Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF

28/04/2011/ Voir «trouble», une semaine de performances internationales/ Halles de Schaerbeek/

 

Le Festival Trouble des Halles de Schaerbeek a pour fil conducteur la «métamorphose de soi». Thèmes et variations intimes …ou politiques.

 

Françoise Proust. "Un bon coup de fouet..."(c) F.Proust

 

Un Festival, c’est un pari.

A la frontière des arts de la scène, des arts plastiques et du «body art», la performance flirte avec tous les arts  mais n’en épouse aucun. Elle ne prétend pas travailler pour l’éternité mais pour le plaisir de l’instant immédiat, hic et nunc, l’éphémère «ici et maintenant», avec un goût prononcé pour la prise de risque. Spectateurs non curieux, s’abstenir tout comme les hyper/perfectionnistes qui refusent l’éventuel ratage puisque dans la performance pas de critère absolu de qualité «moyenne»: c’est à prendre ou à jeter. Trouble un mot bien choisi pour un festival qui place la «métamorphose de soi» au cœur d’une programmation qui mêle art et politique. Ainsi en va-t-il de la plasticienne Oreet Ashery, qui s’intéresse au conflit israélo-palestinien. Mais elle le fait sous l’angle de la dérision …et du «poil» et des cheveux, symbole de virilité islamique ou biblique d’Arafat à Avigdor Lieberman, en passant par les barbus du Hamas. Avec un titre moqueur qui mêle cheveux et…héroïsme: Hair-oism!

On passe du politique à l’intime avec la Turque Esmeray qui dans Le Panier de la sorcière raconte sa vie de transsexuelle en Turquie. Esmeray accueillie, en outre via un film, au Festival Transgenres à la Bellone.

Humour.

Au total, une trentaine de performances internationales en cinq soirées composées. A voir, entre autres, au gré de vos humeurs, deux versions radicales de La mort du cygne , de Tchaïkovski, la «pop» de l’Autrichienne Doris Uhlich, et la «postcoloniale» de Nora Chipaumire, une Zimbabwéenne… de New York. Avec la Bruxelloise Nadia Schnock, apparition de l’humour loufoque: Mireille Mathieu, démultipliée en une dizaine de performeuses Mireilles. Humour français (mais oui) avec  Gilles Pastor et son intrigant «strip-tease forain», rasé au rythme de poules déplumées, dans Lily Coq à Boches .Humour érotique et parodique avec la Française Céline Proust et son titre provocateur: Un bon coup de fouet ça remet les idées en place.

Performance…muséale.

Trouble se décentre aussi aux Musées royaux des Beaux-Arts, où trois performeuses, disciples de Marina Abramovic, questionnent le nu dans la peinture ancienne. Quant au plasticien Emilio Lopez-Menchero, il tentera un dialogue avec Rubens. Cerises sur le gâteau: le Bulgare Ivo Dintchev propose un solo sur sa relation aux objets ou Steven Cohen, performeur sud-africain, dans Le Berceau de l’humanité, revient  sur le mythe d’Adam et Eve, via Darwin. Cocktail pour curieux, tel est le festival Trouble.

Festival Trouble, du 27 avril au 1^er mai, aux Halles de Schaerbeek.Tél : 02/218.21.02. www.halles.be

Christian Jade (RTBF.be)

 

 

28/04/2011/ "Die Frau ohne Schatten",("La femme sans ombre")/Richard Strauss/Harmonie et énergie, couleur et douleur./ Vlaamse Opera/

Die Frau ohne Schatten, («La Femme sans ombre») est un des opéras de Strauss les plus rarement joués alors que sa richesse de sonorités, vocales et orchestrales et la densité de son propos en font un chef d’œuvre absolu. Heureuse initiative que cette coproduction du Vlaamse Opera et de l’Opera de Graz, mise en scène par le suisse Marco Arturo Marelli.

 

"Die Frau ohne Schatten". Richard Strauss. DR (Vlaamse Opera)

Critique : ****

Un conte initiatique à la manière de La Flûte enchantée de Mozart. Hugo von Hofmannsthal, le célèbre librettiste de Strauss, revendiquait lui-même la filiation, l’analogie. Avec un couple «noble», un empereur et sa femme, qui pour trouver le bonheur doivent surmonter une épreuve terrible. Et un couple «populaire», un teinturier et sa femme, qui vivent eux aussi dans une discorde profonde. Mais dans La Flûte, les deux mondes sont bien séparés, Papageno et Papagena vivent sur le mode parodique les amours de leurs maîtres. Dans La Femme sans ombre, il y une interaction profonde entre les deux couples : l’impératrice doit  «voler» l’ombre de la teinturière, métaphore de sa fertilité, car cette impératrice, d’origine divine est stérile et cette stérilité condamne son empereur de mari à la mort lente. Et pour voler cette ombre, elle est obligée de sortir de son petit paradis et de se mettre au service de la femme du peuple, escortée par sa «nourrice», qui joue un peu le rôle de la méchante «reine de la nuit».

Pas simple à mettre en scène, cette fusion du populaire, de l’aristocratique et du divin, puisque c’est le père de l’impératrice, un dieu, invisible et omniprésent, qui arbitre et juge cette fable à la gloire de la maternité. Un peu comme si Wotan était le juge des actions de sa Brunehilde….mariée! Ca se corse! Et c’est l’honneur du metteur en scène suisse Marco-Arturo Marelli d’avoir trouvé un espace scénique, simple et efficace, un plateau tournant qui permet d’alterner à vue les trois mondes, la «wasserette» du teinturier, le palais de l’empereur et surtout les lieux naturels et surnaturels où se déroulent quelques actions décisives. La magie s’insinue par quelques images symboliques, soutenues par de beaux effets de lumière et de miroirs.

Cette simplicité permet d’apprécier l’essentiel : une musique somptueuse, qui tire à toutes les sources de Strauss, des harmonies du Rozenkavalier qui dominent dans le rôle de l’impératrice, aux hystéries d’Elektra qui se retrouvent dans les désespoirs agressifs de la teinturière. Quant aux hommes, leur registre est carrément wagnérien avec le splendide ténor impérial et le robuste baryton-basse de teinturier. La distribution est à la hauteur de l’ambition globale grâce à trois femmes remarquables, servies par un bel instinct scénique: deux sopranos dramatiques, l’élégante Marion Ammann, impératrice à la voix souple et insinuante et la robuste Stephanie Friede en teinturière aux désespoirs agressifs et fulgurants. Et une mezzo, Tanja Ariane Baumgartner, d’une justesse et d’une efficacité redoutables dans le rôle ingrat de la nourrice. Les hommes sont d’un talent égal avec le «heldentenor» Jon Villars, empereur à la voix rayonnante d’une prestance physique remarquable et le très émouvant baryton-basse Thomas Johannes Mayer, encore plus convaincant ici que dans le rôle d’Amfortas, dans le récent Parsifal de la Monnaie. Enfin il faut saluer l’orchestre et son chef Alexander Joel qui défendent avec une rare conviction d’ensemble et des qualités individuelles remarquables une partition d’une redoutable complexité.

J’ai assisté à la première gantoise, au début des vacances de Pâques. La première anversoise  a lieu ce soir. Il faut vous précipiter voir cette œuvre rare et remarquablement incarnée.

Die Fraue ohne Schatten, de Richard Strauss, mise en scène de Marco Arturo Marelli

au Vlaamse Opera d’Anvers, jusqu’au 11 mai.

Info: www.vlaamseopera.be

Christian Jade. (RTBF.be)

 

 

27/04/2011/ Karine Ponties/L’épouvantail, bébé, ogre ou crucifix?/ Théâtre Les Tanneurs/

 

La figure de l’épouvantail, ce faux-protecteur de nos champs, hante l’imaginaire de la chorégraphe Karine Ponties. Déjà au centre de Humus Vertebra, l’épouvantail revient dans trois solos avec les mêmes danseurs, qui en déclinent tous les angles et tous les fantasmes.

 

K.Ponties:" Babil havran et fidèle à l'éclair" (c)Jean Pierre Surles

Critique : ***

Dans une très belle note d’intention, Karine Ponties, explique en quelques lignes sa fascination pour ce «poète de la nuit,… à l’angle de nos champs, ce solitaire soldat de l’effroi qui n’a jamais effrayé personne. Il fait partie de l’imaginaire. Cet être vertical est comme le double de l’homme, un autoportrait qui ne dit pas son nom, un panneau sans interdit, un protestataire qui nous ouvre les bras quand il n’est pas pendu, ligoté ou crucifié».

Ses trois danseurs-Eric Domeneghetty, Jaro Vinarski et Claudio Stellato-dont les corps mêlés formaient un seul épouvantail aux métamorphoses inquiétantes ou drolatiques dans Humus Vertebra, ces trois-là nous présentent des solos, comme autant de thèmes et variations sur l’objet imaginaire.

Dans Babil on voit Eric en conquête difficile et d’un langage articulé et d’une verticalité mal assurée. Son «babil» se rapproche plus d’envolées poétiques absurdes, quasi métaphysiques…mais drôles, que du langage enfantin. La maladresse d’un corps mal assuré, qui se surprend à des bonds prodigieux à l’horizontale, s’essaie à la conquête de soi dans la douleur et la surprise de frôler l’exploit de tenir debout. Comme toujours chez Karine Ponties, le mouvement chorégraphié est une performance psychique autant que physique.

Dans Havran (ou le Corbeau) Jaro est aux prises avec une immense perche souple dont il joue pour mesurer l’espace de la scène et la souplesse de son corps. Homme-oiseau avec un point d’appui flexible il déploie ses ailes pour affronter un vent imaginaire ou se roule au sol avec une étonnante richesse de mouvements que rythme la très belle musique originale de David Monceau.

Enfin dans Fidèle à l’éclair Claudio d’abord en position de crucifié, vu de dos prend une belle revanche de croquemitaine aux menaces aussi variées que drôles. Comme s’il prenait soudain sa revanche d’objet mal aimé pour nous montrer son talent proche du grotesque et du fantastique.

De cette danse apparemment libre et qu’on sent millimétrée, de ces tableaux suggestifs(ah, ces lumières crépusculaires ou vives de Florence Richard ou Jules Petit Etienne), surgit une inquiétante étrangeté tempérée par un humour discret : avec une liberté d’interprétation qui ne cale pas le fantasme de l’épouvantail dans des normes mais oblige chacun à réinterpréter la partition proposée.

Babil, Havran et Fidèle à l’éclair,de Karine Ponties, au théâtre des Tanneurs, jusqu’au 30 avril. Infos: www.lestanneurs.be

NB : A ne pas rater le samedi 30 à partir de 15h une rencontre amicale avec le grand chorégraphe Alain Platel, aux Tanneurs.

Christian Jade (RTBF.be)

 

22/04/2011/St Petersbourg/Prix Europa/ Sommet théâtral européen:renouveau difficile.

 

 

En 1986, le 1^er «Prix Europe pour le théâtre» couronnait Ariane Mnouchkine et Mélina Mercouri, en pleine force de l’âge. En 2011, 25 ans plus tard, les deux lauréats du 14è prix sont Peter Stein (74 ans) et Yuri Ljubimov, (93 an). Un prix qui vieillit?

 

"La Cruche cassée". von Kleist.m.e.s. Peter Stein (c) Luciano Rossetti

St Petersbourg, du 12 au 17 avril: reportage…critique.

Nul ne se plaindra de voir couronner ces deux géants, même tardivement. La surprise est plutôt de les avoir «oubliés», à leur période de rayonnement. Peter Stein, premier directeur de la mythique Schaubühne de Berlin et Yuri Ljubimov, fondateur du théâtre Taganka, de Moscou, «un îlot de liberté dans un pays qui n’était pas libre». Une juste réparation, en somme.

Mais à voir La cruche cassée de von Kleist, mise en scène par P. Stein, on est partagé entre admiration et léger doute. Admiration pour ce travail minutieux, savant et parfaitement respectueux du texte. Décor à la Vermeer, mais en noir et blanc, qui colle au lieu et au temps, de l’action: un juge menteur et libidineux, au Siècle d’Or hollandais. Jeux de lumière raffinés, direction d’acteurs époustouflante. Impressionnant. Et pourtant, il peut paraître intemporel, voire «daté», ce penchant entêté d’un «anti-moderne»…qui ne quitte jamais la terre ferme des textes (Georges Banu, dans le  dernier numéro d’Alternatives Théâtrales, partiellement consacré au Prix Europe). Mais quel beau phare dans notre nuit théâtrale, un peu chaotique, où la fidélité au texte compte moins que le vertige de l’image et le prestige de la performance.

De Honey, de Ljoubimov, rien à dire puisque présenté en tout début de festival et pas vu.

Mais dans la section «Retour» (consacrée aux ex-lauréats toujours actifs) quel bonheur de voir Les Trois Sœurs, de Tchekhov, mise en scène de Lev Dodine, directeur du Maly Drama Theater de St Petersbourg, un des trois, avec l’Odéon, à Paris et le Piccolo Teatro à Milan à porter le titre de «Théâtre de l’Europe». Le contraste entre les trois sœurs époustouflantes de justesse et de sincérité face à ces soldats dérisoires, dont le départ signifie les illusions à jamais perdues : une leçon de théâtre à l’ancienne, indémodable, dans cette langue russe si sensuellement musicale.

Une émergence à géométrie variable.

La partie «émergences», baptisée ici «nouvelles réalités théâtrales», nous a réservés deux bonnes surprises (sur cinq nominations).

 
"Mr. Vertigo", d'après Paul Auster. m.e.s.Kristian Smeds (c) Luciano Rossetti.

Le Finlandais Kristian Smeds (déjà vu brièvement au KVS, dans le Kunstenfestival des Arts, il y a 3 ans) proposait une version baroque du roman de Paul Auster, Mr. Vertigo : l’histoire d’un acteur qui court après son destin, de chute en chute: la condition humaine rejoint celle de l’acteur. Une troupe exceptionnellement unie, un jeu subtil entre scène et salle, avec les spectateurs baladés de décor en décor sur un tourniquet et trois musiciens, dont un trompettiste fabuleux, qui insufflent rythme ou mélancolie. Petit bémol: pas l’ombre d’une traduction du finlandais, ce qui souligne la qualité expressive des acteurs. Mais parfois le simple résumé de l’action, comme ici et comme à l’opéra, suffit. Plus inquiétant: une jauge limitée à 150 spectateurs : avec autant d’acteurs et de dramaturgie, comment exporter cet ovni coûteux?

Quant au groupe islandais Vesturport, il a présenté des versions physiques et acrobatiques de Métamorphoses, d’après Kafka et du Faust de Goethe, «compacté» en 2 heures. Il y a là une jeunesse et un sens de la performance qui va droit à l’essentiel du texte et de la situation. Des spectacles courts et modernes en somme, d’exportation aisée, mais qui amusent plus qu’ils ne touchent.

Par comparaison j’ai trouvé bien faibles les autres performances : les Slovaques du Cave Theater Studio m’ont semblé travailler pour les grands adolescents alors que le groupe portugais Teatro Meridional jouait carrément dans la cour de récréation, un «son et lumière» folklorique et sans  imagination.

 

 

"Métamorphoses", d'après Kafka par Groupe Vesturport (c) Luciano Rossetti

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Traduction et respect du public.

Restent deux problèmes soulevés par cette 14è édition.

La question des surtitres n’est pas que technique: elle conditionne le confort du spectateur à comprendre un texte. Il s’agit donc du respect du public non polyglotte, dans une Europe «Tour de Babel». Tout est à revoir, sérieusement. Beaucoup trop longs, prétendant être exhaustifs, ces surtitres  ne tiennent aucun compte de la vitesse de lecture du spectateur, en outre en langue étrangère (anglais ou russe). Il existe une science exacte à respecter, le nombre de signes assimilables par seconde de lecture. Le cinéma «résume» les répliques, pourquoi cette passion fétichiste du texte «pur» dans les surtitres de théâtre? Ce débat de puristes, qu’on retrouve aussi au KFDA et à Avignon, finit par fatiguer le spectateur de bonne volonté.

Enfin il faut proscrire la traduction simultanée par oreillette qui transforme tout spectacle de théâtre (où les intonations des acteurs sont un point central) en un pensum indigeste. La crainte de subir une deuxième fois cette punition de la traduction par oreillette m’a retenu d’aller voir l’émergent russe Andrey Moguchiy, dont on me dit par ailleurs le plus grand bien (les Russophones).Mieux vaut, de loin, distribuer un bon résumé préalable de l’action que de nous infliger des surtitres illisibles ou d’assommantes oreillettes.

Les critères de choix du jury.

Le Prix Europe du théâtre est en train de souffrir des mêmes maux que l’Europe politique: à force de vouloir faire de la démocratie quantitative, favorisant les petits pays, on arrive à ne plus tenir compte de la valeur réelle des mises en scène. On se moque souvent de l’Eurovision de la chanson: le théâtre n’est pas à l’abri de cette démocratisation par le bas. D’heureuses surprises, certes, avec la Finlande ou l’Islande. Ou, comme jadis, les metteurs en scènes des pays baltes. Mais il suffit de plonger dans la liste des «émergents» antérieurs (Castellucci, Marthaler, Platel, Cassiers, Warlikowski, Rodrigo Garcia, etc…) et la différence qualitative saute aux yeux: on se rend compte qu’à privilégier le politique sur l’artistique on ne contribue pas au prestige du Prix européen de théâtre.

Un prix-voulu au départ par le Commissaire européen de la Culture Ripa di Meana et le Président Jacques Delors- qui continue à être géré par un groupe de vaillants Italiens, dont l’infatigable Secrétaire Général Alessandro Martinez. Mais les subsides dépendent désormais, non plus de la lointaine Commission, mais des pays, régions et villes d’accueil: un million d’euros en moyenne pour chaque manifestation. D’où une «politisation» quasi inévitable. Dommage.

Mais ne boudons pas notre plaisir: vive l’impériale St Petersburg, dont nous avons parcouru les immenses salles de théâtre alors que, dehors, sous un soleil lumineux, les eaux de la Neva charriaient les derniers glaçons de l’hiver. Là, le théâtre était aussi dans la rue.

Christian Jade (RTBF.be)

 

01/04/2011/ Rideau cherche théâtre/ Atelier 210 cherche subvention.

 

Ils sont deux théâtres, d’ailleurs amis, à réclamer de la Communauté française une activation de leur dossier, lors de 2 conférences de presse. Le doyen d’âge (hormis le Théâtre du Parc), dans le paysage culturel belge, le Rideau de Bruxelles, 68 ans, né en 1943, quitte Bozar, après une longue et pénible guérilla et 2 années de nomadisme. Un de ses arrière-petits-fils, l’Atelier 210, 6 ans, né en 2005, a un  lieu, à Etterbeek, mais peu de subsides.

 

 

Curieux comme leur style de revendication, respectueux, se ressemble : leurs communiqués de presse sont plus informatifs que polémiques vis-à-vis de la Communauté française. Comme s’ils croyaient que patience, raisonnement, et force de conviction finiront par (con)vaincre.

La saga du Rideau errant.

Cela fait plusieurs années que le dialogue entre le Rideau de Bruxelles et le Palais des Beaux-Arts était devenu impossible. Depuis que, du jour au lendemain et sans avertissement, Bozar a décidé de « raser », sans compensation, la « petite salle » au fond du Hall Horta pour permettre une meilleure jonction entre le haut et le bas du Palais. Le divorce, prononcé  en septembre dernier, a accentué le nomadisme de la troupe, accueillie à l’Atelier 210, au Marni, à Wolubilis, au petit Varia et la saison  prochaine, dans un lieu de plus, le Kriekelaar, le centre culturel flamand de Schaerbeek !

L’étape suivante, l’octroi d’un lieu, même provisoire, public ou privé, n’a pu se faire en 6 mois. D’où une troisième année de nomadisme forcé, accepté avec un stoïcisme digne d’éloge mais qui devrait déboucher sur une solution, peut-être définitive, avant les vacances d’été. Les négociations avec la Communauté française s’accélèrent, nous affirme dans son  langage diplomatique, le Président du C.A., Jean-Marie De Backer, fils de Claude Etienne, le père fondateur du Rideau. Mais Michael Delaunoy, le directeur artistique, reste inquiet et « comme St Thomas, il ne croit que ce qu’il voit » (voir son interview plus bas).

Dans le milieu théâtral, le Rideau bénéficie du soutien vigoureux du Théâtre National, du Manège.Mons, du Théâtre du Parc et du Varia. Ils se fendent d’un communiqué de soutien avec cet avertissement : « Ce nomadisme ne peut être qu’une étape provisoire de très courte durée, sans quoi tout le bénéfice du travail réalisé ces dernières années par ce théâtre-ami serait réduit à néant, entraînant à terme sa disparition. Ce qui constituerait un dommage irréparable pour la vie culturelle de notre communauté ». Au National, on n’a pas oublié la solidarité de toute la communauté théâtrale lorsqu’on l’a réduit à s’installer à la hâte dans une salle de cinéma, le Kladaradatch, devenu le Palace, près de la Bourse, où certains rêvaient de le confiner.

Clairement, le Rideau traverse la plus grave crise de son histoire avec un flegme tout britannique : « Notre sentiment est que la Communauté française souhaite réellement dégager une solution pour le Rideau. Néanmoins…nous retrouver démuni de lieu permanent dès la saison prochaine suscite notre inquiétude ». Que sortira-t-il de cette bouteille à moitié vide ?

Prochain rendez-vous, le dimanche 15 mai, à l’occasion de la présentation de la prochaine saison, de manière festive…et nomade. Sûrement pas à Bozar !

 
L’Atelier 210, le petit jeune prometteur.

En septembre 2005, dans la salle patronale rénovée de l’Institut St Stanislas, près de la Maison communale d’Etterbeek, naissait un curieux lieu où voisinaient théâtre et concerts attirant une population jeune (50% du public a moins de trente ans).Pas de chance pour eux, c’est l’année où Fadila Laanan adopte un « moratoire » au subventionnement de « nouveaux » lieux théâtraux. Un moratoire  verbal, non couché sur papier, mais qui, dans les faits, empêche une convention à hauteur de 200.000 euros, souhaitée par l’Atelier 210 : après six ans d’existence, son patron Benoît Roland, estime échapper à la catégorie « nouveau lieu ». Et reconnaît que la Communauté française lui octroie, depuis 2010, une subvention annuelle de 27.000 euros, comme salle de concerts et qu’il est question d’un soutien de 60.000 pour le théâtre, comme «structure d’accompagnement» des artistes ». Mais c’est comme théâtre de création que le bât blesse, d’où la question : A partir de quand on n’est plus nouveau ?

Christian Jade (RTBF.be)

Interview de Michael Delaunoy, directeur artistique du Rideau de Bruxelles.

 

Michael Delaunoy, en exercice instable?