Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF

29/10/2010/"Die Entführung aus dem Serail »"/ Mozart/ m.e.s Eike Gramss/ Vlaamse Opera

Un Sérail au Sahara: un enlèvement moderne(signé Mozart)

Vendredi 29 octobre 2010

Un Mozart actualisé dans un décor saharien qui nous plonge dans le choc des civilisations…avec un vrai dialogue et une fin négociée. Sobre et efficace.

L'Enlèvement au Sérail © Annemie Augustijns

Critique:***

Ce n’est pas la première fois qu’un metteur en scène italien utilise « Die Entführung aus dem Serail », dans un contexte de politique contemporaine. L’exemple le plus fameux est la version 1997 du festival de Salzbourg dirigé par le Belge Gérard Mortier : le metteur en scène franco palestinien François Abou Salim créait la surprise en plongeant l’action dans un milieu arabo-turc actuel où ne manquaient ni mitrailleuses et barbelés.

La sobre version du metteur en scène  allemand Eike Gramss (proposée au Vlaamse Opera)  a pour unique décor un campement dans le désert  où le chœur de janissaires a les apparences de… femmes voilées armées. Et c’est une jeep qui sera l’instrument de la délivrance. Le rôle muet du Pacha « éclairé », sorti tout droit du Siècle des Lumières est joué par un grand acteur palestinien, Norman Issa. Enfin cet opéra sans « récitatifs »permet  une nouveauté : les parties parlées, sans musique d’accompagnement, sont proférées tout à tour en espagnol, anglais, turc ou arabe selon les protagonistes. Des dialogues non-sur-titrés, voilà un joli exercice de multilinguisme appliqué. Cette actualisation est donc assez « tendance » mais est particulièrement pertinente  en cette époque de guerre des civilisations où l’Islam se radicalise, se caricature même, alors que l’Occident, de l’Amérique à la Russie, de l’Europe à Israël, oublie la voie du dialogue.

Or en 1782, lorsque cet « Enlèvement  au Sérail » fut créé à Vienne avec la bénédiction de l’Empereur Joseph II, les despotes se voulaient « éclairés ». Et le Pacha Selim (dans Mozart) incarne cette volonté de bienveillance alors que son serviteur caricatural Osmin incarne l’instinct guerrier à l’état pur, mais de manière tellement excessive qu’il en devient comique. Ici le baryton-basse turc Günes Gürle, nous donne d’Osmin une saisissante incarnation, dominant avec élégance les passages  du grave à l’aigu, toujours juste et scintillants. Les couples traditionnels sont joliment incarnés : Konstanze, la prisonnière du Pacha jouée avec aplomb par la soprano Iride Martinez alors que  Belmonte, son amoureux un peu effacé, est interprété par  le fin ténor russe Maxim Mironov. Dans le couple comique des valets Pedrillo  (Eduardo Santamaria) est plus convaincant que sa compagne Blonde, un peu conventionnelle. Conventionnelles aussi, de la part du metteur en scène, les superbes arias chantées à l’ancienne, face au public, sans grand ressort dramatique. C’est ma seule restriction à cet « Entführung aus dem Serail » contemporain, espiègle et sobre à la fois, où le rire et la bouffonnerie se  mêlent avec élégance au désordre amoureux et au dialogue des civilisations.

« Die Entführung aus dem Serail » au  Vlaamse Opera. A Anvers, jusqu’au 7 novembre. A Gand, du 14 au 23 novembre. Info: www.vlaamseopera.be

Christian Jade (RTBF.be)

27/10/2010/"Britannicus"/ Racine/ m.e.s Georges Lini/ Atelier 210/

« Britannicus »: sadomasochisme à la Cour.

Mercredi 27 octobre 2010

Une version « skateboard », de Britannicus : si la modernisation des œuvres anciennes vous amuse, il ne faut pas rater cette  mise en scène de Georges Lini.

  Britannicus" (Racine). D.R.

Critique:**

Lini plonge Britannicus, Néron, Junie, Agrippine sur  une rampe de skateboard, en équilibre fatalement instable. Une idée intéressante parce que cette piste permet à la fois de bien dessiner les rapports de force par le jeu de dominant à dominé selon la hauteur qu’ils occupent sur la piste. Avantage pratique : on ne voit pas les portes donc les entrée et sorties lassantes. Bémol : passé le moment où ils dégringolent, au début, de la piste,  pour signifier la force épuisante de la conquête du pouvoir et de l’énergie vitale pour le conserver, la répétition du procédé tourne court. La répétition de ce jeu de dégringolade épuise vite sa métaphore et ne rend pas le jeu collectif beaucoup plus « physique ». On finit par souffrir pour certains acteurs qui s’épuisent à cette gymnastique un peu vaine.

Néanmoins, le  tout  forme un melting-pot intéressant. L’alexandrin est boxé avec vigueur, ce qui ravit un public adolescent, gagné par cette ardeur nouvelle. Moi, j’ai eu parfois un peu de peine, notamment avec le rôle principal – Néron – interprété par Didier Colfs, la plupart du temps au premier degré d’un « méchant » cow boy de far-west. Didier : un acteur que j’aime beaucoup et qui véritablement « déchire » dans certains /textes contemporains anglo-saxons ou canadiens (L’Ouest solitaire, Incendies). Ici, je vais peut être vous surprendre, mais j’aurais préféré voir Didier Colfs dans le rôle du comploteur politique malheureux, qui échoue finalement, Britannicus, (ou à l’inverse l’horrible conseiller politique Narcisse, âme damnée de Néron). Et voir Itsik Elbaz dans le rôle de Néron où – à mon sens – il aurait été moins « premier degré », moins méchant-méchant, plus « vicieux », ce qui est très « néronien » finalement comme la séduction sado-maso de Junie, la fiancée de son rival, prise en otage. Un coup de chapeau par contre à Agrippine, l’insupportable mère de Néron, interprétée avec force et subtilité par Valérie Lemaître Dans cette distribution , un point faible,les confidents, un peu  largués par la mise en scène « au couteau » de Lini  et un point fort, le dynamisme global qui entraîne l’adhésion du public .

Et c’est quand même l’essentiel de rendre une pièce ancienne – sans la trahir – actuelle. Pour moi c’était un peu « premier degré », pour d’autres ça marche. Tant mieux.

Britannicus de Racine, m.e.s. Georges Lini à l’Atelier 210, jusqu’au 30 octobre.

www.atelier210.be

Christian Jade (RTBF/Culture.be)

26/10/2010/Festival Emulation/ "Possibilité d'une île"/Houellebecq/mes Aurore Fattier/ Projet Lulu/ Wedekind/m.e.s V Sornaga

Festival Emulation: promesses à suivre

Mardi 26 octobre 2010

Le Festival Emulations, à Liège, se termine ce samedi 30 octobre : sur les 4 propositions « jeunes », deux vues : une réussite et une interrogation.

 

La possibilite d'une île © Dominique Houcmant

Critique:

Le plus réussi, c’est l’adaptation de « La possibilité d’une île »***

de Michel Houellebecq qu’ Aurore Fattier a transformé en monologue confié au magnifique acteur  Jean-Benoît Ugeux et à Fox, un (vrai) petit chien (dressé) qui a son rôle…C’est un roman sur le cynisme (et sa tentative de dépassement). On voit un quadra, riche, à contre courant de la langue de bois bien pensante, qui fait éclater tous les lieux communs, sur la morale, la bonne gouvernance, le bon comportement, la bonne pensée… mais il a une faiblesse, il tombe amoureux et il se fait posséder par sa jeune compagne, tout en étant lucide et conscient : vu la différence d’âge, sa passion pour cette jeune fille est sans avenir. Et pourtant, via son seul amour stable (le petit chien)… il y a aussi un côté roman fiction, l’avenir de l’ADN… C’est un  beau seul en scène dont Aurore Fattier a très bien orchestré la lumière et  la petite musique, avec Eric Ronse à la basse qu’on devine en arrière fond. Jean-Benoit Ugeux joue   avec justesse ce rôle de cynique, très antipathique dans sa description au scalpel de notre époque, de son absence de valeurs, de son cynisme déroutant. Paradoxalement il nous fait partager le dégoût de Houellebecq pour  cette époque qui tourne en rond et  ne propose pas grand chose…

Je suis un peu plus réservé sur le « Projet Lulu » d’après Wedekind**

auquel s’attaque le comédien Vincent Sornaga. Comme il le dit lui-même « Lulu »est un perpétuel « work in progress »  puisque  la matière vient de deux pièces énormes réduites en une, magnifiquement adaptée en opéra par Alban Berg. C’est l’histoire d’une prostituée qui passe par toutes sortes de milieux, une séductrice qui va du père au fils, qui se retrouve victime du cynisme des hommes… Au lieu d’en faire du théâtre dans le théâtre, Sornaga en fait un film dans le théâtre. Le noyau du spectacle est donc l’histoire de « Lulu » par bribes, en train de se faire sous nos yeux, via le cinéma et son studio… Une option exécutée un peu maladroitement (surtout le film, laborieux) et qui  place en son centre la passion de la réalisatrice pour l’actrice qui joue Lulu. Chez Wedekind c’est une comtesse qui  tombe amoureuse de Lulu et le lesbianisme est bien présent mais pas omniprésent. Ici, Selma Alaoui campe la réalisatrice avec une énergie dévorante, qui rabote un peu tous les autres protagonistes, Lulu comprise … François Sikivie joue le père « malheureux », un rôle pas très flatteur mais il s’en sort comme il peut. Au total j’ai trouvé ce « Projet Lulu » un peu long, un peu réducteur, frôlant le premier degré alors que l’ambition est de transformer la pièce initiale en forme contemporaine… oui, mais au prix de beaucoup de « ratissages » et mises à plat.

-La possibilité d’une île, de M. Houellebecq, m.e.s. Aurore Fattier***
- Projet Lulu, F. Wedekind revu par Vincent Sornaga**

NB: un jury inernational a décerné après de longues discussions le « grand prix » au Projet Lulu, devant « La possibilité d’une île ». Une autre pièce  Agamemnon, retour de supermarché, de Rodrigo Garcia a remporté le coup de coeur du jury jeune public.

Festival Emulation au Théâtre de la Place à Liège : jusqu’au 30 octobre. www.theatredelaplace.be

Christian Jade(RTBF.be)

20/10/2010/ Rideau de BXL /Cherche théâtre(désespérément)/Michael Delaunois.

Rideau de BXL cherche théâtre(désespérément).

Mercredi 20 octobre 2010

Paradoxe? Non,  la plus vieille compagnie de théâtre bruxelloise quitte le Palais des Beaux-Arts à la fin de cette saison, la mort dans l’âme, et « cherche théâtre désespérément » !

  Michael Delaunois, Directeur du Rideau de Bruxelles (c) D.R.

Conférence de presse historique, ce lundi 18, du Directeur du Rideau de Bruxelles, Michael Delaunois et du président de son Conseil d’Administration, Jean-Marie De Backer, fils de Claude Etienne, qui a fondé le Rideau en 1943, dans la salle M du Palais des Beaux-Arts consacrée, aussi, à la musique de chambre.

Jusqu’à l’actuel directeur du Palais des Beaux-Arts, Paul Dujardin, le Rideau disposait de deux salles, la « petite » (167 places), réservée à son seul usage, qu’on atteignait via le Hall Horta et le Studio, à côté de la salle M, partagé avec d’autres institutions culturelles.

Point important : le Rideau n’est qu’un « locataire », assurant symboliquement le  rôle « du » théâtre francophone dans ce Palais de tous les arts. Cette position de faiblesse est la cause de tous ses malheurs. La blessure la plus irréparable : le 21 septembre 2006, sans sommation préalable, Bozar fait détruire la « petite salle » pour mieux aménager la Cinematek. Et promet via E.Davignon de la reconstruire, au même  endroit, sitôt les travaux Cinematek achevés. Mais 16 jours plus tard, un nouvel espace… expositions est ouvert sur les ruines du « petit théâtre ». En fait il s’agissait de récupérer le lieu pour permettre une meilleure circulation entre ses divers lieux d’expositions.

S’en suit, depuis quatre ans une interminable saga, pleine de coups fourrés portant sur trois  points.

1)      La construction d’un nouvel espace, baptisé « Auditorium Paul Willems », une sorte de tente inconfortable installée pour une période provisoire de 3 ans dans une rue adjacente, au grand dam des habitants de quartier et entraînant, par son inconfort, une fuite progressive des abonnés.

2)      La deuxième salle, le Studio fut soumis à d’autres aléas, de l’augmentation soudaine des loyers (plus 35%) à des problèmes de réservation de la salle, non exclusivement réservée au Rideau.

3)      La Salle M, de musique de chambre fut l’objet d’une interminable négociation dont l’échec est à la base du préavis actuel du Rideau. Michael  Delaunois aurait voulu une transformation de cette salle peu confortable et d’une acoustique exécrable en un espace moderne de 300 places, qui aurait pu aussi servir à d’autres artistes (théâtre ou musique).Mais le coût estimé de la rénovation (3,5 à 5 millions d’euros) ne pouvait être couvert par Bozar seul.

4) La conclusion vient d’être tirée, en ces termes par M .Delaunois: « Quitter le Palais, sans certitude de trouver un nouveau lieu d’implantation constitue un risque énorme. Mais ne vaut-il pas mieux affronter le danger de l’incertitude qu’encourir une mort, certes lente, mais inéluctable ? ». D’où la décision de casser, dans les délais voulus, le contrat de 30 ans qui liait le Rideau au « Palais ».

5)      Conclusion : dans sa guerre d’usure depuis la démolition unilatérale et sans compensations de la petite salle du Rideau, en 2006, Bozar a « gagné ». Gagné contre un théâtre francophone qui ne cadrait pas avec l’esthétique « Bozar » Et le Rideau, qui passe par une saison nomade, répartie sur plusieurs lieux, est un théâtre « SDF ». Il compte  sur la Communauté française pour lui trouver un lieu permanent. Pas évident avec les exigences de base : une petite et une grande salle, si possible dans un même lieu. A fortiori une année où l’avenir de la Belgique et de la Communauté française tient à quelques « fils » politiquement en surchauffe permanente.

Christian Jade (RTBF.be)

14 /10/2010 "R.W"/Robert Walser/adaptation et mise en scène Pascal Crochet/Rideau de Bruxelles

"R.W" au Rideau:éloge de la fragilité.

Jeudi 14 octobre 2010

Toujours possible de voir  R.W, prix du meilleur spectacle 2009-2010 (pour son premier volet) Et ce jusqu’au 20 octobre.Le deuxième baigne dans la même atmosphère entre rêve, rire et cruauté.

 

R.W. Robert Walser © Chloé Houyoux Pilar

Critique:****

L’idée de base de Pascal Crochet est de rendre hommage à Robert Walser, un romancier suisse intimiste bien oublié alors que son œuvre avait séduit Kafka et Musil. Le premier volet nous avait déjà séduit par sa subtilité à la Kafka et une mise en scène chorégraphiée, rappelant la « touche » de Joseph Nadj et de la compagnie Mossoux-Bonté. Le thème central en était une étrange maison de carton « démontable » où quatre domestiques masculins se soumettaient aux étranges rituels sadomasochistes de deux « maîtresses » séduisantes et autoritaires.

La 2è partie confirme et amplifie l’impression initiale. « L’âme » coincée dans la maison ne la quitte pas tout à fait mais se met à voyager. La découverte du grand monde est d’un accès plus facile que dans le 1er épisode : il nous présente davantage de texte du roman de Walser « La promenade ». On voit le « héros » aller de découverte en découverte dans un univers construit à vue d’œil par les acteurs eux-mêmes. Ils manipulent l’espace, créent des intimités ou des élans vers l’infini, insinuant la joyeuse découverte de l’amour et les subtilités nsensuelles du corps et du sexe.

La notion de base : un héros masculin multiplié par  4 acteurs et un éternel féminin multiplié par  2 actrices, ce qui multiplie la force et l’énergie du texte ou des corps en perpétuel échange, verbal ou physique. Le héros quadruple et les héroïnes doubles permettent des effets de comédie, hilarants ou des confidences légères sur nos douleurs et nos désirs, dans un espace sans cesse reconstruit. On ne peut que saluer la perfection technique d’un spectacle dont le génial décor de Satu Peltoniemi permet des changements de cadre « artisanaux », sans recours à la vidéo : de véritables tableaux mouvants qui accrochent les rêves avec l’aide des lumières subtiles de Florence Richard. Superbe bande-son due à Pascal Crochet, Raymond Delepierre et Hélène Bourgeois qui joue sur tous les tableaux (du bruit naturel au clin d’œil folklorique).

Impossible de ne pas nommer tous les acteurs de ce petit régal théâtral. La jeune Anne Cervinka (nominée parmi les trois meilleures jeunes actrices Cécile de la saison 2009 pour le premier épisode), confirme ici son jeune talent,  alors que Cécile Leburton y développe sa maturité expressive (on la retrouvera avec plaisir, en décembre dans la prochaine création d’Ingrid Wantoch Rekowski, au National). Le quatuor de « garçons » fonctionne à merveille avec deux talents confirmés de nos scènes, Thierry Lefèvre et Etienne Van der Belen, qui n’écrasent pas du tout deux  jeunes prometteurs, François Delcambre et Simon Wauters.

Ici la création collective prend tout son sens. Il se dégage de l’ensemble une belle harmonie, un chant d’hommage à la fragilité humaine, source inépuisable de découverte de soi et du monde.

NB : La version « intégrale » de ce « papier » a été diffusée samedi dernier, le 9, sur le site de www.demandezleprogramme.be où je tiens une chronique hebdomadaire. C’était deux jours avant la réunion des 8 membres du jury du Prix du Théâtre, qui a délibéré le lundi 11 et décerné le prix du meilleur spectacle 2009-2010 au premier volet de RW. Ce 1^er volet, primé, sera joué les 19 et 20, dans une « intégrale » des deux volets. Le 2è « seul »est visible jusqu’à la fin de cette semaine soit samedi 16 octobre.

R.W. de Pascal Crochet au Rideau de Bruxelles, jusqu’au 20 octobre

www.rideaudebruxelles.be

Christian Jade (RTBF.be)

09/10/2010/ "Trois soeurs"/Tchékov/ m.e.s. Michel Dezoteux/ Théâtre Varia

« Trois sœurs » ( Tchekov) : une fête triste.

Samedi 9 octobre 2010

« La Cerisaie » de Tchekov, mise en scène par Michel Dezoteux avait remporté,  haut la main, le prix de la critique 2002. On attendait donc beaucoup des « Trois soeurs », du même Tchekov, mise en scène par le même Dezoteux. Sentiments mitigés.

 

"Trois soeurs" Tchekov (c) Danielle Pierre

Critique:**

Si l’univers de Tchékhov est fait de nostalgie et de désenchantement, alors, oui, je suis sorti très « tchékhovien »de cette première des Trois Soeurs , mise en scène par M. Dezoteux au Varia.  Nostalgique et désenchanté car la magie de la Cerisaie n’était plus au rendez-vous.

Le spectacle, tel quel, vaut la peine d’être vu  pour la belle présence de nombre de ses interprètes. Mais qu’a voulu faire M. Dezoteux ? Créer un espece scénique de forme circulaire, limité à 120 invités, où les acteurs circulent parmi nous comme si nous faisions partie de la famille : un vieux fantasme de rendre le public plus proche et plus « actif ». Personnellement cette proximité forcée, qui revient à la mode, au mieux me laisse froid, au pire m’agace parce que le procédé, un artifice de plus, me distrait de l’essentiel du théâtre : créer un rêve, laisser se former un tissu d’impressions et de réflexions et libérer en moi un voyage intérieur auquel la finesse des acteurs donne des ailes.

Parfois cette proximité crée une magie, malgré elle. Voir de près un acteur qui ne cabotine pas, dont le « naturel » est si  « calculé »qu’on n’aperçoit plus le calcul, çà c’est du grand art : pas donné à tout le monde . C’est le cas ici  d’Alexandre Trocki, dans le rôle de Varchinine, l’officier séducteur, confondant de subtilité. Impressionnant aussi Rosario Amedeo, dans un tout petit rôle, le major Saliony, à la fois poète raté et incarnation du destin : il tue en duel le Baron Toutzenbach, fiancé d’Irina, une des sœurs. Enfermé deux heures dans  une sombre folie, il est toujours remarquablement concentré et expressif. Des trois sœurs, Emilie Maquet, Macha, la mal mariée, qui trompe son notable de mari et Sophie Maillard, Irina, celle qui se fait voler son bonheur, sonnent juste, dans leurs petits rêves brisés et rendent à Tchékov sa grâce et sa légèreté, pas du tout synonymes d’ennui.

On touche ici au point faible (pour moi) de la mise en scène de M. Dezoteux : par crainte de l’ennui et de la monotonie, il force sur la farce, utilisant l’anniversaire d’Irina puis le carnaval pour tirer Tchékhov vers un comique forcé, grinçant. Et c’est vrai qu’il ne se passe presque rien dans Tchékhov : trois sœurs, enterrées dans un village, ne rêvent que de Moscou et se consolent avec des soldats médiocres. Or cette banalité peut se faire éclatante de vérité, la preuve par la Cerisaie, du même Dezoteux, meilleure mise en scène 2002, aux prix de la critique. Ici l’atmosphère de fête triste passe du sublime au grotesque, ce qui n’est pas dérangeant si tout l’orchestre, nombreux, des acteurs, sonne juste et est conduit d’une main ferme. Or on an l’impression que chacun faitn son numéro avec une faible cohérence d’ensemble. En somme, un spectacle en « montagnes russes » alternant de grands moments et des facilités pas très convaincantes. A voir néanmoins malgré ses inégalités : certains riront à la farce, d’autres jouiront des subtilités.

Les Trois sœurs de Tchékhov, m.e.s. Michel Dezoteux, au Varia jusqu’au 20 octobre

Info : www.varia.be

Christian Jade (RTBF.be/culture)

08/10/2010/« L’amour de loin »/Kaija Saariaho/ Amin Maalouf/Elan et poésie/ Vlaamse Opera

"L'amour de loin"(c) Rachel Harnisch

 

La musicienne finlandaise Kaija Saariaho,  a écrit, pour le Festival de Salzbourg,  une œuvre basée sur la vie et l’œuvre du troubadour provençal Jaufré Rudel : L’amour de loin. Sur un livret d’Amin Maalouf.

Critique:***

L’Amour de loin, c’est un curieux et très bel objet musical, un opéra de chambre pour 3 solistes, deux femmes et un homme, et un petit chœur. Créé à Salzbourg en 2000, sous le règne du Belge Gérard Mortier, avec, à la mise en scène du décoiffant Peter Sellars avec à la direction musicale le grand chef  Kent Nagano, il fut repris à Londres en 2003, dans une mise en scène du chorégraphe suisse Daniele Finzi Pasca. C’est cette dernière version, aménagée, que nous propose le Vlaamse Opéra, à Anvers puis Gand.

L’histoire est celle d’un « amour impossible » qu’aurait vécu le troubadour aquitain Jaufré Rudel, surnommé prince de Blaye (un lieu  connu pour un vin de Bordeaux célèbre !) La légende veut qu’il ait participé à la deuxième croisade où  il serait tombé amoureux, sans l’avoir jamais vue, d’une princesse de Tripoli. Un amour fou purement « idéalisé », qui lui aurait fait participer, pour la voir vraiment, à la deuxième croisade où il mourut dans les bras de son amoureuse, qui de désespoir se réfugia dans un couvent.

Des références musicales et littéraires

Sur ce thème, en partie légendaire  l’écrivain libanais de France, Amin Maalouf écrit un livret  en français, qui concentre une action purement intérieure sur le troubadour, Jaufré, la princesse de Tripoli, rebaptisée Clémence et une sorte de go-between entre les deux un pèlerin incarné curieusement par une femme. Et Kajia Saariaho, Finlandaise vivant à Paris, depuis 1982, compose un opéra contemporain, harmonieux et sensuel, mêlant les héritages de Debussy, Ravel, Messiaen (sans compter le clin d’œil wagnérien à la thématique maritime et mortelle de Tristan  et Isolde.).A Helsinki  elle appartient à un groupe qui compte à la fois Magnus Lindberg et Esa-Pekka Salonen et en France elle passe par l’Ircam. Belles références, bien digérées pour notre plus grand plaisir. Au total cela donne une musique qui alterne pour les chanteurs un très beau « parlando » (surtout Jofré,  interprété par l’excellent baryton canadien Philip Addis et pour  la mezzo américaine Katherine Rohrer, deux dictions françaises impeccables) et davantage de lyrisme pour le rôle de Clémence, la soprano suisse Rachel Harnish, dont la voix a gagné en assurance et beauté tout au long des 5 actes de la première. Quant à l’orchestre de l’Opéra des Flandres il s’empare d’une très belle partition avec des nuances délicates bien mises en valeur par son chef  Koen Kessels.

Sur ce quasi oratorio sans action autre que la traversée de la mer, j’aurais personnellement préféré une  mise en scène plus abstraite, accompagnant l’intériorité des personnages. La volonté de Daniele Finzi Pasca, venu du Cirque du Soleil de dynamiser cette matière lyrique est louable mais les moyens utilisés nous ont paru maladroits.

Le dédoublement  des trois chanteurs par un danseur et en acrobate, soit trois incarnations pour un personnage, nous a semblé créer un faux dynamisme ne servant pas le propos d’autant que, même modernes, les effets de cirque, avec personnages suspendus et autres acrobaties et représentation sommaire  de la mer ont souvent, à notre avis,  gêné les chanteurs  plutôt que de les servir. Heureusement de très beaux jeux de lumière  et  la remarquable interprétation musicale valent le déplacement pour tous les amateurs d’opéras contemporain accessibles.

L’amour de loin opéra de la Finlandaise Kajia Saariaho, sur un livret d’Amin Maalouf,

A voir à l’Opéra d’Anvers jusqu’au  28 septembre, puis à l’Opéra de Gand DU 6 AU 13 OCTOBRE www.vlaamseopera.be

Christian  Jade (rtbf.be)

Correspondance dans la radio culturelle luxembourgeoise 100komma.7 (22 septembre)