Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF

Mijn Oriënt / Mon Orient: Vlaamse Opera, saison 2010-2011

Shirin Neshat, Iam Its Secret (1993) photo by Plauto

Le nouveau directeur de l’Opéra des Flandres, Avie Cahn, aime les saisons thématiques. Après une saison sur l’utopie et une deuxième sur les marges de la société, il appelle sa troisième saison: «Mijn Oriënt» (Mon Orient).

Pour Avie Cahn, (lire ci-dessous l’interview) chacun a en soi «son» Orient, qui, pour lui, commence à Anvers, Gand ou Bruxelles. L’Orient peut être très proche ou très lointain. En opéra, on a tendance à croire que a représentation de l’Orient commence au XIXè siècle avec des œuvres hyper médiatisées, comme Aïda de Verdi ou Sémiramide de Rossini. Un Orient «exotique» qui est né avec les conquêtes coloniales. Mais la tradition orientale est très précoce en Occident et pas seulement à l’opéra. Que l’on songe aux Lettres Persanes de Montesquieu, au Zadig de Voltaire, aux turqueries de Molière et Mozart. La peur des Turcs même rétrospective (la bataille décisive de Vienne date de 1683) est encore présente lorsque Mozart compose Entführung aus dem Serail, un siècle plus tard. Le metteur en scène Eike Grams réfléchit au présent où la crainte du monde musulman est toujours sensible, sous la forme d’El Quaida. Mais Grams songera aussi à la mondialisation en introduisant, dans les récitatifs les langages multiples de notre tour de Babel

Andrej Babenko

La saison 2010-2011 commencera par une œuvre contemporaine, «L’Amour de loin» du Finlandais Kaija Saariaho, sur un livret français d’Amin Maalouf, auteur des «identités meurtrières».Mais l’histoire se passera au Moyen Age, à la Cour de la célèbre Eléonore d’Acquitaine.
Andrej Babenko

Inspiration française aussi avec une œuvre peu jouée, Hérodiade de Massenet, où la recherche et l’affrontement religieux sont centraux. On y retrouvera le jeune chef Dimitri Jurowski, nouveau directeur musical du Vlaamse Opera, remarqué les deux dernières saisons dans le répertoire russe (Mazeppa et Onéguine de Tchaïkovski). On retrouve Jurowski dans une Aïda qui n’aura rien à voir avec le doux Zeffirelli. A la mise en scène le Russe Peter Konwitchny, qui s’est illustré par un Don Carlo peu conventionnel.

Aviel Cahn (c) Kristof Vrancken

Avec Sémiramide de Rossini on joue les valeurs sûres avec le spécialiste italien Alberto Zedda et le metteur en scène anglais Nigel Lowery, auteur, l’an dernier d’un Candide, de Bernstein, festif à souhait. Avec un détour par l’Orient Renaissance de Monteverdi et son Ritorno d’Ulysse in Patria, mis en scène par Michael Hampe, un habitué de Festival de Salzbourg.

Avie Cahn avoue ne pas chercher à tout prix des productions «révolutionnaires» sur scène mais il ne conçoit pas un opéra qui ne nous parle pas aussi de notre époque.

Interview Aviel Cahn Saison 2010-2011
www.rtbf.be/culture/scenes/mijn-orient-mon-orient-vlaamse-opera-saison-2010-2011/

Renseignements sur la saison : www.vlaamseopera.be

Christian Jade

Hanoch Levin: pathétique, le couple

Il a fallu attendre sa mort prématurée, en 1999 (à 55ans) pour qu’on s’intéresse à Hanoch Levin au-delà d’Israël. On découvre alors pourquoi cet enfant terrible de la société israélienne, chéri par la gauche, vomi et censuré par la droite est un grand dramaturge , pas seulement israélien mais universel.

Laborieurse Entreprise © Daniel Locus

Critique*** On n’a pas encore vu en Europe les pièces politiques du jeune Hanoch Levin qui firent scandale en Israël, dans les années 1960-1970 et qui lui valurent la réputation d’auteur sulfureux. En 1968, dans Toi, moi et la prochaine guerre, ou dans Parade victorieuse pour la guerre des 11 minutes au lendemain de la Guerre des 6 jours il osait s’attaquer, dans un cabaret satirique à l’armée israélienne et à ses généraux et même à l’icône Golda Meir .Dans certaines pièces comme La reine de la baignoire, va plus loin, s’attaquant à la religion, pilier de l’Etat juif. Puis il s’assagit, politiquement, mais c’est pour s’attaquer, avec un humour grinçant à la famille et à la société. Des thèmes très ancrés dans la société israélienne mais à valeur universelle.

Dans Schitz, mis en scène par David Strosberg, en 2004 au KVS ; ou Kroum, monté par Krysztov Warlikowski, à Avignon en 2005, on assiste à une énorme parodie des valeurs familiales. L’armée, la société, la religion, la famille, tout est passé à la moulinette d’un humour féroce et destructeur ;

© Daniel Locus

Dans Une laborieuse entreprise, Hanoch Lévin s’attaque à un des derniers ciments sociaux : le couple. Yona, l’homme, se réveille un jour, à deux heures du matin et décide de quitter sa femme, Leviva, après trente ans de mariage. Un retour du refoulé haineux accompagne la fuite d’un paquet de haine. La pièce est un règlement de comptes corsé et odieux de l’homme qui oscille entre fuite et peur de la solitude Non, non, je reste avec toi sur le balcon, avec toi dans la cuisine, avec toi dans le lit. Avec toi pour te faire chier. Je vais baiser dehors – et péter à la maison » fin de citation. Une langue tellement agressive qu’elle parvient à susciter le rire par ses outrances. La femme plaide pour le statu quo sans épargner son lâche de mari.

© Daniel Locus

Une scène de ménage tellement énorme qu’elle dépasse le petit vaudeville du quotidien pour s’apparenter au théâtre de la cruauté. La mise en scène de Christophe Sermet qui place le lit conjugal sur une sorte de ring permet d’installer visuellement le rapport de forces et de haine.

Philippe Vauchel remplaçant au pied levé Bernard Sens, victime d’un accident, est prodigieux de présence physique. D’autant plus crédible qu’avec sa tête de bon garçon et son corps alourdi, la haine prend avec lui une densité universelle: elle est une maladie qui guette tout le monde. Quoi même ce brave type peut être odieux ? Et nous ? Anne Clair est superbe d’ambiguïté dans le rôle de l’épouse qui semble subir et reprend la situation en main. Ses métamorphoses physiques sont du grand art. Bernard Van Dorslaer joue un célibataire casse-pied et ramène un peu de sagesse dans le couple, par peur de la solitude.

Une laborieuse entreprise de Hanoch Levin, au Rideau de Bruxelles, jusqu’au 22 mai.
Infos : www.rideaudebruxelles.be

Christian Jade

"L'ombre" portée de la tyrannie d'Evgueni Schwarz.

(c) Ph. Grimont

Du Russe dissident Evgueni Schwarz, on connaît Le Dragon, dans une mise en scène transcendante, de la compagnie Arsenic; meilleur spectacle aux Prix de la Critique 2002. Ou encore Le Roi nu, présenté au Théâtre National dans une mise en scène spectaculaire de Laurent Pelly (2004). Laurent Pelly qui s'attaque en ce moment au Don Quichotte de Massenet à La Monnaie, pour les adieux de José Van Dam.

Critique:***
Deux grandes pointures donc dans notre mémoire mais la jeune actrice et metteuse en scène Jasmina Doueib suit une belle et exigente logique.Elle nous à proposé, au petit théâtre ZUT un très beau Maeterlinck, puis, au Varia,Littoral de Wajdi Mouawad et l'an dernier Le cercle de craie causasien, à l'Atelier 210: l'usage des marionnetees de Natacha Bellova donnait du mystère et du dynamisme à la fable de Brecht. Manifestement la matière épique et le conte poético-politique sont sa matière de prédilection.

B. Verhaert et V. Lecuyer (c) Ph. Grimont

« Rebelote » donc avec L'ombre d'E. Schwarz, qui part, comme Le Roi Nu d'un conte d'Andersen pour décrire le régime stalinien. On y découvre un sympathique savant qui tombe amoureux d'une princesse et se fait rouler dans la farine par son «ombre», un ami d'enfance ou la partie sombre de lui-même.Il perd donc et l'amour et le pouvoir, deux des moteurs de l'action humaine. Sous la romance, la satire du pouvoir, la caricature, parfois un peu nforcée de ministres sinistres et corrompus.

J. Douieb (c) Ph. Grimont

Une belle scénographie de Xavier Rijs multiplie les « ombres » des personnages par des miroirs qui nous font vivre à l'infini ce cauchemar du dédoublement de la personnalité et de la comédie grinçante dunpouvoir. Yasmina Douieb réussit une mise en scène intelligente et efficace où le dynamisme de ses acteurs trouve sa place dans un espace bien pensé. Il faudrait citer tous les acteurs avec, en tête les fougueux ôles principaux, Benoît Verhaert, l'ombre maléfique, et Vincent Lécuyer, le savant naïf. Du grand théâtre populaire de qualité.

L'ombre, d'E. Schwarz, au Théâtre de Namur jusqu'au 30 avril, puis au Théâtre le Public du 5 mai au 26 juin.

Info:
www.theatredenamur.be
www.lepublic.be

Interview de Jasmina Douieb, metteuse en scène et actice www.rtbf.be/culture/scenes/lombre-portee-de-la-tyrannie-devgueni-schwarz/

Christian Jade

Everything Political: Un pari sur le clip théâtral

VERYTHING POLITICAL (c)Véronika Mabardi

La mode va vers la disparition du langage théâtral au profit de l’image vidéo, de la danse et de la musique. L’étape suivante, est franchie par Véronika Mabardi et Sébastien Chollet: prendre le clip pop comme modèle pour raconter trois histoires croisées.

Critique:*
Pour nous accueillir, avant même que ne commence le spectacle un grand poisson rouge en gros plan s’agite dans son bocal vidéo. Puis il débarque sous forme humaine hilarante. Ca commence plutôt bien tout comme l’énorme frigo prétexte à apparitions de trois histoires parallèles de femmes, la mère et ses fils, jouant avec des tables comme des armes de destruction (un thème récurrent), un couple improbable, une sirène aux formes japonaises, qui serait aussi prostituée repêchée au fond d’un fleuve.

La musique d’une petite douzaine de chansons pop de MGTM à Funkadelik en passant par Radiohead rythme des épisodes de vie quotidienne ou de rêvasseries au bord de l’eau. Pas désagréable, puisque rythmé, coloré et dynamique pendant une demi-heure. Et puis on se dit : mais ça nous mène où, tout ça ? La logique du clip finit par envahir tout, dans un désordre jamais recentré. Encore qu’un vrai clip est pensé jusqu’à la dernière image ou mimique pour donner du sens aux paroles d’un(e) interprète magistrale, qui sait tout faire, chanter, danser, jouer. Ici les interprètes ont l’air de surfer sur des lieux communs sur le sexe et autres enjeux qui échappent de leurs rares prises de parole, assez plates. Ici le groupe chante un play back pénible et n’a, hormis l’interprète japonaise, vraie danseuse, aucun dynamisme quand ils se metent à danser. Mikael Jackson et le moindre clip vu sur MTV ont une cohérence et une fougue que l’adaptation théâtrale, n’atteint jamais. Dommage pour les acteurs qui défendent du mieux qu’ils peuvent cette fausse bonne idée : bâtir une pièce de théâtre sur une enfilade de clips.

Everything political (c) Sébastien Cholet

Dommage aussi pour Sébastien Chollet et Véronika Mabardi, qui semblent s’être trompés d’adresse alors qu’ils ont produit(ou écrit, ou adapté) chacun de leur côté d’excellentes pièces. N’est pas Resnais qui veut. Dans On connaît la chanson, il a construit un film superbe où la chanson française est un contrepoint magistral à l’intrigue en soi banale.

Quant au titre «Everything political», on se perd en conjectures : humour, peut-être ? En Belgique, seul Armel Roussel a su donner un sens politique à la pop musique.

Everything political, au théâtre Les Tanneurs jusqu’au 1^er mai.

Christian Jade

15/04/2010/Symbolisme en Belgique/Musées Royaux des Beaux-Arts:

 LE SYMBOLISME BELGE : FACETTES MYSTIQUES ET CRITIQUES 

  

 Fernand Khnopff Caresses, 1896 © MRBAB / KMSKB, 2010. Guy Cussac

Michel Draguet, directeur des Musées des Beaux-Arts,  est «le» spécialiste de cette époque,  Le symbolisme belge. Son  livre, réédité au Fonds Mercator (39 euros),  tient lieu de catalogue de l’exposition. 


 Curieusement comme commissaire, il refuse le texte explicatif, salle par salle et  l’audio-guide, laissant ici et là quelques citations poétiques. Dommage pour le grand public qui  a une idée vague du  symbolisme, né en Belgique et en France à la fin du XIXè siècle, mais s’appuyant aussi sur des sources germaniques (Wagner entre autres). Littéraire et pictural, il s’oppose au réalisme et à l’impressionnisme, considérés comme matérialistes. Pour Michel Draguet, c’est un art de rupture, qui prône le retour au passé, aux valeurs religieuses, à la nature et à la pensée primitive. De Baudelaire et Mallarmé à Verhaeren et Maeterlinck, une  pensée délivrée du rationalisme. En peinture, les plus beaux frémissements nous viennent de Fernand Khnopff, plongé dans « Bruges la morte » ou le mystère de l’âme féminine, Félicien Rops et sa frénésie d’insinuer la mort dans la chair, ou Léon Spilliaert et ses étranges autoportraits angoissés. L’expo foisonnante (200 pièces), permet une lecture intuitive d’une quantité de peintres belges et français (Odilon Redon, Gustave Moreau) et le libre choix des meilleurs. 

Le symbolisme belge au Musée des Beaux-Arts, jusqu’au 26 juin.

Info : www.expo-symbolisme.be

  

Christian Jade

15/04/2010/ "Cercles/Fictions"/Joel Pommerat / Théâtre National

Joel Pommerat auteur et metteur en scène français est bien connu du public belge. Le Festival de Liège et le Théâtre National accueillent ses productions depuis trois ans. Les marchands , Je tremble , Cet enfant , Pinocchio nous ont introduits dans ce curieux monde où le conteur Pommerat s'appuie sur une rigoureuse scénographie, où la lumière joue un rôle capital.

(c) Elisabeth Carecchio

CERCLES /FICTIONS DE JOEL POMMERAT:CROYANCE ET SOUFFRANCE

Critique:****

Dans Cercles /Fictions, vus à sa création, au Théâtre des Bouffes du Nord, à Paris, la forme circulaire du plateau de scène joue un rôle capital. Nous sommes spectateurs du spectacle et des réactions de nos semblables.Au National, c'est sur le grand plateau, spécialement aménagé, que se déroulera la « cérémonie » .
Joel Pommerat est un conteur, qui s'éloigne de plus en plus du récit linéaire pour nous raconter ses histoires, qu'il affirme (faut-il le croire?) toutes « vécues » par lui.Ainsi, ses « fictions » se déroulent sous forme de « fragments », comme autant de morceaux d'un miroir éclaté que chacun, dans le public, recevra et reconstituera selon sa propre sensibilité.
Au départ, trois blocs se déroulant à des époques différentes:le Moyen Age, le début du XXè siècle et ce début de XXIè siècle. A chaque époque la même thématique, la croyance, le cercle familial, les rites de cruauté sociale. Mais ces trois blocs de temps étaient déjà découpés en fragments.D'où l'étape ultime, le point final, que nous voyons : mêler le jeu de cartes des trois époques et faire se répondre les fragments indépendamment de l'époque. Le risque: la confusion, la perte de sens. Miraculeusement ce pari de brouiller les pistes donne un rythme et un dynamisme oppressant.

(c) Elisabeth Carecchio

Soyons concret par quelques exemples. On commence par une scène étrange où un « maître », très « belle époque » fait une déclaration d'amour... à son serviteur embarrassé. Scène de sado-masochisme insinuant, qui se poursuivra dans l'étude des rapports de force ritualisés à l'intérieur d'une famille bourgeoise des années 1900. Surgit aussi un chevalier du Moyen Age qui se fait adouber...puis commet un crime atroce avant de reparaître, au final, sur une spectaculaire Rossinante. Quant à notre époque, elle voit se dérouler des scènes qui font alterner des clochardes, des sans-papiers, des chômeurs et des formation accélérées au marketing.
Le miracle, c'est que ces cercles brisés, qui jouent sur la surprise du spectateur (ne sachant jamais dans quelle époque il va être plongé), fonctionnent par une logique interne:une interrogation sur la croyance(et ses faux-semblants) et les rapports de force dominant/dominé,de la cellule familiale à la société.
La création d'espaces mystérieux par les lumières subtiles de Jean-Gabriel Valot donne à ce texte qui se veut politique (mais pas donneur de leçons) sa dimension d'intense poésie.

(c) Ramon Serena

L'interprétation transcendante des acteurs, rasssemblés pendant quatre mois autour du projet est une leçon magistrale de théâre vivant qui ne joue pas sur le naturalisme immédiat mais sur la plongée dans le rêve intime. Parmi eux deux acteurs belges, les excellents Dominique Tack et Serge Larivière.

Interview de Joel Pommerat sur la genèse de ce spectacle politique et poétique

Téléchargement 10 04 15 JOEL POMMERAT SUR CERCLES FICTIONS0001228

Christian Jade

15/04/2010/" Sans ailes et sans racines"./Hamadi et Soufian El Boubsi/ Théâtre Le Public

 

 

Sans ailes et sans racines : générations Islam

 

 

Soufian El Boubsi et Hamadi dans Sans ailes et sans racines

 

 

 

Critique:***

 

Vu à Avignon cet été et digne d'intérêt. En ces temps où on reproche souvent aux modérés de l'Islam de ne jamais s'exprimer, voilà une pièce qui donne sa chance à la parole symbolique plutôt qu'à la brutalité de l'affrontement physique.

 

 

 

Ce dialogue père-fils, à la fois "réel"(un vrai père et un vrai fils , tous deux comédiens et écrivains) et "imaginaire", (puisque, dans la réalité, père et fils sont des laïques convaincus). Mais lucides sur la crise des jeunes générations musulmanes en quête agressive d'identité.

En scène, Hamadi, un vieux routier des scènes belges et son fils, Soufian El Boubsi, jeune acteur prometteur. Tous deux auteurs du texte, ils interprètent un conflit de génération intra musulman,  entre un père inspiré par l’esprit des lumières et un fils qui l’accuse de trahir l’Islam et d’être vendu à l’Occident. Deux monologues musclés qui résument deux rêves incompatibles : la religion comme viatique identitaire agressif ou la philosophie laïque, qui risque de fondre la personnalité du père dans un  bain de rationalité sans frontières. Les arguments assez «carrés», parfois sommaires, portent leur poids d’actualité et font mouche sur un public ( jeune et moins jeune) pas nécessairement immigré, qui y retrouve ses interrogations.

On leur souhaite, à Bruxelles,et ailleurs, d'attirer toutes les générations et tous les publics. Il y a là un beau débat pour de jeunes adolescents, issus de l'immigration et leurs copains de classe (ou d'Univ) "autochtones". Que les profs qui me lisent utilisent cet  affrontement verbal de  qualité pour amener leurs élèves au théâtre (premier but) et animer les discussions en classe (deuxième but).

C'est du win-win, "gagnant-gagnant" assuré.

 

Sans ailes et sans racines, au Théâtre Le Public, du 13 avril au 8 mai. Info : www.theatrelepublic.be

 

Christian Jade

Oneguine à l'Opéra d'Anvers : jeunes prometteurs

Le nouveau directeur de l’Opéra des Flandres, le Suisse Avie Cahn a un faible pour l’opéra russe. L’an dernier il nous avait proposé Mazeppa de Tchaïkovski, une œuvre souvent jouée en version concert. Cette fois, c’est le classique Eugène Onéguine qu’il nous propose avec les mêmes atouts : le chef russe Dimitri Jurowski et la metteuse en scène allemande Tatjana Gürbaca . Deux jeunes prometteurs.

Critique:***

(c) Annemie Augustijns

Avie Cahn le nouveau directeur suisse de l’Opéra des Flandres partage le souci de nombre de directeurs d’opéra actuels : transposer les plus célèbres des opéras du répertoire en des versions modernes, reliée à l’actualité. L’an dernier le « Mazeppa» de Tchaïkovski, un Cosaque opposé au pouvoir central de Moscou, devenait une illustration de l’éternelle rivalité russo–ukrainienne, dont les tensions ont ressurgi avec les heurs et malheurs de la « révolution orange ». La scénographie de la jeune Tatjana Gürbaca m’avait séduit par sa capacité à rendre sobrement ce drame romantique réduit à l’essentiel. Autre séduction : la conduite du jeune chef russe Dimitri Jurowski, portant l’orchestre de l’Opéra des Flandres à un lyrisme séduisant, fort, juste et sans emphase.

Entretemps, Dimitri Jurowski a été nommé, à 31 ans, directeur musical de l’Opéra des Flandres et c’est un très beau pari pour cet héritier d’une dynastie fameuse qui compte un grand-père(Vladimir) compositeur, un père (Michael), chef d’orchestre et un frère aîné (Vladimir), 38 ans et déjà directeur musical du Festival de Glyndebourne.

Alors, que donne cette nouvelle production de Tchaikovski, Eugène Onéguine par ce jeune duo, Jurowski/ Gürbaca, entouré de chanteurs dont les trois rôles principaux (Onéguine, Lemski, Tatiana) sont aussi très jeunes ?

(c) Annemie Augustijns

Oubliez le côté « feutré » traditionnel qui rapproche Onéguine d’une version tchékhovienne sobre et de bon goût. Le décor du premier acte nous plonge dans un petit monde contemporain banal mais la direction d’acteurs est parfaite de naturel. Plus difficile à avaler : une ambiance de sauna déjanté pour moderniser la scène d’anniversaire ou encore le bal du prince Grimine qui tourne à la caricature de scène de bienfaisance où les riches se griment en clowns au nez rouge : pas très inventif, tout ça. Guère plus convaincant l’ambiance nationaliste avec fusée-missile en carton-pâte. Par contre le duel entre Lemski et Onéguine, provoqué par une jalousie un peu forcée, donne lieu à un grand moment d’émotion. La scénographie se fait légère et poétique : sur les ruines d’un cimetière militaire, des angess’insinuent, des jeunes filles de noir vêtues. On passe du réalisme un peu arbitraire à une vraie poésie.

Déception scénographique, donc mais bonheur musical : Dimitri Jurowski confirme qu’il maîtrise fort bien l’orchestre du Vlaamse Opera, avec une justesse expressive remarquable des cordes. Ce n’est pas pour rien qu’il a étudié le violoncelle jusqu’à 23 ans avant de devenir chef d’orchestre.

Et puis un grand bonheur à découvrir une jeune voix et un tempérament d’acteur de qualité supérieure : vous entendrez encore parler du jeune baryton finlandais Tommi Hakala, au naturel époustouflant dans ce rôle ambigu d’amoureux cyclothymique. Très joli timbre de voix pour le jeune ténor allemand Tharsten Büttner qui doit apprendre à surmonter la puissance de l’orchestre Quant à Tatiana, l’amoureuse éconduite, mariée par dépit mais toujours amoureuse de son Onéguine, elle reçoit une très belle incarnation avec la jeune soprano néo-zélandaise Anna Leese, qui « brûle les planches » et dont le timbre est fruité à souhait, avec quelques difficultés, toutefois, dans les aigus les plus acrobatiques.

copyright (c) Vlaamse Opera

Au total, un Onéguine « jeune » qui musicalement tient ses promesses avec des réserves sur une partie de la scénographie.

A voir à l’Opéra d’Anvers du 11 au 25 avril.

Dimitri Jurowski s’explique
1) sur les raisons pour lesquelles il a accepté la direction du Vlaamse Opera
2) sur son rapport avec Eugène Onéguine, un opéra qu’il a dirigé trois fois en deux ans dans des circonstances très différentes (Tel Aviv, Munich, Vlaamse Opera)

Un entretien en anglais. (5mn)
www.rtbf.be/culture/scenes/oneguine-a-l%E2%80%99opera-d%E2%80%99anvers-jeunes-prometteurs/

Christian Jade

10/04/2010/"Cubisme hispanique" /Musée d'Ixelles

UN CUBISME HISPANIQUE AU MUSEE D’IXELLES 

 
  Juan Gris, Guitare et compotier, 1926-1927. © Fundación Telefónica

 

Si  je vous dis « cubisme », vous pensez aussitôt à Picasso, influencé par Cézanne, (qui « géométrise » le premier la nature) et par l’art nègre, avec le choc des Demoiselles d’Avignon.  

Toutes les avant-gardes de ce début de XXè siècle s’amusent à « déconstruire » la « perspective » réaliste, conquête majeure de la Renaissance. Mais derrière Picasso, il y a Georges Braque et, plus modeste, l’Espagnol Juan Gris, qui influencera durablement ses amis sud-américains. L’exposition cubiste du Musée d’Ixelles  nous offre quelques œuvres de Juan Gris et d’artistes européens qui sont restés fidèles  au cubisme (Picasso vit d’autres aventures)   et nous ouvre au monde sud-américain. De Juan Gris,  une sobre « Guitare et compotier », peinte l’année de sa mort (1927), tonalités sombres, égayées par le jaune clair de la guitare. Juan Gris résumait joliment sa technique : « Cézanne, d’une bouteille fait un cylindre, moi d’un cylindre je fais une bouteille ». Les cubistes français sont bien représentés, avec André Lhote, Albert Gleizes et Jean Metzinger mais l’heureuse surprise vient surtout des Espagnols et Sud-Américains, comme le poétique Alejandro Xu Solar et son « Ombre du passant » ou les œuvres plus abstraites de Joaquin Torrès Garcia, ami de Picasso et Mondrian. La bonne nouvelle : cette exposition « offerte » par un mécène espagnol, la Telefonica,  est …gratuite et offre, en complément, une exclusivité du Musée d’Ixelles : la collection complète des 33 affiches de Toulouse Lautrec.  

Le cubisme et son contexte, au Musée d’Ixelles, jusqu’au 25 avril. Infos : www.museedixelles.be