Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF

29/12/2010/"Semiramide"/ Rossini/ Direction musicale Alberto Zedda/m.e.s Nigel Lowery/ Vlaamse opera/ Opera d'Anvers / Opera de Gand

«Semiramide ». Voix ravageuses, décor ravagé, Zedda super Maestro .

Mercredi 29 décembre 2010

Mettre en scène Semiramide de Rossini est un pari redoutable, par sa longueur et ses nombreux changements de lieu. En Belgique même les versions orchestrales raccourcies sont rares. C’est donc un beau défi que relève le Vlaamse Opera en risquant la version scénique intégrale.  

 

"Semiramide". Rossini. A.Zedda et M.Lowery (c) Annemie Augustijns

Critique : ***

Prestation musicale: ****

Mise en scène : **

 

Pouvoir et inceste

Semiramide, reine mythique de Babylone, voluptueuse et conquérante, a assassiné le Roi Ninus, son époux et devient  amoureuse sans le savoir de son fils, un général scythe, Arsace. Thème œdipien. Ajoutez une lutte pour le pouvoir entre le prince Assur, complice du meurtre du Roi et Arsace, le fils, finalement reconnu de Semiramide. Le tout dans le tombeau du défunt : un duel dont la victime est Semiramide elle-même. Au total, un mélo, romantique à souhait, entre tragédie grecque et lutte de pouvoir shakespearienne. Mais quel beau mélo et quelle partition sublime d’un Rossini au sommet de sa forme italienne, en 1823, juste avant son départ à Paris.

Zedda super-Maestro

Alors oui c’est un peu long en version intégrale, 4H15+entracte, mais il y a un magicien au pupitre, Maestro Zedda, directeur du festival rossinien de Pesaro. Les habitués de l’Opéra de Liège l’ont vu souvent, invité par Jean-Louis Grinda, notamment dans une version concert de Sémiramide en 2001 !

Il faut voir Alberto Zedda, ce jeune homme de 82 ans, emporter l’orchestre de l’Opéra des  Flandres vers des sommets de douceur mélodique, l’œil pétillant de malice, fixé avec amour sur ses chanteurs pour accorder la fosse et la scène. Quant on est à trois mètres du maître, on subit un effet fascination intense à voir tant d’intelligence souriante diriger avec tant d’élégance des chanteurs qu’il rassure et porte à leur plus haut niveau.

Une distribution royale, un orchestre sous le charme.

Prenez la jeune soprano grecque Myrto Papatanasiu, beau timbre, parfois un peu fragile dans les hyper aigus colorature ou les redoutables changements de registre de Semiramide : Zedda la soutient, d’inflexion en inflexion, attentif et rassurant, la menant en douceur vers la quasi perfection. Rarement vu d’aussi près un tel exercice de Pygmalion qui vous transfigure sa disciple en princesse du bel canto. La mezzo suédoise Ann Hallenbergh en Arsace est encore plus convaincante, de bout en bout : maîtrise totale de tous les registres, calme olympien,  et merveilleuse coordination avec sa partenaire pour les deux célèbres duos sublimes, un par acte. Les amateurs d’un certain âge se souviennent des duels inouïs entre Maryline Horne et Joan Sutherland ou entre Maryline Horne et Montserrat Caballé, gravés sur CD et d’ailleurs présents sur « You Tube ». Eh bien, dans la salle de l’Opéra d’Anvers, les deux duellistes n’étaient pas loin de cette qualité d’émotion. Quant au baryton autrichien Josef Wagner en Assur, stupéfiant de maîtrise vocale et de présence scénique malgré le crane d’œuf dont l’a affublé le metteur en scène anglais Nigel  Lowery, il complète admirablement un trio magistral. Le reste de la distribution est à la hauteur du défi et les chœurs sont vocalement emportés par le mouvement d’excellence, eux aussi guidés au doigt et à l’œil par Alberto Zedda.

Nigel Lowery : intentions louables, réussite mitigée.

Reste la mise en scène de l’Anglais  Nigel Lowery, plus encombrante qu’efficace. Il avait excellé, l’an dernier  dans un Candide de Bernstein d’un humour délicieux, sautillant, efficace. Ici, on comprend bien l’idée centrale : les fameux jardins suspendus de Babylone deviennent le palais ravagé de Saddam Hussein. Mais cette actualisation de la lutte pour le pouvoir …mondial tient mal la route, notamment par le traitement du chœur, omniprésent et aux transformations vestimentaires curieuses, par un décor un peu « cheap » et par l’omniprésence d’un rideau de scène coulissant qui n’aide pas à la compréhension de l’intrigue. Une réussite comme l’évocation en vidéo de l’assassinat du Roi Ninus  n’efface pas l’impression d’ensemble d’incohérence. Certes le jeu était difficile- opéra touffus, long et sinueux, mais entre l’excellence de la distribution et de la conduite musicale et la relative inefficacité du visuel, le spectateur subit un grand écart, qui tourne plutôt bien. Malgré ses défauts, il faut aller voir cette Semiramide à Gand du 8 au 19 janvier : une œuvre rare et musicalement hors normes.

 

Semiramide, de Rossini, dirigée par Alberto Zedda ; mise en scène de Nigel Lowery.

Opéra de Gand, du 8 au 17 janvier.

Christian Jade (RTBF.be)

 Ce texte (abrégé) a été diffusé, le 29 décembre sur100,7.lu,  la radio culturelle luxembourgeoise équivalent de Klara ou Musiq 3).

Audible en cliquant sur le lien www.rtbf.be/culture/scènes et sélectionnat Sémiramide ou sur

www.100komma7.lu

 

 

26/12/2010/ "Hors-la-loi"/ Regis Duqué/ m.e.s Jérôme Nayer/ Théâtre/ Atelier 210

« Hors-la-loi », western sexy, décalages assurés.

Dimanche 26 décembre 2010

Deux fanas de western ont écrit (Régis Duqué) et mis en scène (Jérôme Nayer) ce Hors -la -loi, où deux filles et trois garçons jouent, avec bonheur et malice, sur les clichés du western. Savoureux.

  "Hors- la- loi"de Régis Duqué (c) A.Piemme

Critique : ***

C’est quoi, un western ? Un divertissement de cour de récré ou la tragédie grecque adaptée à la société américaine ? La loi et l’ordre, à la Bush,  pour un monde macho ? Ou sa transgression par les femmes ? Et ce genre ciné, passé par la bédé (Blueberry, la série française décalée), on en fait quoi au théâtre ? Deux passionnés du genre, Régis Duqué à l’écriture et Jérôme Nayer à la mise en scène, se sont manifestement amusés, avec leurs copains acteurs, déjà  passionnés d’un théâtre « hors-les-lois » (du théâtre), à nous composer une parodie drolatique et savoureuse.

Les figures classiques sont là : un shérif sobre (ici), William Blake (tiens, tiens, le nom d’un grand peintre et poète anglais du XVIIIè siècle !), un chef de bande (rigolard)  qui règne sur Bodie, un village désert (Franck), un second rôle attendrissant (M. Ripley ou « replay » ?) et deux nanas croustillantes, Lulu et Pearl. Un « espace ring » pour les joutes verbales avec d’astucieux barreaux sur la droite, qui pourront figurer une prison. Avec pour toutes menottes un pan amovible de la chemise de Franck. On va de clin d’œil en clin d’œil avec un shérif qui dégaine…des fruits (de la banane à la pomme) et soumet les nanas amoureuses de Frank à des fouilles corporelles légèrement …érotiques, avant les visites en prison. Un shérif qui lit Phèdre de Racine, retour à la tragédie grecque, via la langue française, occasion parodique  de parler de la loi et du tabou de l’inceste. Ajoutez une partie d’échecs qui remplace l’affrontement à coups de flingues, des intermèdes musicaux qui rappellent, en léger décalage de genre (mais pas de pays), la comédie musicale américaine, un rôle superbe dévolu aux deux femmes, Pearl, l’instit d’une folle énergie tous terrains (Yasmine Laasal, la tornade… de rire) et Lulu, la « jeune fille », prostituée (ach, Wedekind et Berg) douce, sensible à la beauté de la langue…française (Fanny Hanciaux, le calme imperturbable face à la tempête Yasmine, très complémentaires les deux « filles »). François de St Georges compose, en Ripley, un second couteau naïf et charmant alors que le duo shérif /mauvais garçon semble avoir été  écrit pour des habitués du dialogue décalé, Hervé Piron et Eno Krojanker, la désinvolture souriante de l’un (Hervé) dialoguant avec le tsunami verbal d’Eno, les mots à la place des balles de colt.

A peine quelques « excès » verbaux (en tout petit bémol) d’un texte feuilleté du 1^er au 3è degré  par Régis Duqué et une mise en scène simple, dynamique et  juste de Jérôme Nayer qui, comme  tout bon chef d’orchestre, laisse la bride sur le cou aux acteurs pour défendre un texte qu’ils s’approprient et allège la pâte par des gags visuels ou musicaux qui font mouche.

Un des très bons spectacles de l’Atelier 210, qui, décidément, cette saison, confirme son rôle moteur dans la programmation jeune et risquée.

Hors-la-loi, de Régis Duqué, à l’Atelier 210, jusqu’au 8 janvier, réveillon du 31 compris.

N.B. Le texte de Hors-la-loi, comme des centaines d’autres textes de théâtre, en Belgique, France, Afrique et Canada, est publié aux Editions  Lansman.

Info : www.atelier210.be

Christian Jade (RTBF.be)

22/12/2010/"La Bohème"/Puccini/m.e.s Andreas Homoki/direction musicale Carlo Rizzi/ Opera La Monnaie

La Bohème 2010, vin, amour et cynisme sous le sapin.

Mercredi 22 décembre 2010

Comment transposer en ce début du XXIè siècle La Bohème de Puccini, bourrée de bons sentiments romantiques, où tout le monde est plutôt gentil et charitable ? Le théorème du metteur en scène Andreas Homoki : ces artistes bobos sont des cyniques parvenus et sans cœur. Visuellement et vocalement splendide, même si le sens littéral est bousculé.

 

  La Bohème. Puccini. M.e.s Andreas Homoki. (c) Johan Jacobs

Critique :***

La Bohème de Puccini, adaptation d’un  feuilleton d’Henry Murger, mêle amour et mort, Mimi la tuberculeuse et Musette l’émancipée, quatre artistes bohèmes, sans le sou, un peu cyniques mais tellement mignons, dans le fond  L’intrigue fait alterner des scènes d’intérieur dans une mansarde glacée, un soir de Noël et des scènes d’extérieur au  café Momus où s’exhibe Musette ou à la Barrière d’Enfer, quand les grands sentiments ont disparu dans les grandes jalousies. Avec retour à la mansarde pour le final mortuaire consensuel.

Oubliez tout ça et découvrez un plateau nu où tombe la neige et où le laborieux tableau Le Passage de la Mer Rouge, peint par Marcello, devient un délicieux gag d’action painting. Et  où Marcello et Rodolfo lancent des seaux de peinture jaune et rouge sur un mur noir, clin d’œil au drapeau belge ! Clin d’œil aussi avec un tonneau de bière Duivel (le Diable)pour figurer…la barrière d’ »Enfer».Mais surtout un immense sapin  de Noël surgit qui, couché ou debout, va s’adapter à tous les espaces imaginaires évoqués. Bourré de cadeaux, il sera dépouillé par une bande de féroces garnements étripant au passage Parpignol, père Noël de la société de consommation. Quelques tables suffiront à évoquer le café Momus. Par contre le retour à la mansarde pour se partager un pauvre repas se transforme en un banquet luxueux où Rodolphe et Marcello deviennent soudain des « bobos » parvenus et méprisants pour les jeunes femmes qu’ils ont aimées .Ils fuient lâchement, laissant Mimi mourir seule dans les bras de Musette.

La Bohème (c) Johan Jacobs

Autant les trois premières scènes fourmillent de trouvailles, dont un traitement plastique du chœur figé dans des attitudes surprenantes, autant ce final  trahit sans cesse un contresens entre les paroles et l’action. La métamorphose des  gentils bohèmes romantiques en cyniques parvenus décrit bien le parcours actuel de certains bobos soixante-huitards ou d’artistes contemporains, doués pour le « commerce » de leur art. Grosse ficelle quand même de mettre quelques années et non quelques mois d’écart entre le début et la fin de l’action pour justifier  le devenir cynique des bobos. Ou encore de considérer l’ensemble de l’action comme un grand flash back pour justifier les contresens du dernier tableau.

La force d’une mise en scène==;

Et pourtant, j’ai « marché », j’ai souvent  adoré même cette mise en scène d’Andreas Homoki, directeur du Komische Oper de Berlin, pour au moins  trois raisons. Ce dépouillement conceptuel, dû à Harmut Meyer est visuellement séduisant. La direction d’acteur de ces chanteurs est remarquable de naturel : on sent une maîtrise globale implacable de chaque détail et on s’incline devant tant d’intelligence, même trompeuse .Enfin la musique de Puccini épouse fort bien ce changement du sens littéral, comme si elle contenait déjà ce mélange de cynisme et de sentimentalité. C’est que l’orchestre, aux mains de Carlo Rizzi et les chœurs, y comris les enfants, menés par Martino Faggiani, sont d’une totale justesse, soutenant quelques remarquables solistes dont la jeune Ermonela Jaho, une Mimi exquise, à la voix souple et Anne-Catherine Gillet, impressionnante Musette. Massimo est un Marcello rayonnant alors que Giuseppe Filianoti, en Rodolphe, a vaillamment tenu son rôle, au dernier tableau, malgré une tragique et soudaine .. .extinction de voix. Heureusement, à la Monnaie, les 2è distributions valent les premières.

La Bohème de Puccini, mise en scène d’Andreas Homoki, directeur du Komische Oper de Berlin, à la Monnaie, jusqu’au 31 décembre

 Christian Jade (RTBF.be

 

NB: Diffusé, le 22 décembre, sous forme abrégée, dans   www.100komma7.lu (l’équivalent luxembourgeois de Musiq. 3).

A écouter sur le site www.rtbf.be/culture/scènes (cliquer La Bohème)

ou sur le site (voir lien ci-dessus) de

 

 

21/12/2010/"Mon chat s'appelle Odilon"/Paul Emond/ La Samaritaine

Le chat, la jeune fille et les mâles: « Mon chat s’appelle Odilon »

Mardi 21 décembre 2010

Le charme de Paul Emond, c’est qu’il sait raconter une histoire, avec l’habileté d’un bon conteur et l’humour tendre d’un observateur attentif de l’adolescence. Cela donne  Mon chat s’appelle Odilon , première mise en scène de sa fille Suzanne pour sa copine, bien inspirée, Marie-Astrid Legrand. A la Samaritaine, une fin d’année en finesse, sourire aux lèvres sur fond d’horreur castratrice.

  "Mon chat s'appelle Odilon". Paul Emond

Critique : ***

Mettre un chat au centre de sa vie, banal ? Oui et non. Investir « affectivement » un animal de compagnie c’est courant, mais la manière dont le texte de Paul Emond traite ce thème dépasse le chat-chat ou le chien-chien à sa mémère Ce chat, très « sensualisé », est le symbole du malaise d’un couple et l’enjeu d’un rapport de force entre une jeune femme et son mec. La jalousie de l’amant va déclencher une petite catastrophe symbolique : châtrer un chat mâle est une opération classique et courante pour éviter toutes sortes d’inconvénients pratiques, dont l’odeur. Mais  le niveau « symbolique » de l’opération, très mal vécu par la jeune femme, va déclencher une série de dégâts  psychologiques qui vont prendre une tournure dramatique. En même temps l’habileté du conteur, l’adaptation intelligente et décalée de sa fille Suzanne et l’interprétation sensible de Marie-Astrid Legrand nous ballottent entre douleur intime, drôlerie assumée et légèreté de narration. Au centre de la mise en scène, une sorte de cage Ikea, que Marie-Astrid s’efforce de monter avec habileté. Avantage : de la cage, construite, déconstruite, vous tirerez la symbolique que vous voulez mais elle permet à l’actrice de respirer son texte et de passer de la parole à l’action et à la rage. Ajoutez à cette relation à trois la possibilité…d’un happy-end via un séduisant vétérinaire et vous aurez l’histoire d’une solitude, d’une douleur et d’un clin d’œil. Beaucoup de tendresse, de surf sur les émotions, d’humour aussi: le texte de Paul Emond est très bien défendu par ce duo de jeunes actrices prometteuses, qui valent le déplacement à la Samaritaine.

Mon chat s’appelle Odilon, de Paul Emond, mis en scène par Suzanne Emond, jusqu’au 30 décembre à la Samaritaine.

Info : www.lasamaritaine.be

12/12/2010/"Ivanov Re-mix". /Tchekhov/Armel Roussel/Théâtre des Tanneurs

Me résigner au monde ? « Ivanov Re-mix», Tchekhov/ A.Roussel

Dimanche 12 décembre 2010

Ivanov, une des premières pièces de Tchekhov et une des moins jouées du maître de  » l’ennui mélancolique. » Armel Roussel, par un mélange-pas évident au départ- de justesse, de dérision et  de drôlerie dans le tragique y met un « jus » contemporain tendre et efficace: pertinent.

 

  "Ivanov Re-mix" Tchechov/Roussel (c) D.Pierre

Critique:****

C’est une montée en intensité que résume le personnage d’Ivanov, d’abord évanescent, subissant son sort, sa déprime, sa culpabilité aussi, face à son incapacité à aimer, avant de littéralement exposer sa douleur, sans l’ombre d’un cabotinage : interprétation exceptionnelle de concentration expressive de Nicolas Luçon, déjà repéré pour sa finesse mais qui trouve ici son heure de gloire.

Et pourtant, si tout tourne autour de ce Nicolas (chaque acteur garde son prénom pour souligner qu’il «  joue » un personnage, en lui donnant un peu  de lui-même), le reste de la troupe, innombrable, assume, avec humour et passion le double jeu proposé : être un personnage de Tchekhov mais plongé dans notre marmite sociale contemporaine. Au texte de Tchekhov, Armel et ses acteurs ont ajouté des  improvisations pour décrire leurs interrogations sur notre société. Et hormis quelques « gags » un peu longs, ça marche fort bien.

Transpositions réussies

Ivanov (version Tchekov) a fait un mariage d’argent avec une belle héritière juive, qui a abandonné ses valeurs familiales par amour fou. Nicolas/Ivanov (version Roussel) fait de même avec une riche héritière musulmane (remember Lady Diana et Dodi Al-Fayed, entre autres). La société russe (XIXè siècle) traversée par l’antisémitisme (les pogroms bien antérieurs à l’Holocauste) versus le XXIè, baignant dans un anti-islamisme populiste, qui gagne toute l’Europe.

Le thème de la fête qui aide à noyer le chagrin dans l’alcool est savoureusement traité,d’entrée de jeu, par Roussel lui-même, en maître de cérémonie, à la Kantor, mais dans un rôle d’humble serviteur du public et des acteurs , un plateau de verres de vodka à la main et  escorté d’un petit ange, le délicieux Melchior Minne, mascotte  de la troupe.

Le thème de l’argent est majeur puisque la propriété d’Ivanov, mauvais gestionnaire, menace ruine. Mais Yoann Blanc, en principe gestionnaire des terres, mais surtout clown délicieux, fait la quête auprès de spectateurs : c’est la troupe…et la culture  qui  sont ruinées! Clin d’œil.

Plus sérieux : le rapport avec la famille Lebedev, est le nœud de l’histoire : petits bourgeois riches, femme dominante- mari dominé, goguenard, couple délicieux de Selma Alaoui et Vincent Minne. Illusion de la force de l’argent « petit-bourgeois »  mais aussi  source du dénouement tragique : leur fille, Sasha-Lucie (Debay), 20 ans, amoureuse de Nicolas, source de vie,  renforce sa déprime jusqu’à l’inéluctable. Nicolas passe de la culpabilité vis-à-vis d’une femme qui se meurt et qu’il n’aime plus au désespoir existentiel qui lui fait refuser la renaissance d’un deuxième mariage avec une « jeunesse ».

Trouvailles de mise en scène

Elles  passent par  la « reconstruction »  judicieuse de la salle des Tanneurs, avec des ouvertures (et des couvertures protectrices !) vers la froideur de l’hiver russo…belge. Ou la projection sur le mur des derniers dialogues des acteurs, vivants ou morts, qui se font une réflexion, sensible, sur leur troupe, qui n’est qu’un morceau de notre société en miettes, qui rêve d’ ESPOIR, au sein même  d’un spleen d’époque.

Au total, un autoportrait revendiqué et réussi de Roussel et de sa troupe, qui nous associent  doucement à leur  rêverie poétique entre dépression, dérision et espoir. Avec un dernier cadeau, qui  inaugure le spectacle :la découverte d’un poète polono-français, Edward Stachura, poète marginal,suicidé comme Ivanov, dont la seule œuvre traduite en français, une autobiographie, Me résigner au monde , écrite juste avant son suicide, n’est plus disponible que sur Amazon, pour 10 euros.

Une clé parmi d’autres pour cette adaptation d’Ivanov, à la première partie parfois un peu trop diluée mais  splendidement rassemblée dans un final inoubliable.

Ivanov Re-mix, d’Armel Roussel, aux Tanneurs jusqu’au 18 décembre, en version « intime ». Info: www.lestanneurs.be

Une version « grand format » sera visible au Manège.Mons  en octobre 2011, puis au Théâtre de la Place, sans compter une tournée internationale en Suisse et en France.

 

Christian Jade (RTBF.be)

10/12/2010/« Habituation »/ Hantise du quotidien/Anne-Cécile Vandalem/ Théâtre de Namur/ Théâtre de la Place/Kunstenfestival des Arts 2011/

 Entre performance technique et mal de vivre, Anne-Cécile Van Dalem ne cesse d’explorer les marges d’un monde entre réalisme écœurant et fantastique glauque. Avec pour soutenir ses hallucinations des acteurs forts et ici une petite fille actrice dirigée vers l’excellence.

  "Habituation". A.C.Vandalem(c) Phile Deprez

Critique: ****

« Habit(u)ation » : implosion dans une tête d’enfant.

Peut-on s’habituer au simple mal de vivre ? Comment faire quand la lucidité rêveuse de l’enfant se heurte à l’obstacle d’un monde, calé dans le quotidien ? Ces deux questions affleurent dans Habit(u)ation, d’Anne Cécile Van Dalem, avec une intensité d’autant plus grande que le langage purement verbal du théâtre se déplace vers un décor, d’abord sinistrement hyperréaliste et dont la mutation vers le fantastique multiplie les malaises existentiels et la fuite dans le rêve/cauchemar. L’ « habitation », victime de ses « habitudes », devient le lieu d’une sourde résistance, qui rampe et éclate. L’ingéniosité technique de ce décor, peuplé de machines invisibles qui le métamorphosent, est due au savoir-faire de Marie Szersnovicz : chapeau !

Premier ancrage, dans le quotidien : un homme, surgi du fond d’un jardin apparemment banal, s’acharne sur un saumon, qu’il découpe et emballe avec peine : un travail énorme puisque des monceaux de caisses frigorifiques peuplent jardin et appartement. Ce père, englué dans le quotidien, épuisé et inquiétant, c’est le toujours génial Alexandre Trocki. Sa femme, maussade, agressive, vivant dans un rêve perdu, musical et sentimental, c’est une  Véronique Dumont presque muette, avec un texte si concis et si rare que c’est son corps  qui doit parler. Quant à Brigitte Dedry, elle incarne, avec juste ce qu’il faut d’agressivité désabusée une tante maussade, qui s’occupe de l’unique enfant du couple. Et là est l’obstacle, remarquablement surmonté par la metteuse en scène : trouver une petite fille (et même deux qui alternent) qui ne cabotine pas dans son rôle d’enfant,  la seule part de rêve d’une famille  décomposée par le quotidien. Or elle en a trouvé deux (Epona Guillaume et Chloé Résibois), surprenantes de naturel dans  le récit  ensorcelé qu’elles  engendrent.

Dans ce conte fantastique moderne, l’épouvante vient du rêve avorté de la petite, à qui on refuse un voyage. Invraisemblable ? Dans un conte, rien n’est invraisemblable et aucune « petite fille » n’est « modèle ». Dans la tête de la petite tout commence par l’horrible idée de faire bouillir son poisson rouge. A partir de là tout dégénère et la nature environnante entre en révolte d’abord sourde, puis envahissante contre les personnages-acteurs. Une série de performances techniques transforment  le théâtre en film  d’horreur à l’atmosphère de plus en plus catastrophique.

A la première, certains spectateurs semblaient  « dépassés » par cet objet théâtral « hors normes », où la part de dialogue explicatif est réduite au minimum avec un primat donné à l’image, au son, à l’atmosphère, plus importante que le jeu, pas  platement réaliste des acteurs. Pour notre part, quel bonheur de voir  plusieurs théâtres (Namur, Liège, le National, et le Kunstenfestival des Arts, sans compter une tournée internationale) promouvoir le bel imaginaire incongru d’Anne-Cécile Van Dalem

Nous la suivons avec  passion depuis son compagnonnage créatif  avec Jean-Benoît Ugeux, de Zai Zai Zai à Hansel et Gretel, puis ses créations personnelles, dont Self Service, le début d’une trilogie dont Habit(u)ation est le deuxième volet. Une méditation sur la mort qui rode et la famille qui s’écroule. Une double plongée à la fois existentielle et formelle, puisqu’Anne Cécile essaie  aussi de renouveler la forme théâtrale, la manière de raconter  une histoire avec des  défis technologiques différents à chaque pièce.

Anne-Cécile Van Dalem : un des plus beaux espoirs de renouvellement du théâtre belge francophone.

Habit(u)ation (Anne-Cécile Van Dalem)

- jusqu’au 11 décembre au Grand Manège, à Namur.Info : www.theatredenamur.be

-du 18 au 21 janvier  au Théâtre de la Place à Liège ; Info : www.theatredelaplace.be

-en mai, au Kunstenfestival des Arts (Bruxelles). Info www.kunstenfestivaldesarts.be

Christian Jade (RTBF.be)

05/12/2010/Giuseppe Penone/Retrospective /"Des veines, au ciel, ouvertes"/Mac's/Grand Hornu

Giuseppe Penone : subtil dialogue avec Mère Nature.

 

Critique: ****

Le Mac’s, du Grand-Hornu, expose un des princes de « l’art pauvre », Giuseppe Penone. Magistrale osmose entre l’œuvre et le lieu. A voir d’urgence :ce  maître incontesté de l’arte povera,  vaut encore mieux que son étiquette.

  Giuseppe Penone. "Matrice di linfa"(c) G.Pennone

Sur le site charbonnier, superbement aménagé par son directeur, Laurent Busine, ami de longue date de Penone, c’est le coup de foudre : dans la grande cour, une longue branche intrigue, qui se trouve être une… fontaine de  bronze de Penone. Cette passion pour l’arbre, à creuser, à transformer, à manipuler, à (re)construire, domine la très belle exposition « Des veines, au ciel, ouvertes ».

Un peu plus loin, dans le même parc, Penone a offert au site, une œuvre « en devenir », à partir d’un dessein réalisé trente ans plus tôt, mais avec des éléments trouvés sur place: un arbre mis à l’horizontale, racines en terre, doit se redresser…avec le temps et dialogue avec des morceaux de monuments en ruine, trouvés sur la friche industrielle .Comme un résumé de cette recherche obsessionnelle de la racine de la création dont on trouve une preuve encore plus monumentale , à l’intérieur: une pièce est réservée à un sapin centenaire de 43m de long, coupé en deux et creusé de l’intérieur, en élaguant en outre les nombreuses branches extérieures, qui donnent à l’ensemble une allure saisissante de mille-pattes…végétal. A l’extérieur, la « peau » la plus ancienne de l’arbre, à l’intérieur, Penone a coulé une résine teintée, qui ressemble à du sang. Le titre « Matrice de linfa » (matrice de lymphe) résume une volonté de travailler cet arbre pour l’animaliser et l’humaniser à la fois. On retrouve la même impression avec cet assemblage de feuilles d’arbres à forme humaine où deux poumons  aux feuilles dorées (voir photo) introduisent l’étrangeté. Le commissaire de cette exposition monographique, Laurent Busine, a aussi rassemblé des œuvres qui interrogent …le charbon et d’étonnants agrandissements microscopiques de la peau humaine, minutieusement dessinés comme une carte du ciel. Une géniale simplicité, comme cette forme humaine,esquissée de feuilles avec ces étranges poumons, respiration dorée de cette silhouette de feuilles. (Respirare l’ombra)

G.Penone. "Respirare l'ombra"(c) G.Penone (détail)

05/12/2010/Francis Alÿs/"A story of deception"/Wiel's.Bruxelles/Tate modern.London/Moma. New York

Francis Alÿs.Belge, reconnu à New York, Londres et. …Bruxelles.Un observateur politique..et poétique

Critique:****

Nul n’est prophète en son pays: la preuve par l’oeuvre multiforme de Francis Alÿs, formé en architercture en Belgique et en Italie , vivant au Mexique depuisn 30 ans et qui obtient  enfi nsa première grande expo personnelle en Belgique au Wiel’s. Dépêchez-vopus d’aller voir ce Belge international avant qu’il ne file au Moma de New York. Vaut le déplacement.

Francis Alÿs." A story of deception". Wiel's (c) F. Alÿs

Curieux parcours que  celui de Francis Alÿs : francophone des Flandres, revendiqué à la fois par les deux communautés (et par le Mexique!). Et reconnu internationalement : son expo du Wiel’s, à Bruxelles, vient de la Tate Modern avant de filer au Moma de New York.

Peinture, dessin, vidéos, installations, il interroge son temps  aussi bien avec des techniques  anciennes que modernes.  Il explore, sans misérabilisme, la vie des exploités : au Mexique, il n’a qu’à se pencher pour faire son marché. Pas de reportage « engagé », à l’ancienne : son matériau humain, il le transforme, en douceur, en mythe. Il suffit de voir « Rehearsal 1», une vidéo où de pauvres Mexicains essayent de faire remonter une pente raide à une vieille VW fourbue :ce « remonte-pente » sans fin ranime le mythe de Sisyphe. Avec, insinuée, une fable comique…et musicale sur les rapports Mexique/Etats-Unis.

Même humour tranquille quand il se montre, à Jérusalem, en 2004, au début de la construction du mur de séparation entre Juifs et Arabes, utilisant un pot de peinture pour tracer la fameuse «ligne verte», la  frontière admise par l’ONU. Utiliser humour et poésie pour rendre évidente la réflexion politique n’est pas son seul mérite. Sur les trois grands étages de l’expo il nous  émeut aussi par de petits desseins aux couleurs détrempées, qui ne sont ni des messages, ni des abstractions : juste des petits morceaux de beauté. Un régal.

- A story of deception, Francis Alÿs, jusqu’au 30 janvier. Info : www.wiels.org

Christian Jade (RTBF.be)

03/12/2010/ "Cet enfant"/ Joël Pommerat/ Théâtre National

"Cet enfant ». Familles, je vous hais?

C’est une « œuvre de commande », rarissime, chez Joël Pommerat, à partir de l’observation de femmes célibataires de milieux pauvres. Toute la misère du monde, nimbée de poésie, qui maintient les drames à distance.

"Cet enfant".Pommerat.(c) D.R

 

Critique : ****

On y voit  une jeune mère enceinte avouer à son futur bébé un amour qu’elle ne pourra manifestement pas lui donner. Plus tard, une  autre donnera son bébé à des voisins supposés plus doués pour l’amour parental  On suit aussi les relations calamiteuses d’une jeune  gamine avec une mère possessive et culpabilisante. Un père rendu impotent à force de travailler se fait insulter par son gamin. Un autre père est renié par sa fille, qui se sépare de lui dans une totale indifférence .Et puis une déchirante scène devant un enfant mort à identifier dans une morgue avant une surprenante scène finale où une mère prend enfin conscience des dégâts de son éducation.

L’écriture de Pommerat, épure ces  situations et va à l’essentiel, sans pathétique surjoué. On assiste en une heure à une série de règlements de comptes d’une dureté inouïe, tempérés par l’humour de certaines situations. Visuellement, les acteurs n’ont pas l’âge de leur personnage, en général plus vieux que leur rôle. Des micros les aident à jouer de manière non émotionnelle des situations  souvent paroxystiques, qui se prêteraient à l’hystérie. Une pénombre colorée amortit encore les chocs tout comme une musique jouée « live » par les acteurs eux-mêmes, protégés par un système qui plonge dans le flou musiciens et instruments. Entre rêve et réalité, la haine en balles  amorties efficaces. Visuellement l’épure ainsi proposée nous oblige à réfléchir au lieu de nous terroriser sous le poids de l’émotion. Dire le plus en hurlant le moins possible : retour à l’art très français de la « litote ».

« Va, je ne te hais point », disait Chimène à Rodrigue, dans Le Cid, pour lui dire son amour. Ici aussi le comportement « asocial » devient l’envers d’un amour indicible, submergé par l’angoisse de vivre. Très, très fort.

Cet enfant, de Joël Pommerat, au Théâtre National, jusqu’au 6 décembre

Info : www.theatrenational.be

Christian Jade (RTBF.be)

03/12/2010/"Minutes opportunes"/Michèle Noiret/ Théâtre national.

On  savait la chorégraphe Michèle Noiret nourrie de surréalisme (par son père, Joseph Noiret) et  des images cruelles  du cinéaste David Lynch. « Minutes opportunes » c’est plutôt un hommage à Hichtcock-(faux) suspense et humour- et J.S Bach. Images rapides comme un pollaroïd, suspendues au rythme de Bach.

 

"Minutes opportunes".Michèle Noiret. (c) S. Laloux

Minutes opportunes: un polaro-Bach

Critique : ***

 

Au début, on se demande à quoi va servir cette petite brocante minimaliste sur scène : une table et son téléphone, un lampadaire,  un perroquet empaillé en cage et  une valise. Le tout noyé dans un espace blanc de blanc, haut et large conçu par Anne Guilleray, éclairé par la fantaisie lumineuse millimétrée de Xavier Lauwers. Et surtout quatre danseurs –acteurs qui forment naturellement des couples antagonistes et savoureux. Il faut voir les duos presque  clownesques du grand Igor Shyshko et du minuscule Filipe Lourenço, les nouveaux de la petite troupe, venus d’autres univers : à la fois ils s’opposent au duo de femmes plus proches de Michèle Noiret, Lise Vachon et Dominique Godderis, ils les complètent et leur apportent une touche nouvelle. Le fil conducteur à la Hichtcock-qui amène cadavre et courses poursuites dans un décor troué de deux portes et dans une litanie de répondeurs téléphoniques- ne tient, à mon avis, pas toutes ses promesses : une version plus resserrée  serait  plus efficace.

 

"Minutes opportunes" (c) S.Laloux

 

Par contre, dès que Bach (Jean-Sébastien!) met en branle ce quatuor, que l’action devient plus abstraite dans son propos et plus dynamique dans sa vision, que le "polar" fait place au "polaroïd" des sensations visuelles rythmées, la joie se fait forte. Michèle Noiret a l’art de donner du sens au corps des danseurs par les appuis qu’elle leur fait prendre. Une table dans Chambre Blanche, ici  le coin du décor où les quatre danseurs jouent à perdre la notion de pesanteur, à ramper vers le haut  de manière asymétrique comme des insectes en recherche d’improbable lumière. Un des quelques moments sublimes de ce spectacle qui a passionné les dizaines d’ados qui peuplaient la salle ce soir-là.

Une constante chez Michèle Noiret : elle ne joue jamais deux fois sur la même technique, ni le même univers. Elle maîtrise parfaitement   la vidéo mais peut très bien s’en passer, comme ici. " Scotchée" au monde de Lynch, la voici familière de Hitchcock. La valise du décor c’est l’éternel goût du voyage dans l’imaginaire,  la marque de fabrique de Michèle Noiret.

Christian Jade (RTBF.be).