Le blog critique de Christian Jade sur la RTBF

26/07/2011/Festival d'Avignon 2011/Retours sur Belgique/"Life and times"/Kelly Cooper et Pavel Liska/"Violet" de Meg Stuart/Sur le concept du visage de Dieu /Romeo Castellucci

 

 

Au moment où le festival IN plie bagage, une poignée de souvenirs et d’impressions fugitives.

Les retours en Belgique.

Life and Times, Chronique d’une vie de Kelly Copper et Pavel Liska.

C’est un des rares moments festifs et sans prise de tête du Festival. On a apprécié ce projet un peu fou de retranscrire littéralement les 16  heures de confessions, de sa naissance à aujourd’hui d’une femme appartenant au groupe marginal américain Nature Theater of Oklahoma. Cela tient évidemment de la performance mais transformée en expérience collective. Sur le plateau, six acteurs (jeunes) chantant et dansant le texte,  nous livrent une douce parodie de la comédie musicale et du feuilleton télévisé américains. Nous avons eu la chance d’assister au deuxième épisode, le meilleur paraît-il. La preuve:  il est importé par les meilleurs théâtres flamands au printemps 2012.

Life and Times, Chronique d’une vie

Kaaitheater /Brussel ( 8-10 mars), de Singel/Antwerpen(16 et 17 mars) et Vooruit/Gent(25 et 26 mai) .

Violet de Meg Stuart : danseurs écrasés par un génial batteur.

On connaît bien Bruxelles la chorégraphe américaine installée chez nous et qui est en résidence au Kaaitheater. Elle introduit souvent avec humour dans ses chorégraphies des questions de société ou des thèmes familiaux ou amoureux.

Violet est une partition plus abstraite avec des danseurs écrasés par l’énorme percussionniste Brendan Dougherty, qui nous la joue tellement rock à décibels déchaînés, qu’il a la politesse de distribuer des boules Quies à l’entrée ! Ce déchaînement initial est suivi, à mi-chemin d’une  percussion plus douce qui permet aux danseurs de revenir dans le jeu, de renaître à un peu de cohésion entre eux. Pièce abstraite, impressionnante de force musicale mais qui nous laisse sur un point d’interrogation : la danse et le théâtre ne sont-ils pas submergés par l’art dominant :la musique ? Cas de Bertrand  Cantat face à Sophocle, mis en scène par Mouawad , et dans une moindre mesure d’ATDK dont la musique du Moyen Age, l' ars subtilior paraissait plus convaincante que la chorégraphie.

A voir au Kaaitheater, cette saison www.kaaitheater.be

Sur le concept du visage de Dieu de Romeo Castellucci.

Après un raté technique au Singel, à Anvers, ce printemps, l’œuvre y reviendra cette saison.

Problème pour le spectateur provoqué jusque dans son intimité et sa pudeur : on voit le rapport entre un père en phase terminale incapable de retenir sa dysenterie. Le fils BCBG essaie de l’aider, de le langer devant nous,  une fois deux fois trois fois : chacun pense à un membre de sa famille en fin de vie. Si vous le prenez au premier degré, c’est « scatologique ». Mais une très belle image du fils de Dieu, le Christ, que son  Père a obligé à s’incarner dans la douleur, ne cesse de nous regarder, dans une douceur irréelle Et soudain on passe de la scatologie  à l’eschatologie, le sens divin ou non à donner à la vie. Une bande de gamins surgit qui tentent de détruire l’image de Dieu à coups de grenades. Puis l’image s’auto-détruit  dans  un  concept final  "Faites vous partie de ce troupeau guidé par la foi ?"En moins d’une heure tout est dit.

Choquant pour les uns, salutaire pour les autres, dont je suis.

Du 1^er au 4 février 2012 www.desingel.be

Simple coup de cœur   Ebauche d'un portrait de François Berreur.

Ce texte est une reconstitution partielle du Journal de Jean Luc Lagarce. Créé en 2008 au Théâtre Ouvert à Paris, il mériterait de circuler, peut-être réduit d’une demi heure, pour excès d’allusions au microcosme parisien. Lagarce, auteur et metteur en scène  est mort, lentement, du sida. Ce n'est  pas un "exhibitionniste" de sa maladie  mais son témoignage sur la relativité de son activité littéraire, qui pourtant le passionne (contradiction) et sur les progrès de sa maladie sont un morceau d’anthologie, fin, subtil, émouvant.

Surtout que, pour défendre ce monologue, Laurent Poitrenaux un des acteurs les plus  doués du paysage théâtral français actuel, donne la mesure de son talent. On l’avait déjà apprécié dans Jan Karski de Nauzyciel. Il a un  une présence intime au texte et une capacité de la  transmettre en douceur au spectateur . Un acteur  dont la carrière mérite d’être suivie de près.

Christian Jade (RTBF.be)

25/O7/2011/ Festival d'Avignon2011/Kristin", d'après "Mlle Julie" de Strindberg/Le chef d'oeuvre 2011./"Mlle Julie" revisitée par Katie Mitchell et Leo Warner.

 

 

Mademoiselle Julie, de Strindberg se présentait, à Avignon, cette année, sous deux formes: à la française, avec la vedette de cinéma Juliette Binoche. Et à l'anglo/allemande, une mise en scène anglaise de Katie Mitchell, produite par la Schaubühne de Berlin: elle fait voir le drame des amants du point de vue de la servante, Kristin.

 

Kristin, d'après Mlle  Julie 

Une révélation.  

 

Soyons francs : il y a des comparaisons qu’on fuit, d’instinct. Juliette Binoche, extraordinaire actrice de cinéma, devenue une Mlle Julie de théâtre, nous laissait sceptique, surtout mise en scène par Frédéric Fisbach, auquel nous avouons être assez allergique. Alors on a évité. Et l’autre version Kristin, une Mlle Julie, revue par une Anglaise, Katie Mitchell, installée pour l’occasion à la Schaubühne de Berlin, nous attirait davantage. Le déplacement de l’action des protagonistes vers le personnage secondaire, la servante Kristin, et l’utilisation d’une construction cinéma, au théâtre, ces «détournements» d’action et de genre nous intriguaient. Et notre curiosité fut bien récompensée. C’est pour ce genre de défis qu’on aime Avignon.

Il y a un pari risqué, au départ de Kristin: ne conserver de Mlle Julie que les passages où Kristin, cuisinière, «fiancée» du domestique Jean est en scène, assistant à la conquête de son fiancé par Mlle Julie.Il ne reste alors que trente pour cent de la pièce et un fil rouge à retravailler, réécrire et «revisualiser».Seule l’utilisation de la caméra permet de montrer, par le gros plan, la détresse intime de Kristin, ou l’arrogance des amants. Ou encore, à partir de la chambre de Kristin d’ «espionner» quelques-unes des scènes principales du «complot» amoureux qui finit tragiquement. Ou d’échapper au huis-clos, à partir d’une minutieuse reconstitution d’une «fausse» nature, avec des brindilles d’herbe sur un coussin. Ou d’assister constamment à la fabrication des images avec des camera-men et -women qui passent d’un endroit à l’autre avec une dextérité inouïe et dont on peut vérifier le cadrage. De même, de «vrais» bruits  sont fabriqués en direct sous nos yeux dans la cuisine de Kristin, qui devient  le laboratoire du film en train de se faire. Idem la musique du violoncelle est parfois vue en direct ou enregistré.

Trop sophistiqué ? Eh bien non ! Le prodige est là : on est témoin d’un drame naturaliste, dont on connaît les grandes lignes, vécu comme un monologue intérieur subjectif par Katrin, avec un commentaire off poétique, une sorte d’éloge de la nature. Le tout est mis à distance par la fabrication, discrète et ostensible à la fois, d’un film en train de se faire sous nos yeux, sur l’énorme largeur du plateau. C’est la 3è histoire, ce film en construction, qui n’enlève rien aux deux premières, le drame naturaliste des amants et les émotions subjectives de Kristin, subissant en gros plan son amour détruit. Impossible de décrocher une seconde : les trois niveaux nous relancent sans cesse.

Alors que la mode est à la grossière simulation d’un rapport salle/scène, où l’acteur s’introduit dans le public pour le faire soi-disant «participer à l’action», ici l’intelligence du spectateur est sans cesse sollicitée de participer à la fabrication de ce drame, tout en éprouvant de l’intérieur la détresse de Kristin ! Prodigieux. Pour l’esthétique du film, confiée au remarquable vidéaste Leo Warner, on est, de l’aveu de Katie Mitchell, entre les premiers Bergman, très lyriques et Michael Hanneke, très graphique. Quant aux acteurs Jule Böwe, Kristin, Tilman Strauss, Jean et Luise Wolfram, Julie, ils sont d’une expressivité totale. Mais c’est toute l’équipe technique qui est à saluer pour la prodigieuse précision, en live, de ses  cadrages !

Par rapport aux vidéos prodigieuses de Guy Cassiers, qui jouent sur une technique «invisible», dynamisant la force du théâtre, Katie Mitchell transforme le théâtre en film, une étape de plus mais pas du tout le retour au bon vieux «théâtre filmé» ! Je connaissais Katie Mitchell de réputation pour avoir été récompensée, ce printemps par les prestigieux Prix Europa. Cette jeune femme «quadra» s’est taillé une solide réputation dans son propre pays, aussi bien à la Royal Shakespeare Company qu’au National Theater, puis en Suède et en Allemagne, tant au théâtre qu’à l’opéra (Salzbourg notamment).

Il serait temps qu’on la découvre dans nos régions. Son spectacle, créé en 2010 à Berlin, est le seul des spectacles d’Avignon à ne circuler NULLE PART !! La France (Avignon mais aussi, en juin, un festival au Théâtre de la Ville, Chantiers Europe) commence à la découvrir. Avec elle le théâtre «savant» et «moderne» reprend ses droits face à la performance, à l’esbroufe, misant tout sur le choc et, parfois, le toc.

On attend un programmateur belge audacieux (et vraisemblablement « fortuné ») pour diffuser ce genre de théâtre haut de gamme.

Kristin, d’après Mlle Julie, de Strinberg, adaptation et mise en scène de Katie Mitchell, à Avignon jusqu’au 24  juillet.

Christian Jade. (RTBF.be)

22/07/2011/Festival d'Avignon 2011/Femmes" (Les Trachiniennes, Antigone, Electre de Sophocle)/Wajdi mouawad

 

 

Avignon 2011/ Bertrand Cantat plus fort que Sophocle et W.Mouawad dans « Femmes »

Vendredi 22 juillet 2011

On l’avait déjà noté dans Cesena d’Anne Teresa De Keersmaeker : la musique dominait le visuel, cette année, en Avignon.  C’est plus éclatant (et éprouvant) dans Femmes de Wajdi Mouawad. La trilogie de Sophocle est écrasée par le talent de Bertrand Cantat (pourtant physiquement absent).

 

Sophocle mis en scène par Wajdi Mouawad :

Un naufrage aquatique sauvé par le fantôme de Bertrand Cantat.

 

 
 Electre. Sophocle/Mouawad

 On attendait sans doute trop de Wajdi Mouawad dont la trilogie libanaise, Incendies,  Littoral, Forêts avaient enchanté Avignon il y a deux ans, après avoir enchanté Bruxelles, dans de plus petites formes, plusieurs années auparavant. L’esprit épique, rare à notre époque, le souffle mis à raconter une histoire à personnages multiples de manière pas « révolutionnaire » mais moderne laissait bien augurer du fabuleux défi dans la Carrière Boulbon : une nature rocailleuse, âpre, sauvage, un cadre béni pour trois tragédies grecques centrée sur les femmes : Les Trachiniennes, Antigone et Electre.

Première erreur de mise en scène : au lieu d’utiliser au mieux ce cadre propice, il l’écrase sous une horrible et gigantesque machine  à eau qui va périodiquement transformer les dialogues des héroïnes en  combat de sirènes sous le déluge. L’obsession aquatique en devient souvent comique  puisque les  personnages passent leur temps à se doucher, s’arroser de bouteilles d’eau, se couvrir d’un drap de plastic  protecteur Le comble dans le genre: une plongée à deux dans un tonneau  pour une joyeuse bataille navale digne d’une pub pour Sprite ou Evian. Avignon, c’est le festival des obsessifs. Après la plongée dans l’hémoglobine dans le pseudo Hamlet de Macaigne, voici la douche rafraîchissante qui nous faisait craindre pour la santé des comédiens , entre 1O du soir et 4H30 du matin.

On a, comme une majorité du public, à la première, enfilé les trois tragédies, de Déjanire, qui tue  Héraclès par erreur, à Antigone, victime de Créon ou Electre qui attend deux heures pathétiques la venue de son frère Oreste pour trucider leur mère et son amant, assassins d’Agamemnon.

Deuxième et  troisième erreur liées : confier la traduction au  poète Robert Davreux, qui en fait une  adaptation si » blanche », littérale,  archaïsante  qu’on s’écrase petit à petit sous le poids de l’ennui distingué. D’’antant que les comédien(ne)s sont laissé(e)s en plan à énoncer sans grâce ce texte interminable.  C’est le cas surtout pour les comédiennes, qui ont un rôle central, dans cette trilogie et se plantent  devant nous comme des cantarices à l’ancienne, jouant leurs arias face au public. Seuls les acteurs /actrices jouant Electre, Créon/Egisthe Hémon et  Oreste ont l’air de croire à leur texte et le défendent  plutôt bien. Ils ont un vrai potentiel, sous-exploité. (*sur leurs nom voir NB. final)

Enfin, quatrième erreur , « par défaut » : la grande nouveauté, confier le chœur à Bertrand Cantat et ses musiciens, est  si réussie qu’elle fait disparaître le texte ennuyeux sous la beauté de ses incantations. Même absent, en vois off donc, Cantat a plus de présence en quelques minutes que tout le texte en 7.h, de 9H30 à 4H30 du matin.On en vient à guetter les moments de bonheur où sa musique et ses paroles nous feront respirer dans cette longue nuit.

Conclusion : la mise en scène n’est pas à la hauteur …sauf quand c’est la musique qui prend le pouvoir !

* NB1:  un regret :ne pouvoir  rendre hommage  à certains acteurs canadiens :   le petit programme distribué aux spectateurs du Festival  contient des noms d’acteurs  par ordre alphabétique, pas les  rôles de ces vaillants  Canadiens. Il en va de même de la quasi totalité des programmes distibués aux spectateurs, dans le monde « latin », de la France à la Belgique francophone ou au Canada ( et pas seulement au Festival d’Avignon).

*NB2: notables exceptions le petit programme au public de Kristin, de Katie Mitchell, produit par la Schaubühne, et de Sang et Roses, du Flamand Guy Cassiers mentionne les acteurs dans leur rôle, pas comme un collectif anonyme, par ordre alphabétique . Comme si l’Europe du Nord avait plus le respect des acteurs que l’Europe « latine » …jusqu’au Québec.

Femmes, (Les Trachiniennes, Antigone, Electre de Sophocle), mises en scène par Wajdi Mouawad.

A voir à Avignon jusqu’au 25 juillet puis  à Mons et Namur, une par une, puis les trois ensemble le week-end.

Mons:du 11 au 15 janvier. www.manege.mons.be  

Namur: du 18  au 22 janvier . www.theatredenamur.be

Christian Jade. (RTBF.be)

24/07/2011/ Festival d'Avignon 2011/"Sang et roses", le chant de Jeanne et Gilles/ Tom Lanoye/ Guy Cassiers

 

 Un vitrail flamand magique signé Cassiers/Lanoye en Cour d’Honneur.

Jeanne d’Arc et Gilles  de Rais, le bien et le mal, « Sang et Roses », un texte  shakespearien de  Tom Lanoye, une mise en scène  comme  un vitrail de Guy Cassiers. Sous la beauté formelle, le procès..des procès religieux et du pouvoir de l’Eglise. Et le troisième volet d’un triptyque réussi en Cour d’Honneur après Boris Charmatz (« enfant »),  ATDK (« Cesena »).

                l

Le chant de Jeanne et Gilles: ferveur, beauté et justice.

"Sang et Roses". Tom Lannoye, Guy Cassiers (c) Koen Broos

 

Le Festival d’Avignon se termine sur deux points forts théâtraux: «Kristin», d’après Mademoiselle Julie  de Strindberg,  de Katie Mitchell et Leo Warner (voir critique précédente), un duo anglo-germain d’une intelligence piquante.  Et le «couronnement» dans la mythique Cour d’Honneur,  du duo Guy Cassiers/Tom Lanoye. Ils prouvent  qu’on peut faire un théâtre de salle sophistiqué, littéraire et amplifié par la vidéo et l’adapter dans le plein air redoutable d’un lieu difficile.

La technique au service du texte : sono, vidéo et Colegium vocale

Le pari était  d’abord technique : comment faire jouer avec naturel  7 acteurs, dont 6 jouant deux rôles, dans un espace immense, avec un texte très riche, poétique et rhétorique, jouant sur les sonorités rugueuses  du flamand, avec des archaïsmes quasi shakespeariens. La réponse est triple : un somptueux système d’amplification douce permet de jouer avec naturel  et les affrontements bruyants  et les scènes collectives et les duos intimes comme la relation incestueuse entre le Dauphin et sa mère. La vidéo déploie comme un immense vitrail sur cette Cour d’Honneur sur lequel projeter soit le décor naturel de la Cour et le jeu des acteurs en gros plan, soit des enregistrements de salles  intimes du Palais, soit des scènes non réalistes mais d’une beauté fulgurante comme la mort de Jeanne au bûcher : un morceau d’anthologie. Enfin le chant  cristallin du Collegium vocale Gent joue tout à tour les  fameuses «voix» de Jeanne et les démons de Gilles, scandant le drame sur une musique à l’ancienne de Dominique Pauwels. Sonorités douces, beauté  des images vidéo, capable s de traduire l’expressivité des visages et  la somptuosité picturale des couleurs (et des  lumières signées Enrico Bagnoli ), qualité de la musique : la réussite du spectacle repose d’abord sur ce soin maniaque du détail et de l’ensemble propre à Guy Cassiers et son équipe.

Une distribution de rêve.

Tout ce confort technique et visuel pour permettre à des acteurs  d’une force prodigieuse d’être plus présents, avec ou sans vidéo. Quand le groupe est nombreux, quand il s’agit d’entendre une parole politique forte, lors des deux procès, de Jeanne et de Gilles, par exemple,  le regard se porte sur le groupe d’acteurs  sans support vidéo. Et ils sont tous merveilleux : la petite Abke Haring incarne tour à tour Jeanne d’Arc et un jeune moine, amant de Gilles de Rais, Johan Leysen prête sa voix de stentor et son physique coupé au couteau à Gilles de Rais. Jos Verbist incarne avec un cynisme patelin les deux évêques et juges ecclésiastique retors. Katelijne Damen, la reine-mère qui veut régner sur le pauvre Dauphin  est un des personnages les plus shakespeariens, dans son ambiguïté, de mère séductrice.

 Un détail qui prouve l’intelligence pratique de l’équipe technique :ces acteurs jouant en flamand, une  langue inconnue du public français, bénéficient de trois  sur titrages, un central, et deux latéraux, qui peuvent ,en cas de panne technique partielle, se  compenser et empêcher une incompréhension d’un texte chargé de deux heures et demie  de paroles denses. Cela s’est vu brièvement à la deuxième représentation, suite à une brève panne de l’écran central. Souci maniaque du détail pour prévenir toute catastrophe.

Langue somptueuse et poétique, réflexion politique percutante.

Tout ce confort technique et cette belle imagerie seraient un peu vains si le texte ne tenait pas la route et si le sujet paraissait inactuel. En quoi ce drame historique, basé sur le contraste entre une illuminée mystique et un salaud sadique, précurseur de Sade, peut-il encore nous intéresser ?  Tom Lanoye ne fait pas sortir Jeanne de son «innocence» un peu simpliste. Mais sous l’image d’Epinal qu’elle véhicule, il montre, par contraste, le défilé de lâcheté et de cynisme et de l’Eglise et du Dauphin,  pratiquant  une certaine «realpolitik» toujours d’actualité. De même, l’abominable dépeceur d’enfants, Gilles de Rais met en évidence les retournements hypocrites de la justice ecclésiastique qui tolère les turpitudes du monstre  jusqu’au jour où son intérêt matériel lui commande de l’abattre. Thème politique éternel, que la justice soit ecclésiastique ou non. Mais dans ce cas, la complaisance de l’Eglise vis-à-vis  de la pédophilie est en filigrane de la pièce. Enfin, l’œuvre regorge de scènes subjectives et poétiques qui n’en font pas un simple pamphlet politique, une pièce à thèse simpliste. Certes Jeanne ne sort pas de son image pieuse mais Gilles de Rais, dont on ne nous cache aucune tare, a de curieuses fulgurances quasi amoureuses pour un jeune amant ecclésiastique. Le personnage a ses nuances et met lui aussi en évidence, avec quelle allure, sous les traits de Johan Leysen, la relation hypocrite  de l’Eglise au pouvoir et à l’argent. A la lecture le texte de Lannoye , traduit au cordeau par Alain Van Crugten ( aux éditions Actes Sud)est  un grand morceau de littérature. Dans la Cour, sa durée, deux heures et demie  a parfois largué quelques dizaines de spectateurs…discrets et respectueux, lors de la deuxième représentation. Mais une telle ambition pour un théâtre de contenu, de texte, de débat réconforte, porté par des moyens modernes de le défendre. On est fier de cette belle équipe flamande, encore belge, jusqu’à nouvel ordre, et qui porte une pensée humaniste universelle.

 Sang et Roses, de Tom Lanoye et Guy Cassiers  à Avignon, jusqu’au 26 juillet.

Au-delà vous pourrez voir Sang et Roses en flamand sur titré en français à Bruxelles au Kaaitheater ( du 2 au 4 mars), à Luxembourg (avec sur titres en français et allemand, pour les germanophones, les 25 et 26 janvier) ou à Paris (à l’ Odéon du 8 au 12 février).

Si vous  êtes flamand ou….bilingue,le spectacle passe en langue originale  à Anvers où il fut créé (au Toneelhuis)  à   Gand (Vooruit), entre autres!

 Christian Jade (RTBF.be) 

19/07/2011/FESTIVAL AVIGNON 2011/LES DOMS/ "Coalition" .Transquinquennal Tristero / "Rue du Croissant". PH. Blasband/ "Hors la Loi". Régis Duqué/ rappel critique

 

 Première livraison critique : trois des spectacles des Doms ont déjà été vus cette année, voire en 2009 ! Je vous en livre le compte rendu critique  intégral, « d’époque », avec très bientôt d’autres comptes rendus sur le reste de la programmation.

COALITION, OU L’HUMOUR NOIR REVISITE.

 Coalition"(c) Herman Sorgeloos.

Un excellent spectacle vu au Kunstenfestival des Arts 2009: Coalition ,où deux  groupes (  Transquinquennal, francophone et Tristero,flamand,) unissaient leurs forces pour un texte décalé  sur les dangers qui nous menacent. Le drame japonais lui rend une cruelle actualité.

Nominé comme un des trois meilleurs spectacles aux Prix de la critique en 2009, il passe cet été au Théâtre des Doms à Avignon.

"Coalition". Transquinquennal et Tristero(c) Herman Sorgeloos

Critique:

(mai 2009 sur  La Première RTBF)

Dans la volonté d’optimisme du Kunsten, cette année, la plus belle réussite vient de l’association entre Transquinquennal et le groupe flamand Tristero .Leur projet,Coalition, c’est une réflexion amusée, sur notre impuissance à prévoir des accidents, parfois graves et à y remédier efficacement.

Le fil conducteur visuel du spectacle ce sont des enregistrements vidéo, notamment d’un avion soviétique, qui, en 1989, est venu s’écraser sur une malheureuse maison isolée en Flandre, tuant un étudiant endormi, après avoir franchi, sans être repéré par plusieurs pays de l’OTAN Des images aussi d’une prise d’otages par des Tchétchènes dans un théâtre de Moscou dont un négociateur est un chanteur russe aussi célèbre qu’Adamo chez nous. On le retrouve dans une hilarante version russe de My way de Sinatra. Mais c’est surtout la manière de raconter ces histoires, de les enchaîner, de les distancier ou de les caricaturer, jusqu’au surprenant final qui fait la qualité d’un spectacle où le rire et le sourire sont l’élégante politesse du désespoir lucide.

A Avignon, au Théâtre des Doms du 8 au 28 juillet. Infos: www.lesdoms.eu

 

  Rue du Croissant (PH.Blasband):éloge joyeux des différences.

 

 Rue du Croissant.P.Blasband (c)Koen Broos

Mohammed Ouachen est le remarquable interprète belge du fameux, « Djurdjurassique bled » de l’humoriste algérien Fellag, adapté pour lui par le metteur en scène David Strosberg. Il remet ça, mais sur un texte de Philippe Blasband, Rue du Croissant. A nouveau une performance éblouissante: évoquer la variété d’une rue de Forest en un puzzle bigarré de 40 personnages: drôle, subtil, émouvant.

Créé aux Tanneurs  et au KVS en février 2011 il passe aux Doms du 6 au 28 févier.

www.lesdoms.eu

Critique:

Tout commence par les confidences d’un chat, Tchoupi,  réveillé par « le  cri d’un humain » alors que ce pauvre petit châtré n’a qu’un but dans la vie: manger et dormir.

Il faut voir avec quelle pêche et quelle économie de moyens Mohammed Ouachen esquisse ce chat en deux mouvements des bras étirés puis repliés et une joyeuse mimique. Accroche parfaite qui définit le « la « de l’ensemble: un petit roman policier autour de ce « cri » mystérieux entendu par une quarantaine de témoins, peu sûrs mais qui se décrivent dans leurs passions, leurs contradictions, leurs préjugés, leur joie de vivre aussi et leurs  espérances/désespérances.

Un récit éclaté, un très bon Blasband, conteur-né, qui va à l’essentiel. Encore fallait-il rassembler  subtilement ce puzzle. Le merveilleux « faufilage » de ce microcosme par le talent de Mohammed Ouchen  guidé par l’oeil extérieur de David Strosberg font merveille. Le passage d’un personnage à l’autre se fait sans cabotinage et sans le moindre changement de vêtement. A peine change-t-il un peu sa voix pour les  personnages féminins ou quelques étrangers, sans forcer le trait ou l’accent. Les passages d’un sujet à l’autre pour dessiner la fresque d’un humanité bigarrée se font au quart de tour, dans un  rythme subtil, avec parfois des respirations musicales ou dansées ( quelle souplesse, le Mohammed!) qui transforment ce beau texte en récit de 1001 nuits en plein Bruxelles multiculturel. Ajoutez les lumières parfaitement dosées de Reynaldo Rampersad et vous aurez un spectacle drôle et profond à la fois, qui vous laisse un vrai bonheur: l’impression d’avoir ri dans la légéreté d’une langue, entre Queneau et Pérec  grâce à l’élégance d’un interprète inspiré.

A Avignon, au Théâtre des Doms du 8 au 28 juillet. Infos: www.lesdoms.eu

 Christian Jade (RTBF.be)

  
Hors-la-loi. Régis Duqué. (c) Alice Piemme.

 «Hors-la-loi», western sexy, décalages assurés.

Deux fanas de western ont écrit (Régis Duqué) et mis en scène (Jérôme Nayer) ce Hors -la -loi, où deux filles et trois garçons jouent, avec bonheur et malice, sur les clichés du western. Savoureux.

Créé en décembre à L’Atelier 210, il est aux Doms , à Avignon, du 6 au 28 juillet

www.lesdoms.eu

 Critique:

C’est quoi, un western ? Un divertissement de cour de récré ou la tragédie grecque adaptée à la société américaine ? La loi et l’ordre, à la Bush,  pour un monde macho ? Ou sa transgression par les femmes ? Et ce genre ciné, passé par la bédé (Blueberry, la série française décalée), on en fait quoi au théâtre ? Deux passionnés du genre, Régis Duqué à l’écriture et Jérôme Nayer à la mise en scène, se sont manifestement amusés, avec leurs copains acteurs, déjà  passionnés d’un théâtre « hors-les-lois » (du théâtre), à nous composer une parodie drolatique et savoureuse.

Les figures classiques sont là : un shérif sobre (ici), William Blake (tiens, tiens, le nom d’un grand peintre et poète anglais du XVIIIè siècle !), un chef de bande (rigolard)  qui règne sur Bodie, un village désert (Franck), un second rôle attendrissant (M. Ripley ou « replay » ?) et deux nanas croustillantes, Lulu et Pearl. Un « espace ring » pour les joutes verbales avec d’astucieux barreaux sur la droite, qui pourront figurer une prison. Avec pour toutes menottes un pan amovible de la chemise de Franck. On va de clin d’œil en clin d’œil avec un shérif qui dégaine…des fruits (de la banane à la pomme) et soumet les nanas amoureuses de Frank à des fouilles corporelles légèrement …érotiques, avant les visites en prison. Un shérif qui lit Phèdre de Racine, retour à la tragédie grecque, via la langue française, occasion parodique  de parler de la loi et du tabou de l’inceste. Ajoutez une partie d’échecs qui remplace l’affrontement à coups de flingues, des intermèdes musicaux qui rappellent, en léger décalage de genre (mais pas de pays), la comédie musicale américaine, un rôle superbe dévolu aux deux femmes, Pearl, l’instit d’une folle énergie tous terrains (Yasmine Laasal, la tornade… de rire) et Lulu, la « jeune fille », prostituée (ach, Wedekind et Berg) douce, sensible à la beauté de la langue…française (Fanny Hanciaux, le calme imperturbable face à la tempête Yasmine, très complémentaires les deux « filles »). François de St Georges compose, en Ripley, un second couteau naïf et charmant alors que le duo shérif /mauvais garçon semble avoir été  écrit pour des habitués du dialogue décalé, Hervé Piron et Eno Krojanker, la désinvolture souriante de l’un (Hervé) dialoguant avec le tsunami verbal d’Eno, les mots à la place des balles de colt.

A peine quelques « excès » verbaux (en tout petit bémol) d’un texte feuilleté du 1^er au 3è degré  par Régis Duqué et une mise en scène simple, dynamique et  juste de Jérôme Nayer qui, comme  tout bon chef d’orchestre, laisse la bride sur le cou aux acteurs pour défendre un texte qu’ils s’approprient et allège la pâte par des gags visuels ou musicaux qui font mouche.

Un des très bons spectacles de l’Atelier 210, qui, décidément, cette saison, confirme son rôle moteur dans la programmation jeune et risquée..

N.B. Le texte de Hors-la-loi, comme des centaines d’autres textes de théâtre, en Belgique, France, Afrique et Canada, est publié aux Editions  Lansman.

Créé en décembre à L’Atelier 210, il est aux Doms , à Avignon, du 6 au 28 juillet

www.lesdoms.eu

 Christian Jade (RTBF.be)

 

18/07/2011/Avignon 2011/4H30, aubade a capella,triomphe public pour "Cesena" d'Anne Teresa De Keermaecker.

 

 
Cesena. Anne Teresa De Keersmaecker. (c) Anne Van Aerschot

Pari tenu pour Anne Teresa De Keersmaecker (dite ATDK): à la première, samedi 16 juillet , de 5 à 7 h du matin, dans la Cour d’Honneur : le public d'Avignon, amateur de grandes performances qui se terminent à l'aube, a reservé à la troupe de la chorégraphe, étrangement absente, lors du salut final, une longue ovation. Pas évident pour son oeuvre la plus austère, Cesena.

 Bis repetita placent?

L'an dernier, au Cloître des Célestins, ATDK  avait littéralement "charmé" l'auditoire avec un spectacle qui jouait habilement sur deux surprises: danser dans une lumière crépusculaire, jusqu'au noir total et sur une musique du XIVè siècle , l'ars subtilior, totalement ignoré, raffiné, mêlant la voix et quelques instruments  d'époque.

Quadruple pari risqué.

Pari quadruplé, cette année: 1) se lever à l'aube, ça amuse un public habitué aux perforamances nocturnes mais cela peut être redoutable et pour les corps des danseurs et pour les voix des chanteurs les plus aguerris. Par chance il n'y eut ni pluie ni mistral qui avaient  dérangé quelques répétitions et la générale! 2) Elle reprend la médiévale musique de  l' ars subtilior , mais elle se prive de tout accompagnement instrumental. Elle joue son va-tout  sur le force du groupe vocal anversois "Graindelavoix", remarquablement mené par Björn  Schmelzer pour chanter, deux heures durant  a capella, un mélange de chants religieux, politiques et profanes (amoureux).3) Elle prend un risque supplémentaire: faire chanter les danseurs et faire danser les chanteurs. Force ou faiblesse? 4) Dans le groupe de 19 chanteurs -danseurs-13 danseurs, 6 chanteurs- seulement trois femmes, ajoutant à l'austérité générale!

Le goût du risque: une question de tempérament.

 C'est le propre d'Anne-Térésa:risquer toujours plus, défier le public  et surtout se donner des défis pour défendre sa danse, quasi existentielle, autant qu'esthétique, cherchant toujours, ne se répétant jamais, même si elle reprend 4 fois Steve Reich et 2 fois de la musique médiévale. Et cette audace têtue, cete intime conviction de sa force tient depuis son premier pari réussi:  Fase, pour deux danseuses, en 1982, sur une musique de Steve Reich.

Elle reprend  et danse Fase cette année, en personne, à Avignon, pour le quasi trentième anniversaire de sa création. Ce "classique" n'allait pas de soi à l'époque, elle l'a imposé! Tout comme elle a imposé un Mozart Arias, plein d'humour   en 1992, dans cette même Cour d'Honneur, avec un public partagé entre un enthousiasme débordant et des huées hystériques auxquelles elle fit face avec une fierté totale, just great, you know.

  

"Cesena", Anne Teresa De Keersmaecker (c) Anne Van Aerschot

 Défis surmontés?

Vendredi 16, 5h du matin.La Cour plongée dans le noir devine un homme nu qui s'approche et pousse à plusieurs reprises un cri déchirant. Puis le chant latin s'élève, majestueux, fatalement incompréhensible-tout comme l'ancien français provençal qui suivra- mais d'une beauté fulgurante, deux heures durant. On devine dans la pénombre un groupe qui se forme et se déforme, se soude puis se disperse. Pendant une demi-heure on sera sous le charme de cette beauté vocale et de ce groupe confus deviné plus que vu. Quand le jour laiteux se lève puis se précise, on dispose d'un programme avec les textes et d'une chorégraphie parfois très belle, notamment quand les trois jeunes danseuses , debout ou au sol démontrent la beauté de ce corps féminin chanté par un cerain Solage. Dans l'immense Cour d'Honneur rendue à sa beauté nue, on voit se former et se déformer le groupe de danseurs/chanteurs, tour à tour marchant ou dansant , selon une logique qui bien souvent nous échappe. Le jour cruel renforce la beauté du chant et nous prouve que, oui le minimalisme de la danse, c'est pas mal mais un peu plus de corps et moins d'esprit nous aurait comblés. Alors oui, personnellement, petite déception par rapport à  En Atendant vu l'an dernier et plus "mouvementé" dans un plus petit espace. La Cour était bien grande pour ces 19  vaillants  danseurs dont 6 non professionnels, souvent regroupés sur les bords de scène. Le propos politique (le retour du Pape à Rome) nous semblait un peu "robe prétexte". Pour tout dire le miracle des chanteurs/danseurs formant un tout génial ne m'a pas convaincu. Mais apparemment c'est une tendance "mode " très forte, propre aussi à Boris Charmatz, de mêler professionnels et amateurs, comme si chacun était capable de tout faire. Reste que si la danse sort un peu déforcée de la confrontation, le chant liturgique ou amoureux dans la Cour d'Honneur nous a ému et a conquis un public, totalement sous le charme. C'est l'irrationnel d'une réussite artistique venue d'un moment de grâce partagée à la première:une véritable ovation a salué la performance, qui sera sans nul doute retravaillée (et reccourcie?) pour l'épreuve suivante :une longue tournée européenne en salle: le resserrement de l'espace scénique donnera sans doute  plus de cohérence à la chorégraphie alors que le traitement vocal semble proche de la perfection.

Cesena,   d 'Anne Teresa De Keersmaecker, à Avignon jusqu'au 19 juillet.

-Au Kaaitheater et  La Monnaie  du 12  au 16 novembre. www.kaaitheater.be

-A De Singel (Anvers), du 17 au 20 décembre. www.desingel.be  

Christian Jade. (RTBF.be)

 

16 /07/2011/Avignon2011/Rudy Demotte, polémique avec le IN (directeurs) et hommage à Philippe Grombeer, directeur du Théâtre des Doms.

 

10 ans à la tête des Doms, ça se fête, avec pas moins de deux ministres  pour rendre hommage à son directeur P. Grombeer et attaquer, billes en tête, la direction du IN! Interview à l'appui.

 
Fadila Laanan, Rudy Demotte, Maurice Peeters et Philippe Grombeer aux 10 ans des Doms. (c) Nurten Aka

Philippe Grombeer, le patron des Doms depuis 2001, se retire, en septembre  à 65 ans cédant les clefs de la direction à son assistante, depuis  le début. Isabelle Jans, secondée par  un codirecteur pour la diffusion des spectacles, Hervé d'Otreppe.

Le Ministre Président de la désormais "Fédération Wallonie Bruxelles", Rudy Demotte, qui gère le contrat-programme des Doms, nous livre son anecdote sur la naissance des Doms, voulue par le Ministre Président de l'époque, Hervé Hasquin Et  s'interroge sur la place dans le IN de l'ensemble Wallonie/Bruxelles.L'occasion  pour Rudy Demotte de se plaindre amèrement de la sous-représentation  des compagnies belges francophones depuis 10 ans., dans le "IN".Avignon est un lieu prévu pour les polémiques.

Ci-dessous,les 5 mn d'interview  de Rudy Demotte, Ministre-Président de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

 Extrait sur la politique des directeurs du IN, Vincent Baudriller et Hortense Archambaut.

On peut vraiment amèrement regretter l'attitude de l'actuelle direction du IN.Je les ai renco ntrés l'an dernier et je dois dire que l'accueil n'a pas été excellent. Et je ne peux pas imaginer que ce ne soit pas en relation avec la manière dont la Flandre a organisé les choses, déversant des montants considérables sur ce festival...

Nous avons  maintenant opportunité avec le nouveau directeur (NDLR Olivier Py, directeur du Festival d'Avignon à partir de 2013) avec lequel nous avons déjà collaboré....On ne peut pas laisser la situation en l'état, il faut battre le fer tant qu'il est chaud.Je souhaite le voir à Paris ....pour lui exprimer notre frustration...Il n'est pas normal qu'en une dizaine d'années de programmation, on peut compter sur les doigts d'une main les spectacles issus de la Communauté française.

NB: souligné par nous.

 
Rudy Demotte aux Doms (c) Nurten Aka

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Quant à Fadila Laanan, Minstre de la Culture de la Fédération Wallonie Bruxelles, elle dégage les mérites de Philippe Grombeer . (ITV de 4mn).Extrait: Philippe Grombeer a su insuffler une façon de travailler propre à la Belgique, où nous savons mettre en évidence le diversité.Il a aussi réusi à fidéliser des spectateurs, des programmateursqui viennet découvrir nos talents...

 

Fadila Laanan aux Doms (c)Nurten Aka

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Philippe Grombeer et Isabelle Jans (c) Nurten Aka

Quant à Philippe Grombeer, esquissant son bilan, il a souligné qu'il confiait les clefs des Doms( voir la photo ci-dessous) à sa collaboratrice du début de l'aventure, Isabelle Jans et qu'il était fier d'octroyer à chaque artiste résident des Doms un somme décente par rapport à la galère du OFF.

 
Isabelle Jans et son mini trousseau de clefs (c)  N.Aka

Extrait d'une itv de P. GRombeer de 6mn 30.

Nous voulons, en tant que service public,payer les artistes, ce qui n'est pas très courantdans le festival off. Chaque comédienh reçoit, outre les services d'un régisseur, 5.500 euros avec lequels il couvre ses frais et son cachet. En off les artistes doivent louer à leurs frais un local et ne sont pas certains de leurs recettes....De ce point de vue nous sommes "le IN du OFF!"

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 Christian Jade (RTBF.be)

14/07/2011/Festival Aix en Provence/ La Traviata/Verdi/ m e s Jean-François Sivadier/Direction musicale, Louis Langrée

 

A  Aix,on assiste à une polémique franco-française, assez futile. La Traviata, incarnée par Nathalie Dessay, sous la direction de Louis Langrée, devait être l'accroche-coeur du Festival. Or l'un et l'autre suscitent des réserves , voire de fort méchantes attaques, notamment du Monde. Vous jugerez sur pièces, dès ce samedi 16, avec la retransmission, en direct,  sur  Arte à 21H30.

 
Aix 2011. La Traviata. Irina Lungu et Charles Castronovo

Critique.

Je n'étais pas à la première, avec Nathalie Dessay, dans le rôle -titre, mais à la première de sa jeune "alter ego", la Moldave Irina Lungu, dont j'avais lu le plus grand bien pour ses prestations notamment dans la Traviata ,à la Scala où elle remplaçait, à l'improviste, en 2007 Angela Gheorghiu. Souvent les plus grandes ont ainsi commencé à briller par le hasard d'un "dépannage". Et puis j'ai des souvenirs tellement forts de Nathalie Dessay "colorature" sublime dans La Reine de la Nuit de Mozart, que je craignais son passage à la soprano dramatique type Traviata ,qui exige un medium et un grave équilibrés. Reste que la force dramatique de cette grande dame, sa présence scénique sont au-dessus de la moyenne. Regardez donc Arte le 16 et jugez vous-même.

 
Aix 2011. La Traviata.Nathalie Dessay entre Ludovic Tézier (Giorgio) et Charles Castronovo( Alfredo)(c) Pascal Victor

Ma première bonne surprise fut d'entendre la musique de Verdi, dès l'ouverture, en douceur, "piano", avec un London symphonic Orchestra, dirigé en finesse par Louis Langrée, rendant fraîcheur et poésie à cette entrée en matière souvent pompeuse et d'une éloquence à l'arraché. Louis Langrée justifie cette approche par fidélité à Verdi. (voir interview ci-dessous). J'ai personnellement adoré cette absence de pathos, qui favorise plutôt qu'elle n'empêche la montée dramatique progressive, subtile. La Traviata façon Langrée, revient à Verdi el l'allégeant d'une tradition un peu kitch d'effets faciles.Du coup, les chanteurs ne sont pas obligés de "surchanter", comme on dit "surjouer", et nous donnent une version poétique contemporaine du drame de la courtisane.

La mise en scène de Jean François Sivadier, qui joue d'une technique  vieille comme le monde, de "théâtre dans le théâtre" et transpose le récit à notre époque m'a déplu au premier acte avec ses toiles suspendues  un peu fades de nuages ou de firmament. Mais sa direction de chanteurs/acteurs est digne d'un grand  tout metteur en scène  de théâtre : leur donne un naturel  très étudié mais efficace . Il "chorégraphie" la relation Traviata/ Rodolfo, et donne un délicieux clin d'oeil à Pina Bausch dans la fameuse fête avec ballet gitan, ce qui donne à l'ensemble  légéreté, humour et déchirement sans pathos lourdingue. Enfin la déchéance physique de Traviata ne l'empêche pas de mourir debout,  loin de son lit de souffrance, résistante impeccable, assumant sa solitude face à la maladie et la lâcheté du père et du fils Germont .

Aix 2011. Traviata. Irina Lungu et Charles Castronovo (c) Pascal Victor

Conduite orchestrale impeccable de Louis Langrée et du LSO, mise en scène incisive de Jean-François Sivadier.Et des interprètes à la voix impeccable. C'est le cas d'Irina Lungu, d'abord un peu coincée dans les aigus initiaux (le trac de sa première?) mais qui développe ensuite un beau registre de grave et medium. Il lui manquait peut-être un rien de frémisssement ce soir-là, pour atteindre ce statut de "diva"  qui nous donne le frisson.Son partenaire Charles Castronovo, Alfredo Germont a un aigu séduisant et une belle souplesse scénique. Ludovic Tézier, en père Germont, voix superbe, semblait un peu abandonné par le metteur en scène dans son attitude scénique:qu'importe, ce timbre impeccable séduit immanquablement.

Conclusion: avec Nathalie Dessay ou Irina Lungu,cette Traviata, malgré ses imperfections, touche, séduit,  ne laisse personne indifférent

www.festival-aix.com.

Christian Jade. RTBF.be.

Louis Langrée, qui a dirigé pendant près de cinq ans  l'OPL, l'Orchestre Philarmonique de Liège est blessé par les attaques de quelques journalistes sur sa version de Traviata. Il contre attaque ici avec humour et passion, défendant aussi son interpète, Nathalie Dessay. ITV de 8mn .

Louis Langrée (c) B. Ealovega

 

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14/07/2011/Festival Aix en Provence 2011/ Clémence de Titus/ Mozart/ David Mac Vicar/ Colin Davis

La Clémence de Titus: un bunker planté dans la Cour de l’Archevêché.

 

  
Aix 2011. Clémence de Titus (c) Pascal Victor

On n’a pas envie de s’attarder sur la mise en scène de David Mac Vicar, qui nous a donné de tels bonheurs, notamment une Agrippina de Haendel ou Un couronnement de Poppée  de Monteverdi à La Monnaie ou Les Contes d’Hoffmann au Vlaamse Opera. Ici la scénographie est lourdingue avec un immense escalier de béton perpétuellement escaladé ou descendu par ces malheureux solistes un peu perdus sur scène cherchant souvent en vain leur place. Une garde prétorienne vêtue de cuirs noirs, une statue ensanglantée au moment du pardon final renforcent  la lourdeur générale. Heureusement il y a  la fabuleuse voix et parfaite tenue de scène de Sarah Connolly, Sexto tourmenté et émouvant et une belle réussite de presque tous les solistes dans les grands airs du dernier acte. Gregory Kunde, engagé de la dernière heure, fait mieux  que se débrouiller en Tito malgré une tenue kitchissime, caricature un peu appuyée. La seule photo disponible ci-dessus rend compte de seul moment de plaisir visuel.

Il y a  enfin l’inteprétation magistrale du London Symphony Orchestra, dirigé par le glorieux Colin Davis. Musicalement l’honneur est sauf. Visuellement, on a souvent fermé les yeux pour entendre la musique.

à Aix jusqu'au 21 juillet www.festival-aix.com

Christian Jade (RTBF.be)

 

14/07/201/ FESTIVAL AIX EN PROVENCE 2011/LE NEZ/ CHOSTAKOVITCH/ WILLIAM KENTRIDGE:KASUCHI oNO

 

 

Aix 2011/Un « Nez » d’enfer.

 

  Quel contraste! L’imagination percutante de William  Kentridge donne une vie trépidante au Nez, hommage juvénile de Chostakovitch au génie de Gogol et au constructivisme russe. Pas de chance pour La Clémence de Titus de Mozart, victime d’une mise en scène   lourdingue de David Mac Vicar, sauvée par quelques vaillants solistes et Sir Colin Davis.

 Critique:

Caricature, censure tsariste et stalinienne.

Si vous additionnez les mésaventures  du  Nez de Gogol , sous les tsars, et du Nez de Chostakovitch, sous Staline, vous obtenez une  histoire  de la censure en Russie. Au XIXè siècle, cette bouffonerie, absurde en apparence, d’un homme qui perd son nez et parcourt St Petersbourg pour le retrouver, ne dut sa publication, d’ailleurs amputée, qu’à l’influence de Pouchkine. La caricature  de la police  fut admise, pas celle de l’Eglise.

Sous Staline, le problème ne vint pas tant du fond (officiellement) que de la forme, ni « réaliste », ni « socialiste ». Cette musique « folle » d’un surdoué de 22 ans, incohérente, multipliant les surprises, les percussions, les dissonances, les rythmes jazzy et les recherches formelles, à la Alban Berg, plaisait à Meyerhold, Maïakowski et à l’avant-garde constructiviste  » à la mode »des années 20/30. Taxé de « formaliste » et de « grenade d’un anarchiste », l’oeuvre ne connut,  en 1930, que 16 représentations. Et le  2è (et dernier) opéra, de chostakovitch, son  chef d’oeuvre, Lady Macbeth de Mzensk fut interdit par Staline en personne,en 1936,l’année des » purges ».

  
Aix 2011. Le Nez. Chostakovitch (c) Pascal Victor

William Kentridge, artiste engagé,  inventeur d’une vidéo d’art.

Le Sud-Africain William Kentridge-  plasticien multiforme, s’intéressant   au théâtre comme à l’opéra, par le biais, notamment de videos d’art ou de marionnettes- est un artiste engagé contre l’apartheid, puis contre le pardon de l’apartheid. Mais s’il témoigne « politiquement » c’est par le biais des versions théâtrales de  Woyzeck ou de Lulu, des oeuvres d’avant-garde  du début du XXè siècle, placées dans un contexte sud-africain.  La rencontre avec Bernard Foccroulle, alors directeur de La Monnaie, lui permet d’affronter l’opéra :Il Retorno d’Ulysses in patria , de Monteverdi, puis, La Flûte enchantée de Mozart. Depuis lors il a conquis New York et la première du Nez a eu lieu au Metroplitan Opera, alors que le MOMA lui offrait une exposition ….sur les travaux préparatoires pour le Nez, qui ont duré deux ans! (visibles aussi à Aix, jusqu’au 3 septembre à l’Atelier Cézanne).A la différence d’un metteur en scène « normal », Kentridge peut se permettre, dans la phase finale de confrontation aux acteurs, de sacrifier des pans entiers de ses préparations vidéos puisqu’il en fait des oeuvres d’art  …qu’il peut exposer et vendre.

La fascination du Nez.

Le Nez de Chostakovitch lui va comme un gant: une oeuvre « politique » et absurde  à la fois, caricature de tout régime autoritaire, et d’une poésie foudroyante,avec une partition tellement moderne et éclatée qu’elle permet à sa verve et à son savoir faire de vidéaste de surmonter tous les obstacles narratifs de vraisemblance. Le héros, Kovaliov  (un petit prof qui se prend pour un major) a-t-il eu le nez coupé par le barbier Yakolevitch? Une pseudo enquête policière nous fait appraître ce nez, à grandeur d’homme, dans une église, devenu « conseiller d’Etat ». Successivement des journalistes indifférents, des policiers corrompus, un docteur incompétent, un domestique rêveur,des voisines en quête de mariage font l’objet de scènes hilarantes, dans une joyeuse cacophonie sonore. Kentridge part du principe que la scène appartient à la victime, Kovaliov et que les métamorphoses du nez appartiennent à la vidéo. Du coup ce « délire » s’organise et la vidéo d’art permet de relier en souplesse la folle  et confuse cavalcade de ce nez en ballade à laquelle participent pas moins de 70  personages. Les sautes de style de la musique trouvent des accompagnements visuels rythmés d’une rare drôlerie. Le ballet des policiers est un morceau d’anthologie ponctué par la voix suraïgue de leur chef , délicieux Andrey Popov. Omniprésence  triomphale de Vladimir Samsonov en  Kovaliov  entouré   de comparses expressifs et transcendants,  du barbier Vladilir Ognovenko au docteur , Gennady Bezzubenkov ou la Pélagie de Margarita Nekrasova. Enfin on ne dira jamais assez de bien de Kazuchi Ono, ancien directeur musical de La Monnaie qui occupe la même fonction à l’Opéra de Lyon, dont il magnifie ici l’orchestre, ses ensembles et ses solistes. Mise en scène d’exception pour une oeuvre d’exception: bonheur total!

A voir jusqu’au 14 juillet à Aix, 

  www.festival-aix.com

 ou passez un week-end à Lyon, du 8 au 20 octobre

www.opera-lyon.com

Christian Jade (RTBF.be)