ne conserver de Mlle Julie que les passages où Kristin, cuisinière, «fiancée» du domestique Jean est en scène, assistant à la conquête de son fiancé par Mlle Julie.Il ne reste alors que trente pour cent de la pièce et un fil rouge à retravailler, réécrire et «revisualiser».Seule l’utilisation de la caméra permet de montrer, par le gros plan, la détresse intime de Kristin, ou l’arrogance des amants. Ou encore, à partir de la chambre de Kristin d’ «espionner» quelques-unes des scènes principales du «complot» amoureux qui finit tragiquement. Ou d’échapper au huis-clos, à partir d’une minutieuse reconstitution d’une «fausse» nature, avec des brindilles d’herbe sur un coussin. Ou d’assister constamment à la fabrication des images avec des camera-men et -women qui passent d’un endroit à l’autre avec une dextérité inouïe et dont on peut vérifier le cadrage. De même, de «vrais» bruits  sont fabriqués en direct sous nos yeux dans la cuisine de Kristin, qui devient  le laboratoire du film en train de se faire. Idem la musique du violoncelle est parfois vue en direct ou enregistré.

Trop sophistiqué ? Eh bien non ! Le prodige est là : on est témoin d’un drame naturaliste, dont on connaît les grandes lignes, vécu comme un monologue intérieur subjectif par Katrin, avec un commentaire off poétique, une sorte d’éloge de la nature. Le tout est mis à distance par la fabrication, discrète et ostensible à la fois, d’un film en train de se faire sous nos yeux, sur l’énorme largeur du plateau. C’est la 3è histoire, ce film en construction, qui n’enlève rien aux deux premières, le drame naturaliste des amants et les émotions subjectives de Kristin, subissant en gros plan son amour détruit. Impossible de décrocher une seconde : les trois niveaux nous relancent sans cesse.

Alors que la mode est à la grossière simulation d’un rapport salle/scène, où l’acteur s’introduit dans le public pour le faire soi-disant «participer à l’action», ici l’intelligence du spectateur est sans cesse sollicitée de participer à la fabrication de ce drame, tout en éprouvant de l’intérieur la détresse de Kristin ! Prodigieux. Pour l’esthétique du film, confiée au remarquable vidéaste Leo Warner, on est, de l’aveu de Katie Mitchell, entre les premiers Bergman, très lyriques et Michael Hanneke, très graphique. Quant aux acteurs Jule Böwe, Kristin, Tilman Strauss, Jean et Luise Wolfram, Julie, ils sont d’une expressivité totale. Mais c’est toute l’équipe technique qui est à saluer pour la prodigieuse précision, en live, de ses  cadrages !

Par rapport aux vidéos prodigieuses de Guy Cassiers, qui jouent sur une technique «invisible», dynamisant la force du théâtre, Katie Mitchell transforme le théâtre en film, une étape de plus mais pas du tout le retour au bon vieux «théâtre filmé» ! Je connaissais Katie Mitchell de réputation pour avoir été récompensée, ce printemps par les prestigieux Prix Europa. Cette jeune femme «quadra» s’est taillé une solide réputation dans son propre pays, aussi bien à la Royal Shakespeare Company qu’au National Theater, puis en Suède et en Allemagne, tant au théâtre qu’à l’opéra (Salzbourg notamment).

Il serait temps qu’on la découvre dans nos régions. Son spectacle, créé en 2010 à Berlin, est le seul des spectacles d’Avignon à ne circuler NULLE PART !! La France (Avignon mais aussi, en juin, un festival au Théâtre de la Ville, Chantiers Europe) commence à la découvrir. Avec elle le théâtre «savant» et «moderne» reprend ses droits face à la performance, à l’esbroufe, misant tout sur le choc et, parfois, le toc.

On attend un programmateur belge audacieux (et vraisemblablement « fortuné ») pour diffuser ce genre de théâtre haut de gamme.

Kristin, d’après Mlle Julie, de Strinberg, adaptation et mise en scène de Katie Mitchell, à Avignon jusqu’au 24  juillet.

Christian Jade. (RTBF.be)