Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF

22 12 08 Océanie:le choc (esthétique) des civilisations (Espace ING Bruxelles

Océanie: le choc (esthétique) des civilisations

Il existe à Paris un superbe Musée des «arts premiers», voulu par Jacques Chirac, qui propose des collections et expositions touffues et passionnantes. Avec moins de moyens, on peut parfois frapper l’imagination tout aussi fort. C’est le cas de l’exposition Océanie, organisée, Place Royale, dans l’Espace ING.

C’est un véritable enchantement qui vous saisit, une fois franchi le seuil cde cette exposition «exotique». Petite par la taille elle réussit la gageure de faire le tour de trois archipels de l’Océan Pacifique-un tiers de l’espace de la Terre, en quelques salles
. d’une beauté esthétique à couper le souffle .J’ai passé, rien que dans la salle centrale, plus d’une heure sous le charme de ces objets rituels ou simplement pratiques ou guerriers, reliant les hommes entre eux ou la terre aux divinités. On y  trouve des objets usuels, (comme des porte-tête, des pagnes ou des colliers d’une simplicité que jalouserait le design moderne) des objets rituels servant aux cérémonies d’initiation des garçons ou à la guerre -masques, statues, faites à partir de crânes humains-. Ou encore, liés aux rituels de fécondation, soit à la femme, soit…à la mort. Ainsi en nouvelle Irlande, les crânes enterrés étaient surmontés de boutures à croissance rapide pour lier la mort à la fertilité!

L’exposition propose toutes ces explications ethnographiques passionnantes, soit par des panneaux muraux situant l’espace immense du «Pacifique», soit par un excellent guide audio, soit enfin par un catalogue du Fonds Mercator, aux textes savants mais très accessibles et aux illustrations parfaites. Enfin un intelligent parcours «enfants»les oblige (tout comme nous) à vérifier le sens de l’observation..

L’expo a une autre valeur didactique:elle rafraîchit notre mémoire sur ces îles mythiques encombrées de clichés (les Iles Marquise, Tahiti, les Iles Fidji, Hawaii, de Pâques) et rappelle la distinction fondamentale entre les trois archipels, la Mélanésie, autour de la riche civilisation de Nouvelle-Guinée, la Polynésie, et sa multitude d’îles et la Micronésie avec sa poussière de petites îles. Une leçon de géographie bienvenue.

Mais la première valeur de ce très bel ensemble, c’est sa valeur esthétique. Elle nous fait comprendre, un siècle et demi plus tard, l’enthousiasme d’un Gauguin pour la vie sous les tropiques et plus tard la passion de Picasso et de nombre de cubistes et de surréalistes pour ces arts «primitifs». La proximité de «l’art nègre» nous fait oublier que cet art lointain d’Océanie a enthousiasmé, à raison, André Breton, qui en possédait une très belle collection.

Grâce soit rendue à de nombreux établissements internationaux et à des collectionneurs privés, belges pour la plupart, d’avoir prêté pour cette remarquable synthèse, des oeuvres d’une valeur inestimable, exposées pour la première fois.

Océanie, Espace culturel ING, 6 place Royale, Bruxelles, jusqu'au 15 mars. Espace découverte pour les enfants. Catalogue, 35 euros via www.ing.be/art Tél.02-547.22.92.

CHRISTIAN JADE

14 12 08 Les fulgurances de Cobra (Bruxelles/Musées des Beaux-Arts)

LES  FULGURANCES DE COBRA (1948-1951) 

Au lendemain de la deuxième guerre mondiale, un mouvement artistique, mêlant idéalisme politique et combat esthétique naissait sous l’impulsion d’un Belge, Christian Dotremont. S’appuyant sur un groupe de Hollandais (Karel Appel et Constant)et un Danois( Asper Jorn), il prétendait échapper et aux écoles de Paris et au «pape du surréalisme» de l’époque André Breton et à l’abstraction pure.

Bruxelles: nous plonge dans les années glorieuses mais éphémères de Cobra un mouvement artistique de révolte contre la «vieille» avant-garde surréaliste, fidèle à André Breton. Cobra, superbe image de serpent révolté, n’est que la simplification de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam, les trois capitales «décentrées», refusant la suprématie parisienne. Au lendemain de la seconde guerre mondiale, les jeunes  artistes européens se trouvaient coincés entre une guerre froide qui opposait Soviétiques et Américains et une avant-garde vieillissante, le surréalisme rhétorique à la française. Un remarquable catalogue(1) patronné par Michel Draguet, directeur des Musées Royaux des Beaux-Arts, plonge dans l’historique de ce mouvement éphémère mais par lequel sont passés tant de grands artistes de ce siècle :Pierre Alechinsky, Pol Bury, Asger Jorn Karel Appel Corneille et Constant. Mais l’expo, limitée aux trois ans d’existence officielle de Cobra, nous révèle quantité d’artistes moins connus mais aux œuvres remarquables de Jacques Doucet et Jean-Michel Atlan ou Raoul Ubac à Carl-Henning Pedersen ou Henry Heerup, très bien représenté ici par des sculptures curieusement places sur du charbon.

Historiquement on retrouve les années 1945/1951 et l’idéalisme un peu fou de Christian Dotremont, à la fois surréaliste et communiste, croyant pouvoir mêler ses deux amours en un «surréalisme révolutionnaire», rejeté à la fois par les communistes- condamnés au « réalisme socialiste»- et par les surréalistes, refusant d’être de simples «compagnons de route» à la Sartre. Cette gestation difficile se lit à travers les 10 numéros de la revue Cobra, dirigée par Christian Dotremont mais où Alechinsky eut sa part

Ce qu’on retient de cette exposition -riche de collections privées belges et de fonds publics danois , belges et hollandais, 180 œuvres- c’est d’abord une liberté d’invention formelle qui emprunte, aussi bien à l’art des enfants, au primitivisme de l’art brut qu’à l’art abstrait ou à l’expressionnisme. Mélange dynamique des genres avec nombre d’œuvres peintes et écrites en collaboration, comme les fameux logogrammes de Dotremont dont il parsème les œuvres de Jorn mais aussi d’Alechinsky ou Atlan. Les collaborations graphiques de Dotremont avec ses amis dépassent les années 1951.

Enfin cette exposition se poursuit à Bozar, dont le directeur, Paul Dujardin a eu l’excellente idée d’inviter le musée de la gravure de La Louvière à exposer sa riche collection Cobra.

(1)Cobra, en 3 versions, française, anglaise et néerlandaise, Ed. Lannoo, 306p ; 35 €

Christian Jade

Cobra (1948-1951), Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles, www.fine-arts-museum.be

Cobra et Cie, Bozar, www.bozar.be

06 12 08 Mons /Serge Poliakoff(BAM).Bustamente/Le Grand Tour/Grand Hornu

EXPOSITIONS/MONS

Poliakoff et Bustamente: de l’abstraction au mélange des genres.

La Ville de Mons, candidate 2015 comme «Capitale européenne de la culture», multiplie les initiatives. Au «Mac’s», de Laurent Busine,(au Grand Hornu), une rétrospective de Jean-Marc Bustamente, «Le Grand Tour. Au BAM (Musée des Beaux-Arts de Mons),  une rétrospective de Serge Poliakoff.

Christian Jade

Un Russe à Paris

Curieux destin que celui de Serge Poliakoff, Russe, né en 1900, émigré en France en 1923 et qui vécut de ses talents de musicien de jazz, dans les cabarets parisiens jusqu’en 1952.Il a donc attendu de longues années avant de pouvoir vivre de sa peinture, même si son talent  se fortifia au contact de Kandinski, Sonia et Robert Delaunay ou encore Otto Freundlich et, plus tard, Malevich. Il puise donc son inspiration première dans le langage des formes inventé par l’avant-garde de l’art abstrait international, mais avec un esprit moins mathématique, moins intellectuel, moins optimiste aussi. Ce solitaire n’était pourtant pas un isolé:il appartenait à un groupe, aux contours un peu flous, la deuxième «Ecole de Paris», qui comportait aussi bien des artistes d’origine russe, comme Antoine Pevsner et Nicolas de Staël que Hans Hartung et Pierre Soulages. Leur point commun:ils se réclamaient d’une certaine «légèreté» française par rapport à Auguste Herbin, pape de l’abstraction géométrique pure et dure.

La rétrospective du BAM permet de voir le passage d’un artiste encore figuratif peignant, en 1937, une «danse russe tsigane», ou en 1940 un «Nu au canapé bleu» encore très proche de Matisse, mais avec de fortes tendances au découpage géométrique du corps .Puis se succèdent des ‘ «compositions», intitulées «polychromes», « monochromes» ou «abstraite»s.

 Ces formes géométriques aux couleurs tantôt vives, tantôt sombres s’imbriquent parfois comme un «puzzle»e-il détestait cette réduction de son art à ce mot simple- tantôt comme une construction aux contours irréguliers, où le charme vient soit de la clarté des formes coupées au couteau, soit d’une superposition subtile de couleurs aux couches subtilement  fondues. Certains critiques voient dans ses toiles la nostalgie de l’icône, renforcée par certaines compositions en triptyques, qui rappellent les œuvres religieuses anciennes. Je me contente d’apprécier chez lui un goût prononcé des échanges subtils entre forme et couleur, où projeter nos états d’âme.

Le  «Grand Tour» de  J.M.Bustamante

Avec Jean-Marc Bustamante, on entre dans une autre époque::art conceptuel ou non?. Dans une interview au magazine «Bozar», Bustamante se veut clair: « nous formions, au début des années 80, un groupe d’artistes hétérogènes mais qui proposait autre chose, en défiance à l’égard d’un art strictement mental, conceptuel ou minimal et pour un retour à l’objet… Intéressé par la peinture, j’essaie d’ouvrir une nouvelle brèche, de nouvelles sensations en revisitant le décoratif, la forme, la couleur. Ce retour à la beauté m’apparaît une notion centrale dans l’art actuel. Mais malgré Matisse, les Français en ont très peur».

Alors retour à Matisse? Par l’esprit oui, polymorphe, en recherche perpétuelle de nouvelles matières et techniques et parfois même par la forme.

La courbe et la rigueur, exprimer le plus avec un minimum d’effets, jouer de la répétition créatrice, tout cela est bien dans l’esprit du «maître». Le mélange des genres, aussi: Matisse est passé de la peinture à la sculpture(«je fais de la sculpture comme un peintre», dit-il) de la gravure au vitrail, sans oublier l’invention d’une technique propre; les gouaches découpées .Avec des techniques et des matières de notre époque, plexiglas, sérigraphie, photographie, J.M Bustamante, joue, amusé, sur «tous les tableaux».Ses photographies, il les appelle «tableaux», ses peintures abstraites deviennent des «panoramas», ses sculptures des «paysages». Il se jour des genres et à l’intérieur de chaque genre, l’utilise à sa mode. Les photographies, grand format, nombreuses dans l’expo, tirées à un exemplaire, comme une peinture (!) sont volontairement «délocalisées», mais reflètent beaucoup mieux qu’un reportage réaliste un vide existentiel, une déshumanisation sèche, sans emphase ni sentimentalité. Quant à ses plexiglas, qu’il les laisse nus, les transperce de lumière comme un vitrail ou y imprime ses propres dessins, ils sont un sommet de son expressivité imaginative.

NB : une œuvre magistrale de Bustamante «LavaII», est aussi visible à Bozar, dans le Grand Hall Horta, à Bruxelles, jusqu’au 8 février

Serge Poliakoff, rétrospective, au BAM, Mons, jusqu’au 8 février. Info: 065 40 59 71 ou www.mons.be

Le Grand Tour de JM Bustamante, au Grand Hornu, jusqu’au 15 février. Info :065 65 21 21 ou www.mac-s.be

01/12/08/Espace de libertés//Paris:Picasso et les maîtres. Emil Nolde(1867-1956):le cannibale et le terrien

 

 

Picasso, le «cannibale»  et Nolde, le «terrien»

(paru dans Espace de libertés, revue du CAL, ULB,décembre 2008)

 

 

 

  Curieuse rencontre, au Grand Palais, à Paris, de deux maîtres de la peinture du XXè siècle. Tout  les oppose, à commencer par la notoriété, en France du moins. Des foules, en rangs serrés, se pressent pour l’exposition « Picasso et les maîtres » alors qu’on pénètre, sans se presser, dans cette première «grande»  rétrospective de l’expressionniste allemand, sobrement intitulée « Emil Nolde, 1867-1956 » : presque une épitaphe. Les Français semblent allergiques à l’expressionnisme allemand. Ils ont tort.

 

 La réciproque est vraie : Nolde ne s’est jamais plu à Paris où il perfectionna tardivement, âgé de plus de 32 ans, une carrière de peintre commencée… à 28ans. Ce fils de paysans, pour échapper à sa condition, avait d’abord fait des études d’ébéniste, puis de sculpteur. Né dans un coin reculé du Schleswig-Holstein, à la frontière de l’Allemagne et du Danemark, entre mer du Nord et Baltique, Emil Hansen prit, comme peintre, le pseudonyme de Nolde, village de sa naissance. Une fidélité incroyable le lie à cette terre et à ses paysages marins, jusque dans la mort, puisqu’une fondation/musée, regroupant nombre de ses chefs d’œuvre, est installée dans ce coin perdu, à Seebüll, Une superbe section de l’exposition parisienne, « la mer», rend compte de ce bonheur absolu de Nolde au contact de ces paysages tumultueux, image mouvante de son âme tourmentée .Sa destinée est une curiosité de l’histoire de la peinture : professeur de dessin industriel à St Gall, en Suisse, il peint des sommets alpins, avec des personnages grotesques, au format de cartes postales. Elles se vendent si bien qu’il peut vivre désormais de sa peinture. D’instinct il se détache de l’impressionnisme français, qu’il trouve fade et mièvre, de Renoir à Monet. Seuls Manet, Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Matisse et Ensor trouvent  grâce à ses yeux. Un choix qui le définit : tous sont  des «expressifs», des chercheurs de vérités intimes et spirituelles. Mais sa vraie chance est d’être adopté, à près de quarante ans, en 1906,  par une génération plus jeune, qui a le vent en poupe, le groupe « Die Brücke », séduit par ses tempêtes de couleurs. Il y rencontre Kirchner, Pechstein, Heckel, se lie d’amitié avec Edward Munch fait partie de la « Sécession » berlinoise, s’en fait exclure. Vient alors, en 1912, son chef d’oeuvre, visible à Paris, un retable consacré, à la «Vie du Christ», d’un primitivisme plus humain que mystique .Le reste de sa vie  tient de la magie et de l’enfer.  Magie d’avoir été l’ami (pas toujours facile) de tous les grands, de Kandinsky à Paul Klee. L’enfer : avoir été, brièvement, national-socialiste en 1934, par aveuglement nationaliste, avant de se faire ridiculiser, comme « artiste dégénéré », finalement interdit de peindre par le régime nazi. L’exposition de Paris est un enchantement pour les connaisseurs et une excellente initiation pour tous les amateurs de cet expressionnisme allemand, souvent montré à Bruxelles, au Musée d’Ixelles.

 

 

Picasso, le « cannibale» facétieux.

 

 

Pas la peine de présenter Picasso, l’extraverti, le génie précoce, l’éternel conquérant d’une. France fascinée par son talent L’antithèse exacte de Nolde. L’exposition parisienne est un must absolu, un coup de  maître. On y voit un Picasso gourmand, croquant à belles dents, «cannibalisant» les œuvres de tous ses « maîtres », de Rembrandt à Goya, de Vélasquez à Manet, d’où un rassemblement inouï de chefs d’œuvre venus des plus grands musées du monde, pour une comparaison «live». Cela commence par un rassemblement émouvant d’autoportraits de Rembrandt, El Greco, Goya, Cézanne et… Picasso et se termine par un fascinant défilé de nus coquins de Picasso, clin d’œil à l’Olympia de Manet ou la Maya desnuda de Goya. Une impressionnante série inspirée par les Ménines de Vélasquez nous donne la clef de cette perpétuelle recherche : pour Picasso le chef d’œuvre est un défi à surmonter pour se retrouver, encore plus fort. Impossible de bouder son plaisir.

 

 

Picasso et les maîtres (jusqu’au 2 février)

Emil Nolde (1867-1956) (jusqu’au 19 janvier)

www.grandpalais.fr